ISTITUTO GIOVANNI PAOLO II STORIA DELL ARTE IL DIVISIONISMO

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1 IL DIVISIONISMO Come in Francia, anche in Italia, verso la fine dell Ottocento, la conoscenza delle nuove teorie sul colore, porta alla formazione di una corrente artistica la quale, analogamente al Puntinismo (Pointillisme), sostiene che: non si devono mescolare i colori sulla tavolozza per ottenere una grande varietà di sfumature ma bisogna accostarli direttamente sulla tela allo stato puro (cioè senza mescolanza, ovvero divisi, da cui divisionismo), mediante piccoli punti Le nuove teorie sul colore erano il risultato di approfondite ricerche, condotte dal chimico Chevreul, il quale aveva scoperto che se accostiamo due puntini, l uno blu e l altro giallo, e li osserviamo da lontano, la nostra retina li coglierài in un unico colore verde inoltre, se i puntini blu e giallo sono puri, l'occhio vedrà un verde molto brillante In Francia, il primo pittore che seguì le indicazioni di Chevreul fu George Seurat, il quale iniziò a produrre i suoi lavori, tracciando sulla tela dei minuscoli puntini. Da ciò il termine Puntinismo (o pointillisme) con cui la tecnica divenne nota, anche se Seurat avrebbe preferito il termine Divisionismo. In Italia, il Divisionismo ha come centro artistico Milano, dove nasce ufficialmente nel 1891, quando le prime opere divisioniste vengono esposte ala Triennale di Brera. Le teorie di questa nuova corrente pittorica, saranno, invece, puntualizzate qualche anno dopo (precisamente, agli inizi del Novecento), in alcuni scritti di Gaetano Previati. Pur essendo in sintonia con il puntinismo, il divisionismo: preferisce i trattini lunghi, quasi filamentosi, al posto dei puntini ed uno stile più semplice e spontaneo di quello francese. Una fonte importante, da cui i divisionisti traggono insegnamento, è la Scapigliatura, da cui ereditano: lo spirito anti-accademico, cioè l avversione per i contenuti mitologici e storici, preferendo, come soggetto, la natura ed il rifiuto del chiaroscuro, a favore della la luce dal vivo, mediante la pittura en plain air Giovanni SEGANTINI ( ) Il maggior esponente del Divisionismo italiano è Giovanni Segantini, il quale si accosta alla natura con atteggiamento mistico. Segantini si dedica totalmente all attività pittorica. Muore per un attacco di peritonite, durante una tormenta, in una baita d alta montagna (Schafberg), posta a metri d altezza, dove era salito per completare uno studio sulla neve, incurante della fatica fisica e del pericolo personale. Alla solennità della montagna, all ampiezza delle vallate alpine, sono dedicate le sue opere migliori. Molti hanno dipinto il mare o la campagna, pochi le alpi, così difficili da rappresentare senza scadere nella retorica o nella banalità dell illustrazione da cartolina. Segantini è, forse, il solo che sia riuscito a renderle in tutta la loro maestà. Dopo un periodo trascorso a Milano, l artista sente il bisogno di allontanarsi dalla città, per instaurare un contatto più diretto con la natura. Così, si reca prima in Brianza, poi in Svizzera, nel Cantone dei Grigioni., infine in un valico alpino a 1850 metri di altitudine. Segantini si immedesima nella natura, perciò: non si colloca davanti ad essa come spettatore 1

2 ma per diventare parte integrante di essa Con questa stessa ottica, egli si accosta al lavoro ed alla vita dei contadini e degli animali, riuscendo a creare un rapporto di unità fraterna con tutto ciò che lo circonda. Ultima considerazione riguarda il fatto che Segantini non aderisce immediatamente al divisionismo, ma vi si avvicina gradualmente, capolavoro dopo capolavoro. Analisi dell opera Le due madri di Giovanni Segantini Olio si tela, 157 x 280 cm. Milano, Galleria d arte moderna Le due madri propone un parallelismo tra maternità umana e maternità animale. All'interno di una stalla, scarsamente illuminata, sono ritratte due madri: una mucca, che si nutre nella mangiatoia, mentre il suo vitellino si riposa ed una contadina, seduta su uno sgabello, mentre tiene in braccio il suo bambino Con un linguaggio pienamente divisionista, il pittore: a) ha scelto un soggetto popolare e quotidiano b) ha descritto tutti i dettagli della scena con estremo realismo c) ed ha usato gli effetti luminosi, per attribuire a questa realtà (popolare e quotidiana), un significato simbolico: la sacralità laica che celebra la maternità, in sostituzione del tema religioso della Madonna in adorazione del Bambino La luminosità calda e dorata, che permea il dipinto, emana dalla lanterna appesa al soffitto della stalla, la cui fiamma non è direttamente visibile, poiché il vetro è schermato da un foglio di carta, che ne smorza il bagliore. Tale luminosità, adottata dall artista per creare un'atmosfera di intimità e di calore affettivo, è bassa, ma diffusa per tutto l'ambiente, in modo che nessun dettaglio sia avvolto nell'ombra. Per ottenere tale effetto, Segantini: non ha fatto ricorso al miscuglio di colori sulla tavolozza ma li ha applicati separatamente sulla tela (piccoli trattini di colore puro), secondo la tecnica divisionista Riguardo alla scelta dei colori, l artista ha utilizzato tonalità marrone-ocra, tirate verso il rosso. Il Post-impressionismo Il post-impressionismo è un termine convenzionale, usato per individuare le molteplici esperienze figurative sorte dopo l'impressionismo. I principali artisti post-impressionisti sono Van Gogh, Gauguin, Cezanne e Seurat. 2

3 Il post-impressionismo non può essere giudicato uno stile vero e proprio, perchè non è accomunato da caratteri stilistici unici. Esso è solo un'etichetta, che serve per indicare un periodo, che va dal 1880 agli inizi del Tutta la cultura occidentale ha sempre inteso l'arte come riproduzione del reale, avendo come obbiettivo finale la realizzazione di un naturalismo perfetto. Questo atteggiamento culturale si rompe quando, nel corso del diciannovesimo secolo, la fotografia assolve a questo compito meglio della pittura.. Così, agli inizi del Novecento, l'arte, ed in particolare la pittura, cambiano la loro funzione: non riproducono più ma comunicano. L'arte serve a mettere in comunicazione due soggetti: l'artista e lo spettatore.. utilizzando la forma, senza riprodurre la realtà visibile. Nel breve volgere di pochi decenni, le premesse di questo nuovo atteggiamento portano ad una totale rivoluzione nel campo dell'arte, che culminerà nel 1910, con la nascita dell'astrattismo, il quale sancirà definitivamente la rottura tra arte e rappresentazione del reale. Nella fase post-impressionista, l'attività di alcuni pittori creerà le premesse di alcuni degli stili fondamentali del Novecento: l'espressionismo e il cubismo. Quello che storicamente viene definito Espressionismo, nasce intorno al 1905, contemporaneamente in Francia ed in Germania, con due gruppi artistici: i Fauves e Die Brucke, le cui attività artistiche vengono anticipate da Van Gogh e da Gauguin a partire dal Sia Van Gogh che Gauguin esprimono una forte carica di drammaticità, che li pone su un piano opposto rispetto all'impressionismo. Infatti: l impressionismo era caratterizzato da una giocosità.di fondo mentre l'espressionismo, a partire da Van Gogh, esprime intense sensazioni di dolore I pittori post-impressionisti superano l'impressionismo anche sul piano della tecnica rappresentativa. Cezanne, che aveva esposto nella prima mostra di pittori impressionisti, diventa uno dei protagonisti del superamento della pittura impressionista. Infatti, è considerato il padre spirituale del Cubismo. Seurat è il fondatore del Pointillisme. La sua pittura si compone di tanti minuscoli punti di colori primari, accostati sulla tela a formare una specie di mosaico. Questo stile, definito divisionismo, si basa su un principio ottico fondamentale: la mescolanza ottica. La pittura divisionista ha prodotto una influenza notevolissima su tutti i pittori della generazione successiva. Breve biografia di Paul Cezanne ( ) Paul Cézanne, nasce nel Avviato dal padre agli studi di diritto, abbandona l università per dedicarsi alla pittura. A Parigi entra in contatto con quegli artisti che saranno poi chiamati impressionisti e, nel 1874, partecipa alla loro prima mostra presso lo studio fotografico Nadar. Ma le sue opere dei primi anni Ottanta mostrano già significative differenze rispetto a quelle degli 3

4 Impressionisti e il suo distacco diventa definitivo alla fine del decennio. Dall'Impressionismo Cézanne apprende: la pittura en plein air e la ricerca della massima luminosità dei colori Tuttavia rifiuta: il colpo d'occhio momentaneo (l impressione del momento) e il loro immergersi nella natura Infatti, egli sostiene che non ci si deve far trascinare dall'emozione o dalla sensazione, ma bisogna imparare a disciplinarle attraverso una coscienza vigile. In questo voler conciliare il sensibile col razionale, sta la sua "classicità", che, però non vuol dire: che bisogna ritornare al chiaroscuro ed alla prospettiva dell arte classica ma che si deve dare alle cose quella forma "solida e durevole ", che aveva caratterizzato le opere degli antichi Per tutta la vita Cezanne ha cercato di far accettare le sue opere ai Salons ufficiali, ricevendo solo rifiuti. Perseguitato dall'insuccesso e dall'incomprensione, si stacca progressivamente dall'ambiente parigino e si ritira in Provenza, dove trascorre una vita solitaria, tutta dedicata alla pittura. Muore nell ottobre del 1906, durante un tremendo temporale, che lo coglie all'aperto, mentre lavora. Analisi dell opera Le grandi bagnanti di Paul Cezanne Olio su tela, 208 x 249 cm. Philadelphia, Durante l ultimo Museum decennio of art della propria vita, Cezanne dedica tre monumentali tele al soggetto delle bagnanti. Tutte e tre le opere sono state oggetto di un elaborazione lenta, che si è protratta fino alla morte dell artista. Nella versione delle bagnanti esposta a Philadelphia la scena si svolge in una radura, dove quattordici donne, delimitate a destra e a sinistra da tronchi d alberi, si concedono un attimo di svago dopo il bagno. 4

5 I tronchi degli alberi, che si inarcano fin quasi a toccarsi, fungono da quinte laterali e formano un triangolo, la cui base è costituita dal ruscello e il cui vertice è collocato dall artista fuori dal quadro, al fine di dilatare lo spazio pittorico. In mezzo all asse centrale del triangolo sono ritratte una nuotatrice in mezzo al fiume e due figure in piedi sulla sponda opposta. In primissimo piano, due donne stendono le braccia quasi a voler sistemare un panno bianco appena accennato. In lontananza si scorge un paesaggio, al di là del quale lo sguardo spazia verso l alto, in direzione di un cielo nuvoloso. I due gruppi di bagnanti compongono, con i loro arti, due piccole piramidi, ciascuna delle quali è disposta secondo una diversa angolazione, anche se le pose delle singole figure sono identiche. I nudi hanno proporzioni ingigantite ed esprimono una forza primitiva, quasi animalesca. Il disegno dei volti è sgraziato e incompiuto. I corpi sono contornati da linee nere spezzate, che non chiudono le forme, ma fanno sì che tutto si fondi insieme: carne, terra, corteccia, vegetazione, aria, acqua. Come avviene per le forme, anche i colori utilizzati (azzurro, grigio, verde cupo e ocra), sono dosati sulla tela, in base alle sensazioni dell artista, indipendentemente dalla loro corrispondenza con la realtà. Perciò: tra le nuvole ci sono macchie verdi e ocra mentre sulla pelle delle donne sembrano riflettersi le nubi e la terra Il modo con cui Cézanne ha steso i colori sulla tela ha reso la tecnica ad olio così tenue e trasparente, da farla sembrare un delicato acquerello. In quest opera i riferimenti all arte del passato sono enormi. Ad esempio, il tema delle vergini, è stato tratto dalle Metamorfosi di Ovidio e chiari sono anche i riferimenti alle Andromede di Tiziano. Questi richiami alla pittura del passato servono a realizzare di un arte monumentale ed eterna, non più strettamente fondata sull osservazione del reale. NOTA BENE I dipinti delle Bagnanti saranno fondamentali per la storia dell'arte successiva, influenzando profondamente tutti i protagonisti delle avanguardie, da Matisse a Braque, da Picasso a Moore. 5

6 Nella composizione di Londra la coppia di nudi posta in secondo piano e volta di spalle, costringe lo spettatore a spingere lo sguardo in profondità. Alla coppia si contrappone la massa monumentale della donna seduta all'estrema destra, le cui braccia si protraggono in avanti. Il movimento della donna sorpresa mentre si veste, girata verso lo spettatore, è parallelo a quello della donna col telo bianco che, all'estrema sinistra, si appresta ad entrare in scena. Al centro della composizione è collocata una figura femminile distesa in diagonale, che funziona da anello di congiunzione fra i nudi disposti a destra e quelli del gruppo di sinistra, dominato dal massiccio corpo femminile posto di spalle. Da notare in questo dipinto sono: il cane nero addormentato ed alcuni elementi di natura morta (del cibo in un cestino) Breve biografia di Vincent Van Gogh ( ) Vincent van Gogh nasce in Olanda nel 1853 da una modesta famiglia. Il padre è un rigido pastore protestante. Gli studi di Vincent sono incostanti e, in un primo momento, crede di voler fare anche lui il predicatore. Proprio in questa veste, trascorre un certo periodo di tempo nelle miniere del sud del Belgio insieme ai minatori. Allontanato dai superiori, perché vive la sua professione con troppo zelo (vive da povero tra i poveri), si dedica allo studio dell anatomia, del disegno e della pittura. Raggiunto il fratello a Parigi, conosce Toulouse-Lautrec, uno dei pochi artisti contemporanei che lo capiscano veramente. Entra anche in contatto con Monet, Degas, Renoir e con altri Impressionisti e Divisionisti. Nel 1887 inizia l'amicizia con Gauguin, conclusasi tragicamente l anno successivo ad Arles, dove Van Gogh si è trasferito. 6

7 Vincent aveva invitato ad Arles l'amico Gauguin. Ma, a causa delle loro differenti opinioni artistiche, i due uomini litigavano continuamente, finchè, un giorno, Vincent si tagliò parte di un orecchio. Successivamente, Van Gogh viene ricoverato in ospedale per accessi di follia. Convinto che la sua malattia dipenda dal clima meridionale, decide di tornare al Nord. Ma, poco tempo dopo, senza che nessuno si accorga del precipitare degli eventi, Vincent si suicida, sparandosi al cuore. La personalità Vincent è affetto da disturbo bipolare. E un uomo istintivo, dai sentimenti forti e violenti. La consapevolezza di essere incompreso, l ansia di capire se stesso e di trovare i modi attraverso e i quali esprime la propria interiorità, la ricerca di un ruolo professionale seguito da numerosi insuccessi e da ripetuti rifiuti, lo fanno piombare dapprima in una profonda depressione e, in un secondo momento, lo conducono alla pazzia, caratterizzata da frequenti crisi, durante le quali perde ogni contatto con la realtà e che, infine, lo spinge al suicidio. Analisi dell opera La berceuse (ritratto di Madame Roulin) di Vincent Van Gogh Olio si tela, 92 x 73 cm. Otterlo (Paesi Bassi) Rijksmuseum L opera Madame Roulin è la moglie di Joseph Roulin, il postino di Arles ed uno dei più fedeli amici di Van Gogh, che l artista ritrae varie volte nella sua divisa blu. La berceuse come archetipo della figura materna Nello schizzo originario,che l artista aveva disegnato su una lettera, il ritratto doveva rappresentare il pannello centrale di un trittico, con ai lati due nature morte con i girasoli. I fiori simboleggiavano la gratitudine e costituivano un omaggio all archetipo femminile, rappresentato da Madame Roulin, o berceuse, che letteralmente significa colei che culla. L intenzione dell autore era quella di fare un trittico, da regalare ai marinai, affinché lo appendessero nelle cabine dei loro pescherecci, per tener vivo il ricordo del dondolio della culla e delle antiche ninne nanne. 7

8 L idea della donna Van Gogh ha un idea mitica della donna, vista come ispiratrice e portatrice di armonia. Infatti, il ritratto di Madame Roulin, che tiene in mano il cordone con cui dondola la culla è, contemporaneamente: l immagine simbolica della moglie e della madre ma rappresenta, anche, l'idea di un'arte che consoli e che pacifichi, ruolo assolto un tempo dalla religione. Attraverso quest'opera Van Gogh si fa, quindi, interprete di una religiosità laica, incentrata sull'uomo e sulla natura Un immagine sacra per placare la malinconia L idea della donna protettrice è anche riconducibile a motivazioni psicologiche, infatti Van Gogh scrive che, nelle sue ricorrenti crisi, gli si presenta continuamente la visione della sua casa natale, che per lui è stata fonte d insicurezza e di un forte senso di solitudine,. Perciò, egli cerca di porvi rimedio, dipingendo ripetutamente una figura materna, che diventi un immagine sacra di consolazione. Astrazione e stilizzazione delle forme L'artista ha realizzato almeno cinque diverse versioni del quadro, impostando l'immagine in modo abbastanza tradizionale: Madame Roulin è, infatti, seduta su una sedia e tiene le mani raccolte in grembo. I suoi occhi, persi in qualche pensiero malinconico, sottolineano la rassegnazione, tipica della sposa e della madre che ha sacrificato tutto di sé. Influenzato da Gauguin, Van Gogh dipinge la figura di Madame Roulin in modo stilizzato: accentuando le linee nere di contorno all interno delle quali, stende ampie campiture piatte di colore puro (la giacca verde, la sedia marrone e il pavimento rosso) La tecnica produce l effetto di uno smalto cloisonnè (così chiamato dai sottili listelli metallici o cloisons, che formano gli spazi in cui si cola lo smalto) e ricorda la bidimensionalità tipica dell arte giapponese, tanto cara all autore. Il chiaroscuro e le sfumature sono per lo più assenti. Solo le mani, infatti, sono prive di contorno nero. Ma non scompare del tutto la tipica pennellata di Van Gogh, la quale: definisce le forme del viso e della pettinatura rende più realistici i fiori e le foglie della tappezzeria e, infine, segue disordinatamente le pieghe della gonna. I colori della tappezzeria sono in sintonia con quelli degli abiti della Berceuse, tanto che la figura non si stacca dal fondo e sembra sullo stesso piano della ricca decorazione murale. I colori come strumento rivelatore del interiorità umana 8

9 L artista si concentra sull'espressione della figura, da cui si sprigiona una forte intensità emotiva. Questa carica di energia viene rivelata attraverso un uso sapiente dei colori. Da notare, a tale proposito, l'accesa luminosità che pervade tutto il quadro, ottenuta: accostando colori complementari e dosando con grande sapienza una ristretta gamma di toni Breve biografia di Paul Gauguin ( ) La vita di Paul Gauguin è caratterizzata da continui spostamenti tra l'europa, il Sud America e l'oceania. Nato a Parigi nel 1848, alla morte del padre, è già in viaggio per il Perù, dove trascorse la prima infanzia. Rientrato in Francia, a diciassette anni inizia a viaggiare per mare, come marinaio, poi come militare di leva, toccando i più importanti porti del mondo. Dopo il congedo, si stabilisce a Parigi, dove lavora come agente di cambio. Costretto ad abbandonare l'impiego a causa di una grave crisi economica, si dedica totalmente alla pittura. Dal 1880 al 1886 partecipava a tutte le mostre degli Impressionisti. Desideroso di una vita semplice, primitiva, lontana da una cultura soffocante, si imbarca per Panama e per la Martinica. Rientrato in Francia, vive per un breve periodo ad Arles con Vincent Van Gogh, che sperava di dar vita ad una comunità di artisti nel sud della Francia. Successivamente, si trasferisce a Tahiti (in Polinesia), dove muore nel 1903 in carcere, per essersi opposto alla politica razzista del governatore francese. Anche per Gauguin gli inizi sono stati impressionisti, ma già dal 1888 il suo modo di dipingere è completamente mutato. Infatti: i colori sono dati per ampie campiture piatte e, più che dei colori complementari, Gauguin fa uso di quelli primari: rosso, giallo, blu Analisi dell opera Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? di Paul Gauguin Olio su tela, 139 x 374,5 cm. Boston, Museum of Fine Arts 9

10 Un'allegoria delle età della vita Da dove veniamo? Che siamo? Dove andiamo? è stato realizzato a Tahiti, al rientro da un deludente viaggio in Francia, dove la pittura di Gauguin non aveva trovato alcuna comprensione. Egli lavora all'opera in un momento di grande sofferenza fisica e morale, dovuta dalla morte prematura della figlia Aline, che gli provoca un aggravamento del suo stato di salute, già minato dall alcool e dalla sifilide. Egli tenta addirittura il suicidio, ingerendo del veleno. Perciò, Da dove veniamo? Che siamo? Dove andiamo? è considerato il suo testamento spirituale. Osserviamo attentamente l opera: (A) (B) I bordi superiori della tela recano, su fondo giallo-oro, il titolo (A) a sinistra, e a destra (B) la firma e la data d'esecuzione. Secondo le intenzioni dell artista, il dipinto doveva dare l'impressione di un affresco, rovinato agli angoli, e applicato su un muro colore oro. A destra, in basso, si notano tre donne accoccolate e un bambino addormentato. Due figure vestite di porpora si confidano le loro riflessioni. Probabilmente, simboleggiano due filosofi. Una figura seduta, che il pittore ha dipinto più grande rispetto alla prospettiva, alza in alto un braccio e guarda, stupita, quei due personaggi che osano pensare al loro destino. 10

11 Al centro, in primo piano, è collocata una figura, che coglie un frutto. Sempre in primo piano, è ritratto un bambino, vicino a due gatti ed una capra. Hina, la dea universale dei polinesiani, (Tahiti è in Polinesia) leva misteriosamente le braccia e sembra indicare l'aldilà. Una fanciulla, seduta, sembra in ascolto dell idolo. idolo. Infine una vecchia, prossima alla morte e presa dai suoi pensieri, completa la storia, mentre uno strano uccello bianco, che tiene una lucertola con gli artigli, simboleggia l inutilità delle parole, che l artista considera vane, perchè non danno risposte Lettura dell opera alle angosce della vita. L'opera deve essere letta da destra a sinistra. Le figure sono disposte in uno scenario naturale paradisiaco. Esse simboleggiano i momenti principali della vita umana: il neonato a destra indica la fanciullezza la figura in piedi al centro, la più luminosa dell intero dipinto, coglie il frutto, che simboleggia la parte migliore della vita, la giovinezza l'anziana donna all'estrema sinistra rappresenta la vecchiaia e la paura della morte La vita scorre inesorabilmente, senza essere interrotta dalle parole dei due personaggi, che indossano abiti coloro porpora e che discutono come se fossero filosofi. Simbolismo del colore e ordine classico Dipinta quasi di getto su una tela di juta piena di nodi e rugosità, l'opera ha un effetto di non finito, perchè l'artista non si è, volutamente, attenuto alle regole accademiche: della prospettiva delle proporzioni della perfezione formale.. preferendo dare risonanza al colore e al suo potere di comunicare le emozioni. Il colore, infatti, è il vero protagonista di tutta l opera. 11

12 La composizione è strutturata secondo: corrispondenze simmetriche verticali (le piante sinuose del sottobosco si alternano alle figure in piedi) e orizzontali (la riva del ruscello e l'orizzonte del mare) L atmosfera paradisiaca, priva di precise coordinate spazio-temporali (l'unico riferimento geografico è un isoletta vulcanica sul fondo), è generata: dalla mancanza di effetti di luce e ombra e dalle combinazioni di toni (i colori dominanti del fondo, blu di Prussia e verde, accendono, per contrasto, l'intensità dell'arancione dei corpi nudi) Donne e animali sembrano provenire da un luogo mitico primordiale. I loro gesti, composti e calmi riconducono, lo spettatore a quella dimensione ideale di armonia e serenità, a cui l'uomo aspira da sempre. I personaggi sembrano collocati in un sogno, privo di profondità e da quell atmosfera idilliaca, che si ritrova anche ne Le grandi bagnanti di Cezanne. La vegetazione è descritta con colori immaginari, che rievocano i suoni e il calore, di Tahiti, la terra in cui Gauguin aveva cercato una dimensione naturale di vita. 12