MARCO GRASSI BE MY PRINCESS

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1 MARCO GRASSI BE MY PRINCESS A cura di Matteo Galbiati LEO GALLERIES

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3 FIGURE DI COLORE Il problema che si pone nella nostra contemporaneità, rispetto alla pittura figurativa, si presenta articolato e complesso e le riflessioni e il dibattito conseguenti diventano tanto più elaborate quanto maggiore è il riscontro di cui gode oggi questo genere. Non è certo una novità l evidente interesse di mercato, pubblico e critica verso la figura che torna preponderante sia nella riscoperta dei grandi maestri che ne hanno fatto scelta stilistica, sia nella ricerca delle nuove espressioni delle generazioni di artisti più giovani. Il nodo centrale della questione è che si assiste ad una netta spaccatura in chi sostiene questo genere e in chi lo ricusa nettamente portando l analisi agli opposti estremi di un accettazione cieca o di un rifiuto totale. Pare ovvio che posizioni di questo genere siano criticabili: se da una parte vengono accettate e sostenute, incentivate e sopravvalutate, opere di artisti il cui pregio resta invisibile anche agli occhi di un qualsiasi spettatore occasionale purtroppo si coniano da parte di critici, poco responsabili rispetto la ricerca degli artisti e sensibili solo al profitto, nuovi nomi di correnti e generi e si riempiono premi, gallerie, collezioni di lavori degni di bancarelle di un qualsiasi mercato rionale dall altra un certo detestabile e deprecabile snobismo rifiuta in blocco qualsiasi atto artistico pertinente la figura reale per chiudersi in un intransigente sostegno votato alle ricerche astratte, concettuali, minimali. Anche in questo caso il rischio resta quello di incoraggiare e promuovere degli speculatori del pensiero che pensano che la semplicità astrattiva conceda spazio a interpretazioni e letture sempre possibili ma che, più che critiche e congetture analitiche, diventano iperboli della logica svilite in veri e propri voli pindarici naufragati nella pochezza del contenuto che, solo in potenza, li ha mossi. Le ragioni della critica, da una parte e dall altra, si dovrebbero orientare nell ordine e nel grado della qualità: il discrimine che dovrebbe bypassare ogni scelta di gusto peculiare e affinità elettiva va posto nei termini dell individuazione di artisti che diano prova di un riscontro qualitativo nel linguaggio, nella pratica, nella ricerca e nella poesia del loro fare. La serietà dell analisi, degli intenti, la forza della visione devono essere prevaricanti, non meno della maturazione del percorso compiuto, rispetto al mero esercizio formale e alla pratica accademica. Occorre quindi restituire una certa disciplina tanto all esercizio artistico, quanto a quello critico in modo che si orientino reciprocamente verso una seria responsabilità. Secondo una rispettosa responsabilità rispetto al proprio lavoro si muove da qualche decennio ormai Marco Grassi che, rimanendo fedele all impronta figurativa delle sue opere, mai ha permesso a questa di diventare oggetto alla moda o rispondente solo ad un gusto del momento. Il suo linguaggio e i suoi soggetti sono rimasti costantemente e dichiaratamente legati al senso della sua visione e al

4 gusto della sua complessa sensibilità, quand anche talune scelte la figura femminile alla moda, certi accostamenti cromatici, l uso della laccatura, la ripetizione con minime variazioni dei soggetti l hanno fatto etichettare ingiustamente come artista Pop. Laddove per Pop s intende quello di oggi, quello glamour tutto lustrini e paillettes tanto in voga in certi ambienti fashion e spesso oblio per una seria ricerca su un certo tipo figurazione, Pop che, ci si augura, possa conoscere un rapido declino ed esaurire la pochezza dei propri contenuti nel breve volgere di qualche stagione. È vero che il soggetto privilegiato di Grassi sono delicate e attraenti, quanto energiche e risolute, figure femminili incarnate in accesi colori alla moda, ma questo non deve bastare per inquadrare l artista in un genere che gli è proprio solamente nella forma ma non certo nel contenuto della sua arte. Evitare etichette che prescindono la conoscenza diretta dell artista e del suo percorso e muovere lo sguardo sull analisi del merito e della capacità della sua pittura sono mezzo indispensabile per sollecitare e sostenere una conoscenza resa più consapevole dei processi generanti l opera e i processi intuitivi del suo esecutore. Quest etichetta Pop, pur infastidendolo un po, non ha fatto cambiare rotta e non ha indotto Marco Grassi ad abdicare dalla sua scelta, ma ne ha reso, con più insistita decisione, un punto di forza: da artista, conscio dei suoi mezzi e delle sue potenzialità, riesce ad esternare sempre la sua visione poetica e, allo stesso tempo, l affinità di gusto con quel particolare genere il Pop appunto gli consentono di individuare ed esprimere momenti di critica e giudizio di quello stesso sistema di cui le sue opere sollecitano e svelano vizi e debolezze. Per gli orientamenti sopraccitati, il suo operato può essere accolto con favore o denigrato senza riscatto, ma entrambe le posizioni fanno perno su un insistita superficialità e trascurano l evidenza di valore degli elementi fondanti la sua pittura, alla cui assiduità rimane indiscutibilmente fedele nel tempo, e agli esiti che questa ha dato alla sua ricerca fino ad oggi condotta. Due sono i binomi da valutare con attenzione con i quali esaudisce gli elementi di senso del suo sguardo pittorico: figura-soggetto, colore-tecnica. Grassi persevera sull identità della figura femminile ma in questa mostra a sorpresa compare anche quella maschile, forse un coinvolgimento autoreferenziale? che diventa soggetto abile nell elaborare le differenti e contingenti variabilità del suo messaggio, perché, dato non trascurabile, i suoi dipinti s inquadrano in serie pur non essendolo secondo il significato canonico di questo termine che risentono delle specificità del momento in cui vengono dipinte. Parlano, sommessamente, del suo stato d animo e dei suoi sentimenti, del suo tempo, della sua storia, del suo sguardo gettato sul mondo. Ecco allora che questi personaggi diventano in qualche modo maschere, attori e figuranti, presi in intensissimi primi piani, che narrano

5 vicende che, partendo da quelle criptate dal loro esecutore, segnano con le loro espressioni attimi riconducibili anche a situazioni vissute da ciascun spettatore che, incrociando e sostenendo il gioco dei loro sguardi, in essi si rispecchia. I soggetti in maschera l uso di abiti da palcoscenico e costumi che in qualche modo occultano l identità accresce il senso di rappresentazione teatralmente mettono in scena, sotto l attenta regia del loro esecutore, non una storia definibile, ma il carico dell emotività che comporta. Nel caso specifico, tutti questi nuovi lavori paventano una seriosità che fa intuire qualcosa che rimane per loro in sospeso e/o non viene assaporato fino in fondo. Un sentimento da raggiungere o da svelare, una passione da dichiarare o da vivere in libertà. La loro espressione traduce comunque la caratteristica caratterialmente riconoscibile di Grassi: quel suo segno distintivo che offre una spontanea fedeltà nei riguardi di un soggetto che mostra maggior sincerità nello svelare principalmente una viva ed ingenua umanità e una debolezza interiore, che non nell esaltare la propria forma esteriore attraverso la vuota sottolineatura della propria corruttibile bellezza. Sempre nel rispetto del suo lavoro, quest intensità espressiva si ritrova e accorda con l energica sostanza del colore, teso in una tumultuosa e vibrante massa caleidoscopica di toni, forme e segni. Proprio per quanto riguarda la scelta tecnica va osservata innanzitutto una novità rilevante: Marco Grassi rinuncia ad un elemento che fino ad ora era stato per lui decisivo e parte integrante dell architettura di ogni suo lavoro. In queste ultime opere assistiamo alla sparizione totale del disegno: il tratto certo e sicuro con cui tracciava i profili anatomici e rendeva stabile l insieme della figura, rispetto alla scelta di un colore animoso che si trasfigura e cede sotto spatolature e colature, viene meno. La figura perde un fattore di certezza e sicurezza, una base che gli consentiva di integrarsi completamente nella complessa trama del colore, configurato ora in campiture sempre più decise ed efficacemente legate all espressività dei volti e all intensità del loro silenzioso e complice dialogo con chi osserva. Con un procedimento giorgionesco la sparizione del disegno, che rendeva in qualche modo più stabile la bellezza delle modelle e dei modelli nella franta unità delle cromie che si facevano materia informale, subordina adesso ogni cosa al colore, permettendogli di rendersi agente esclusivo tanto della rappresentazione visibile delle forme, quanto dell evidenza posta alle logiche sensoriali ed emotive che comunicano. Grassi plasma ogni tonalità quasi conoscendone ogni imprevedibile esito e dominandone ogni risultato e conclusione; si concede una perizia di segno che, benché resti immutato il senso di vibrante e caotica casualità, riconduce tutto all ordine incastonando ogni stesura cromatica al proprio posto. L uso del colore, partendo da un imprecisione esteriore e da una cura solo superficiale e disattenta, ritrova un risultato formale di equilibrato e composto ordine.

6 La pittura stessa, intesa come insieme di procedimenti, materiali e opere corrispondenti, in Marco Grassi è un agente di senso preponderante nel suo dispiegarsi secondo processi, come rilevato, solo in apparente contraddizione di cui il colore resta unico referente. Il controllo misurato e ponderato che mostra la natura accidentale della sua materia, il soggetto che supera il pronunciamento del suo significato apparente, l inquadramento di un genere da cui si smarca nei contenuti impongono adesso un analisi maggiormente dettagliata e complessiva della sua opera in ciascuno degli aspetti variegati che, tela dopo tela, ci sottopone. Per quanto concerne le tonalità cromatiche fa ora la sua comparsa il tono dell arancione che soprattutto in riferimento al tema sentimentale e languido dei soggetti di Be my princess si lega al desiderio di comunicare uno stato emotivo desideroso. L arancione induce lo sguardo a spostarsi sull esplorazione e l indagine delle emozioni secondo un orientamento sensoriale più fisico e cerca, in un certo qual modo, di smarcare i personaggi di Marco Grassi da ogni loro vincolo e frustrazione, liberandoli da una sottomissione immanente e tangibile, per spingerli a superare le loro inibizioni e insicurezze. Un arancione che si fa interprete della necessità di vivere intensamente, rendendo i desideri esperienze. Infine, come solitario attore non protagonista, troviamo nuovamente era già stato proposto in precedenti mostre un teschio che, nonostante mantenga la medesima cromia che lo accorda con il tono degli altri soggetti, pare essere un presagio quasi oscuro: Marco Grassi ci sembra allora ribadire che non c è bellezza, né moda, né conquista o sentimento che possa resistere allo scorrere del tempo. Implacabile appare il cupo Memento mori, ma incappiamo nell ennesimo equivoco che ci sottopone: senza essere perentorio questo teschio più che rammentare una fine prossima o lontana cerca sempre di spingere verso la consapevolezza del gusto per la vita. A gustare con intensità ogni esperienza, fino in fondo, con una serenità più viva e scanzonata di quelle ragazze e di quei ragazzi che, dalle sue tele, non nascondono un velo di malcelata tristezza e irrisolta inquietudine. Matteo Galbiati Febbraio 2010

7 testo matte FIGURES IN COLOUR The problem that arises in our contemporaneity, compared to figurative painting presents itself in a complex and articulated way and the reflection and consequent debates become more elaborate as the comparison in which this genre is known today. It is certainly not new the obvious interest of the market, public and critic which is predominant both in the rediscovery of the great maestros who have made it the choice of style and in the research for new expressionism of artists of the younger generation. The central crux of the question is that one assists to a division of those who support this genre and those who reject it, bringing the analysis to extreme opposites of a blind acceptance or a total refusal. It is obvious that the positions of this kind are to be criticized: if on one hand they are accepted and supported, stimulated and overvalued, works of artists whose worth remain invisible even to the eyes of any occasional spectator unfortunately are coined by critics not responsible in respect to the need of artists and sensitive only to profit, new names and genres, and they fill rewards, galleries, collections of works worthy of stalls of any street market - on the other hand a detestable and deplorable snobbishness refuses blankly any artistic act to do with the real figure in order to close itself in an intransigent backup voted to abstract research of concept and minimalist. Also in this case the risk is that of encouraging and promoting speculators of thought who think that abstract simplicity makes room for interpretations and reading which are always possible, but rather than critical and analytical presumption, become hyperbolized of degraded logic in real shipwrecked pindarics in the smallness of the contents which only in strength have moved them. The reasons for criticism from one side or another should be aimed at the order and level of quality: the distinction which should bypass every choice of personal taste and elective affinity is placed in terms of individual artists who give the answer of quality of language, in practise in the research and poetry of their work. The seriousness of the analysis, in intention of the strength of vision must be prevalent not less than the passage completed, in respect to simple formal exercise and academic practise. So what is needed is to restore a certain discipline as much in artistic exercise as in that of critics so that both can go towards a serious responsibility. For the past ten years Marco Grassi has been working with a sense of responsibility in his works, always being faithful to the figurative style of his works, never has he allowed this to become an object of fashion or only satisfying a momentary taste. His language and his subjects have always remained constant and declaringly connected to his sense of vision and to the taste of his complex sensitivity, whenever such choices the fashionable female figure, certain colour combinations, use of lacquering,, the repletion with minimum variations of the subjects

8 have labelled him, unjustly so, a Pop artist. Where Pop today stand for that glamour all sequins and shine, so fashionable in the world of fashion and often limbo for a serious research on a particular type of figuration. Pop, which one hopes, will soon decline and exhaust its poverty of contents in the space of a brief season. It is true that the privileged subjects of Grassi are delicate and attractive, but also energetic and resolute, female figures shown in fashionable, bright colours, but this should not be sufficient to frame the artist in a genre which is his only in the form but certainly not in the contents of his art. Avoiding labels which put aside the direct knowledge of the artist and his passage and look at the analysis of merit and the ability in his paintings are indispensable means to solicit and sustain a deeper knowledge of the processes which generate the work and the intuitive processes of the executor. This label Pop although annoying him a little did not make him change route and did not tempt him to abandon his choice, but has made him, with more decision, a point of force as an artist, conscious of his means and potential, he always manages to show his poetic vision, and at the same time, the affinity of taste with that particular kind Pop in fact allow him to single out and express moments of criticism and judgment of that same system of which his works solicit and show weaknesses and vices. For the afore mentioned, his work can be accepted with favour or denitrated with ransom, but both positions pivot on a superficiality and neglect the evidence of the fundamental elements of his paintings to which assiduity remains faithful in time and to the rewards that this has given to his research conducted until today. There are two pairs to be evaluated with care with which fulfils the elements of sense of his outlook: figure subject, colour technique. Grassi insists on the identity of the female figure but in this he shows surprisingly, a comparison with that of the male, perhaps self-referred involvement? which become subject in elaborating the different and contingent variations of his message, because something not to be overlooked, his paintings are framed in series even though not in accordance to the canonical sense of this term which feel the specificness of the moment in which they are painted. They speak quietly, of his mood and feelings, his time, his story, of his outlook of the world. This is why these characters are masked in some way, actors and figures, caught in the intense foreground, who tell of events starting from those crypted by their executor, mark, with their expressions moments which can be traced back also to the situations experienced by each spectator, that meeting and playing the game of their glances in which they are reflected. The masked characters, the use of theatrical costumes and customs which in some way hide the identity increases the sense of acting on stage,

9 the attentive direction of their executor, not a definable story, but the weight of the emotion it entails. In a specific case, all these new works fear a seriousness which makes one sense something remaining suspended and/or is not tasted fully. A feeling to be reached or discovered, a passion to be declared or to live in freedom. However, their expression translates the characteristic recognizable of Grassi, his distinctive mark which offers a spontaneous fidelity regarding a subject which shows greater sincerity in revealing mainly a live and naïve humanity and an interior weakness, and not in elevating its own exterior form through the empty underlining of its own corruptible beauty. Always in respect of his work, this expressive intensity is found and agrees with the energetic substance of colour, lain out in a tumultuous and vibrant kaleidoscopic mass of tones, forms and signs. Regarding the technique chosen a relevant novelty can be noticed. Marco Grassi renounces an element which up until now was a decisive element and part of the architecture of every part of his work. In his most recent works we witness a complete absence of design: the sure and confident stroke with which he traced outer anatomic lines, showing stability in the whole of the figure, compared to a choice of bold colours which transforms and breaks down under the effect of spatula and drippings, is less obvious. The figure loses the factor of certainty and sureness, a base which permitted it to integrate itself completely in the complex weave of colour, now depicted in a more decisive background and efficiently connected to the expression of faces and the intensity of their silence and complice with those who observe. With a Giorgione procedure the disappearance of design, which in some way made the beauty of the models more stable in the shattered unity of the shades which became informal matter, anything is now subordinate to colours, allowing him to be exclusive agent as much in the visible representation of the forms as in the evidence placed in sensorial and emotive logic which communicate. Grassi moulds every shade almost knowing every unforeseeable result and dominating every result and conclusion: he allows himself a valuation of signs, even if the vibrant sense and chaotic coincidence remains unchanged, bringing everything back to order, every chromatic coat to its right place. The use of colour, starting from an imprecise exterior and only from superficial care, finds once more a formal result of balance and composed order. Painting itself, understood as procedure as a whole, material and corresponding works, is in Marco Grassi a predominating sense in his unfolding according to processes, as shown, only in apparent contradiction in which colour is the only reference. The measured and pondered control which shows the accidental nature of his matter, the subject which exceeds the pronouncing of his apparent meaning.

10 testo matte The assignment of a genre from which frees in the contents now imposes a more detailed and complex analysis of his works in each of the various aspects, which, canvas after canvas we are submitted. As far as the chromatic tones are concerned now the tone of orange makes its appearance which, especially in sentimental and languid themes of the subjects of Be my princess joins with the desire to communicate a state of longing emotion. Orange induces the glance to explore and the enquiry of the emotions according to a sensorial direction which is more physical and looks for, in some way, to break loose the characters of Marco Grassi from all their constraints and frustrations, freeing them from a tangible submission, to force them to overcome their inhibitions and insecurity. An orange which is interpreter of a necessity to live intensely, making desires experiences. Finally, like a lonely actor and not protagonist, we find again it had already been suggested in previous shows a skill which even if it maintains the same shade of colour with which it shares the shade of other subjects, seems to be an almost dark omen. Marco Grassi seems to point out that there is no beauty, fashion, conquest or sentiment which can resist the passing of time. Relentless appears the dark Memento, but we come across for the umpteenth mistake to which we are submitted: without being peremptory this skull more than reminding of an end near or far, always tries to force towards an awareness of the joy of living. To enjoy fully every experience, to the last drop, with a lively serenity and restlessness of those girls and boys who, from his canvases do not hide a veil of ill-concealed sadness and unresolved anxiety. Matteo Galbiati February 2010

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57 BIOGRAFIA Marco Grassi nasce a Milano nel Studia presso il Liceo Artistico B. Luini a Cantù e si laurea sucessivamente in Architettura a Milano. Vive e lavora a Mariano Comense. BIOGRAPHY Mark was born in Milan in He studied at the Liceo Artistico B. Luini in Cantù and graduated in architecture in Milan. Ha lives and works in Mariano Comense.

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59 Principali mostre personali 2010 BeMyPrincess, leo galleries, Monza S.T., Scottsdale, Arizona 2009 More Pink, Art Gallery, Cortina d Ampezzo More Pink, East End Studios, Milano Glamourgrama, T35, Milano Glamourgrama, MA09, Atlanta Glamourgrama, WFCUSA, Phoenix 2008 Girls Save the Pink, Galleria Nuovospazio, Piacenza Girls Save the Pink, a cura di Stefano Castelli, Villa Sartirana, Giussano, Milano Pink 4 1 Night, Stefano Civati Art Consultant, Milano 2007 Pink Velvet, a cura di Maurizio Sciaccaluga, Novato Arte Contemporanea, Fano Kissing the pink, a cura di Matteo Galbiati, Spazio Contemporaneamente, Milano La vie en rose, Galleria Bortone, Parigi 2006 I LOVE Roma, Galleria Laura Rossi International, Roma SMALL, a cura di Marta Casati, Galleria Magrorocca, Milano 2005 LOVE me tender, a cura di Paola Noè, Ex chiesa di S. Pietro in Atrio, Como 2003 Self-service, a cura di Maurizio Sciaccaluga, Galleria Magrorocca, Milano 2002 New paintings, AMSTE, Lissone 2001 Globalislamizzazione, Studio Gariboldi, Milano 2000 Metropolitani 2000, a cura di Luca Beatrice, Studio Gariboldi, Milano

60 Principali mostre collettive 2010 Arte per Arte, Lucca Center of Contemporary Art, Lucca 2009 Love Nest, Galleria Wannabee, Milano Undercover, Galleria Wannabee, Milano 2008 Contemporary, Superstudio, Milano Convivio - Milano 2007 Gimme Five a cura di Ivan Quaroni, Galleria Novato, Fano Film rouge a cura di Chiara Argentieri, Galleria Grafique, Bologna Figurandia, Galleria La Roggia, Brescia La nuova figurazione italiana, a cura di Chiara Canali, Fabbrica Borroni, Bollate Curve Pericolose, a cura Maurizio Sciaccaluga, Bastioni Porta Venezia, Milano Bonelli Lab, Canneto sull Oglio, Mantova Danze macabre, galleria Triangolo, Bergamo 2006 Allarmi2, Como Bang Bang my baby shot me down, a cura di Maurizio Sciaccaluga, Galleria Novato, Fano L Arte nell uovo di Pasqua, Complesso monumentale del Vittoriano, Roma Profumo di donna, a cura di Maurizio Sciaccaluga, Galleria del Tasso, Bergamo 2005 Seven every thing goes to hell, a cura di Maurizio Sciaccaluga, Palazzo Pretorio, Certaldo 2004 Quattro artisti per un premio, Roberta Lietti Arte Contemporanea, Como Le dinamiche del volto, Palazzo Ducale, Pavullo nel Frignano Girotondoilmondolaterraperterra, Galleria Magrorocca, Milano 2003 Cluedo, a cura di Maurizio Sciaccaluga, Image Furini Arte Contemporanea, Arezzo Tattoo, Bonelli Arte Contemporanea, Mantova Specchio, a cura di Emma Gravagnuolo, Galleria Guidi&Shoen, Genova Contemporanea Giovani, Ex Ticosa, Como

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62 PUBBLICATO IN OCCASIONE DELLA MOSTRA PUBLISHED FOR THE EXHIBITION MARCO GRASSI BE MY PRINCESS a cura di Matteo Galbiati Monza 23 Marzo - 8 Maggio 2010 Publication 2010 Leo Galleries Edition of 1000 Text of the autors Leo Galleries via Raffaelle De Gradi, 10 - I Monza via Losanna, 4 - CH-6900 Lugano info@leogalleries.com Leo Galleries directors: Daniela Porta Valeria Margherita Mosca Leo Galleries catalogue editor: Valeria Margherita Mosca Leo Galleries chief curator: Matteo Galbiati Leo Galleries coordinators: Nadia Caglio printed on 100% recycled paper by Vigrafica Monza All rights reserved. No part of this publication may be used or reproduced in any manner whatsoever without prior written permission from the copyright holders. To stay informed about upcoming Leo Galleries titles, please go to or write to info@leogalleries.com. We will happy to inform you about all.