CANTIERE DEL 900 Opere dalle collezioni Intesa Sanpaolo. Il progetto scientifico. Il percorso espositivo

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1 CANTIERE DEL 900 Opere dalle collezioni Intesa Sanpaolo Il progetto scientifico Cantiere del 900. Opere dalle collezioni Intesa Sanpaolo è il nuovo progetto espositivo - proposto nelle Gallerie di Piazza Scala, polo culturale e museale di Intesa Sanpaolo a Milano - dedicato alla presentazione delle opere del Novecento presenti nelle collezioni della banca. Curato da Francesco Tedeschi, il primo allestimento espositivo del progetto propone una selezione delle opere più significative dei protagonisti e delle tendenze della seconda metà del secolo, in ambito italiano. Le opere, circa duecento, offrono una visione multiforme della ricchezza delle direzioni di ricerca nelle quali l arte italiana di questo importante periodo ha raggiunto livelli di eccellenza sul piano mondiale. L itinerario storico-critico si articola attraverso momenti di approfondimento su singoli autori e situazioni, ma intende anche intrecciare idee e temi che suggeriscono una lettura aperta a diverse possibilità di approfondimento. Muovendo da tali motivazioni, l immagine che guida questa ipotesi di lavoro è quella del cantiere, come luogo simbolico di una costruzione in fieri, ma anche come metafora del processo di scavo e di ricerca. Cantiere del 900 è dedicato all arte di un periodo ancora vicino, nel quale affondano le radici del presente, ma la cui storia appare ben delineata, almeno nella conoscenza dei maggiori autori (ai quali sono stati dedicati cataloghi generali e ragionati) e delle sue linee complessive e particolari. Nonostante questo, l arte del Novecento necessita di ulteriori attenzioni, non solo per verificare o confermare i valori acquisiti, ma anche per esplorare situazioni e convergenze non ancora compiutamente sondate. La presentazione dell arte del secondo Novecento, poi, nelle sue diramazioni, costituisce occasione per una sua divulgazione allargata. Partendo dalle opere presenti nelle raccolte del Novecento, che in qualche caso coprono in modo dettagliato situazioni e tendenze che meritano di essere riprese e approfondite, scopo dell apertura di un cantiere del Novecento è di offrire occasioni utili ad avviare ulteriori esplorazioni nella conoscenza dell arte recente - che può essere soggetta a riletture, a differenti interpretazioni, a una pluralità di racconti per la sua stessa natura di essere testimonianza di un epoca particolarmente ricca e complessa -, ben esemplificata dalle oltre tremila opere del Novecento nelle collezioni Intesa Sanpaolo. Il percorso espositivo L allestimento, ospitato nei luminosi ambienti della sede storica della Banca Commerciale Italiana - il palazzo che affaccia su piazza della Scala progettato agli inizi del Novecento da Luca Beltrami e rivisitato oggi in

2 chiave espositiva dall architetto Michele De Lucchi -, è organizzato in sezioni tematiche e sale monografiche, raccolte attorno ai tre saloni principali del palazzo che, con diversa funzione, fanno in questo caso da introduzione e cornice al percorso proposto. Sono presentate opere realizzate secondo le diverse tecniche e poetiche proprie dell arte del secondo dopoguerra, suggerendo un dialogo fra scultura e pittura - o tra forme plastiche e rappresentative - e fra i poli della ricerca artistica in Italia, in primis nel confronto fra l ambito milanese e quello romano. Per questo i saloni ospitano unicamente alcune sculture, che guidano verso le sale circostanti e i temi in esse presentati. Dal punto di vista storico-critico il percorso prende le mosse dagli aspetti predominanti dell arte italiana dell immediato secondo dopoguerra, portando attenzione ad alcune delle opere più significative, per qualità e per importanza storica, che le collezioni possiedono, sui versanti delle diverse forme di astrazione dall immagine e di costruzione di nuove ipotesi formali. Le proposte di Lucio Fontana, dello Spazialismo e dell Arte Nucleare sono poste a confronto con le diverse rappresentazioni di una natura interiore delle cose, nell opera di autori come Afro, Giuseppe Santomaso, Renato Birolli, per passare, attraverso le soluzioni proposte da Alberto Burri e da Emilio Vedova, al versante propriamente informale, terreno di incontro di molte personalità che caratterizzano l arte italiana degli anni Cinquanta. In modo parallelo, le elaborazioni del Movimento Arte Concreta e di un astrazione fondata nella volontà costruttiva, pur avendo valore in sé, fungono da preludio per relazioni con il settore del design e del progetto. Rispetto a queste direzioni, chiaramente delineate e delineabili nell ambito dell arte degli anni Cinquanta, altri momenti del progetto espositivo sottolineano la molteplicità degli atteggiamenti che producono una nuova visione dei caratteri e della funzione dell arte negli anni Sessanta, dove l attenzione per il racconto e l immagine costituiscono i punti di partenza per le esperienze assimilabili alla Pop Art, e d altro canto le sperimentazioni tecnologiche e le riflessioni sulle ragioni stesse del fare artistico portano a creare connessioni fra autori come Piero Manzoni e Enrico Castellani, da una parte, e Toti Scialoja, Pietro Consagra, Giuseppe Capogrossi dall altra. La parola e il pensiero entrano nelle modalità creative delle tendenze affini all Arte Concettuale, con le quali la raccolta di Poesia Visiva delle collezioni presenta importanti confluenze, e alle posizioni degli autori che si riconoscono nella seconda metà degli anni Sessanta all interno dell Arte Povera. Le sale dedicate all arte degli anni Sessanta e Settanta, per questo, introducono spunti di lettura allargati e proposte di accostamenti che nascono dal carattere specifico delle opere. Infine, per quanto riguarda le vicende dell arte fra gli anni Settanta e Novanta, vengono enucleati alcuni temi, come quello delle proposte che provengono da un rinnovato dialogo fra arte visiva e architettura, in grado di far emergere una continuità di attenzione per una tradizione rappresentativa e di misurazione dello spazio che ascende alle radici della cultura figurativa italiana, e alcuni temi e presenze che caratterizzano l arte degli ultimi decenni del Novecento.

3 La scelta di offrire una molteplicità di focali trova la sua conseguenza maggiore nella proposta di dedicare due sale ad approfondimenti tematici particolari, che in occasione del primo piano espositivo sono riservate una, intitolata Il colore come forma plastica. Percorso attraverso una forma di astrazione, a un tema che attraversa l arte dal Futurismo agli anni Novanta, quello di un astrazione del colore che spinge la pittura a essere una presenza fisica nello spazio, secondo una linea essenzialmente formale, che ha il suo fulcro nell opera di Piero Dorazio, Giulio Turcato e di altri autori del secondo dopoguerra; e l altra a una delle installazioni più significative elaborate nell arte degli ultimi decenni, L ora italiana di Emilio Isgrò, dedicata a uno degli episodi della recente storia italiana, segno di una partecipazione dell arte ai valori civili. Questi due momenti del percorso espositivo, dotati di specifici materiali di complemento e di pubblicazioni a essi riservate, assumono un importante carattere in sé e come spunto per ulteriori ipotesi di studio che possono scaturire dai ricchi materiali presenti nelle collezioni. La proposta espositiva si avvale di materiali di comunicazione e di approfondimento indirizzati a trasmettere e sottolineare i contenuti che vengono presentati. In particolare, la soluzione di impaginare i materiali visivi con l accompagnamento di testi introduttivi e commenti a singole opere e la presentazione di materiali multimediali offerti con strumentazioni aggiornate completano la più tradizionale presenza di un catalogo che raccoglie immagini e valutazioni storico-critiche riguardanti il percorso espositivo, accompagnato da due pubblicazioni specifiche sui due approfondimenti laterali - Il colore come forma plastica e Emilio Isgrò: L ora italiana -, e di audioguide in diverse lingue. Complessivamente il filo conduttore di Cantiere del 900 traccia un percorso nell arte italiana dagli anni Cinquanta agli anni Novanta, che evidenzia le correnti dell astrazione, dell informale, delle sperimentazioni formali e tecnologiche, delle diverse configurazioni di nuove potenzialità espressive e di rappresentazione dell uomo e della società del proprio tempo, che si sono avvicendate in questo periodo. La proposta è però, con attenzione per la nuova destinazione delle sale originariamente create per l attività di uno dei centri del sistema bancario italiano, di indicare la qualità e la particolarità del nuovo spazio espositivo, e occasione per una prima presentazione delle opere appartenenti alle collezioni Intesa Sanpaolo, particolarmente ricche e significative per il periodo considerato, che potranno fornire spunti per ulteriori occasioni di studio e conoscenza delle sue peculiarità. Le dodici sezioni Ouverture 1 1. La memoria dell immagine e la sua rimozione 2. Lucio Fontana, lo Spazialismo e il Movimento Nucleare

4 3. L astrattismo concreto tra gli anni Quaranta e Cinquanta (il MAC - Movimento Arte Concreta) 4. La pittura oltre la pittura. Azioni, tracce, impronte 5. Forme dell informale 6. Arte programmata e cinetica Ouverture 2 7. Gli anni Sessanta: segni, parole, narrazioni 8. Gli anni Sessanta: le cose, le immagini 9. Attorno all Arte Povera 10. Pratiche concettuali 11. Ipotesi costruttive 12. Prospettive di fine Novecento I due approfondimenti monogafici Monographia 1 Il colore come forma plastica Percorso attraverso una forma di astrazione Monographia 2 Emilio Isgrò, L ora italiana 12 sezioni, 2 approfondimenti monografici, 16 sale Ouverture 1 Il contributo degli artisti italiani alle riflessioni sulla scultura di questo periodo è di particolare importanza. Arturo Martini nel 1945 scrive annotazioni nelle quali definisce la scultura una lingua morta, in particolare quella monumentale. E proposte di una concezione antimonumentale della scultura si ritrovano nelle idee e nelle opere di artisti che modificano il rapporto fra le loro realizzazioni e lo spazio, oppure ricorrono a

5 materiali sperimentali, oltre che a temi quotidiani. Le quattro sculture esposte in apertura del percorso sono emblematiche dei caratteri di un periodo compreso tra gli anni Cinquanta e Ottanta. Ettore Colla è tra i primi a costruire assemblaggi di materiali recuperati, piegando il ferro a costruzioni che trovano assonanze anche con temi mitologici. Lucio Fontana usa materiali e forme scultoree in diversi momenti della sua parabola del secondo dopoguerra, spingendosi oltre la fisicità della materia, contemporaneamente all epoca delle esplorazioni nello spazio. Alik Cavaliere propone, anche nel suo ruolo di insegnante a Brera, una scultura narrativa, o antiscultura, in cui le forme della natura sono inserite in rappresentazioni simboliche. Mauro Staccioli porta la scultura a dialogare con lo spazio e interpreta il significato architettonico dei luoghi, producendo, con il movimento interno delle sue geometrie, uno scarto che completa la razionalità delle strutture. 1. La memoria dell immagine e la sua rimozione (Sala 1) La contrapposizione fra realismo e astrattismo ha animato il dibattito critico in Italia alla fine degli anni Quaranta. Una possibile posizione intermedia si riconosce nelle proposte di alcuni dei maggiori protagonisti dell arte del secondo dopoguerra, orientati a valorizzare i caratteri propriamente formali dell opera. Il ricorso all immagine, alle forme della natura, al paesaggio, a una narrazione intima, lirica, viene progressivamente assorbito nei percorsi della memoria. Partendo da ricordi personali, ma agendo con la forza impulsiva del gesto pittorico e con il fascino di colori nati dalla combinazione di diverse materie, essi generano soluzioni in cui la memoria dell immagine viene oscurata o cancellata, per lasciare il posto alla qualità formale di una pittura vicina all arte informale. Le opere qui presentate, alcune delle quali esposte alla Biennale di Venezia negli anni Cinquanta, indicano il carattere dei percorsi individuali degli autori. Ciascuno a suo modo interpreta una nuova condizione, dove le immagini originarie - le figure della realtà - sono assorbite nella forma e nella struttura del rapporto fra segni, materie e colore, fino a generare le parole di un nuovo vocabolario. Ne sono autori artisti come Giuseppe Santomaso, Antonio Corpora, Afro e Renato Birolli, che insieme a Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giulio Turcato ed Emilio Vedova costituiscono per un breve periodo il Gruppo degli Otto, ma anche Bruno Cassinari, più orientato a una continuità di dialogo con la figurazione, o Alberto Burri, che con Vedova e Fontana si libererà decisamente da essa per creare nuove forme, scaturite dalle stesse tecniche adottate. 2. Lucio Fontana, lo Spazialismo e il Movimento Nucleare (Sale 2, 3, 4) Lucio Fontana Lucio Fontana accompagna e promuove negli anni Quaranta-Cinquanta le correnti più audaci dell avanguardia attiva a Milano, in rapporto con altri centri dell arte italiana e internazionale. Nelle sue posizioni teoriche e

6 nelle sue opere egli pone al centro il tema dello spazio, non più sfondo o luogo della rappresentazione, ma materia stessa dell opera. Le superfici animate dai buchi e in seguito dai tagli, in relazione con una pittura che si semplifica fino alla monocromia, sono punto di partenza di una spazialità che si spinge oltre l opera. In esse si rispecchia il fascino per la scienza e per le possibilità di scoperta dell uomo di una nuova era, ma anche il senso di spaesamento di fronte all infinito e alla vertigine del vuoto. Spazialismo e Movimento Nucleare I temi e i miti del secondo dopoguerra sono efficacemente interpretati dalle sperimentazioni di un ampio gruppo di giovani artisti. Tra Milano e Venezia nasce e si sviluppa il Movimento Spaziale, o Spazialismo, che agisce in rapporto con le proposte di Fontana, in direzione di un superamento delle distinzioni tra pittura, scultura, architettura, coinvolgendo lo spazio come materia plastica ed esplorando nuove potenzialità pittoriche. Vicine alle ricerche degli spazialisti sono quelle del Movimento Nucleare, promosso a Milano da Enrico Baj e Sergio Dangelo e caratterizzato dalle relazioni internazionali che essi vanno intrecciando, in un ambito che recupera esempi surrealisti coniugati alle sperimentazioni informali. Diversi sono i punti di incontro fra Spaziali e Nucleari, come dimostrano le opere di Gianni Dova o di Enrico Donati. Le esplorazioni del Movimento Nucleare si allargano a includere l attività di altri artisti, tra cui il vivace gruppo che si raccoglie a Napoli nella seconda metà degli anni Cinquanta. 3. L astrattismo concreto tra gli anni Quaranta e Cinquanta (il MAC - Movimento Arte Concreta) (Sala 5) Nell immediato secondo dopoguerra si affermano forme di astrazione prive di qualsiasi riferimento alla figura, dette concrete, perché rispondono ad un autonoma ideazione e non a un distacco dalla natura. Le iniziative dei singoli artisti, soprattutto in area milanese e romana, trovano nuova forza in aggregazioni nate dalla necessità di creare un area comune. Un ruolo particolare riveste il MAC - Movimento Arte Concreta, sorto a Milano nel 1948 dall azione di alcuni protagonisti della breve stagione astratta degli anni Trenta, come Bruno Munari e Atanasio Soldati, e dall attività pittorica e teorica di autori come Gillo Dorfles e Gianni Monnet. Il MAC, sostenuto da un bollettino e da molte iniziative espositive, coinvolge presto molti altri protagonisti dell arte astratta, giovani o già affermati, come Luigi Veronesi o Mauro Reggiani; promuove affiliazioni e gruppi nelle principali città italiane e avvia relazioni dirette in ambito francese con il gruppo Espace. Le molteplici possibilità di elaborazione delle varianti formali che sono al centro della ricerca del MAC sono indirizzate a produrre una nuova sintesi delle arti. Gli sviluppi delle ipotesi plastiche proprie del linguaggio del MAC troveranno infatti seguito anche nell ambito della progettazione e del design.

7 4. La pittura oltre la pittura. Azioni, tracce, impronte (Sala 6) La necessità di superare la pittura informale degli anni Cinquanta, considerata, alla fine del decennio, eccessivamente ripiegata su se stessa, spinge alcuni autori a elaborare scelte che sembrano negare la pittura, trasformando il quadro in una superficie da animare, modificare, riprogettare. Le soluzioni che Piero Manzoni ed Enrico Castellani propongono sono indirizzate verso l annullamento dell immagine e dell espressione individuale. L opera diviene momento di un processo fisico e operativo, dove la superficie è luogo di azioni che registrano l intervento diretto dell autore, come nelle impronte di Toti Scialoja o di Remo Bianco, e dove le tracce divengono segno, come nelle opere di Antonio Sanfilippo e nel motivo tanto arcaico quanto moderno del tridente, proprio del linguaggio di Giuseppe Capogrossi. La pittura diventa quasi scrittura, esprimendo l esigenza del ritorno a una forma di comunicazione primaria. Anche nella scultura la superficie diventa luogo di costruzione di nuove tracce, nella rigorosa frontalità delle opere di Pietro Consagra. Le diverse formule qui rappresentate dimostrano la presenza di caratteri compositivi che non si identificano in un gruppo o in una tendenza, ma suggeriscono nuovi principi formali. 5. Forme dell informale (Sala 7) L informale è la condizione estetica predominante nell arte degli anni Cinquanta. I suoi confini sono necessariamente vaghi e al loro interno si possono individuare molteplici forme espressive. La varietà del clima informale si può riconoscere nelle posizioni individuali e di gruppo che caratterizzano molti aspetti dell arte italiana del periodo. Rispetto a quanto osservato per autori come Lucio Fontana, Emilio Vedova o Alberto Burri, qui si offre una esemplificazione delle numerose personalità attive in una delle aree più approfonditamente rappresentate nelle collezioni Intesa Sanpaolo. Rapporti con un naturalismo vissuto tramite un coinvolgimento immediato, fisico più che contemplativo, sono presenti nell opera di artisti attivi tra Bologna, Milano, Torino. Un certo individualismo, affine all esistenzialismo che pervade il modo di pensare e di sentire del tempo, costituisce un altra fonte di soluzioni formali che vanno oltre l immagine senza negarla totalmente. Altri aspetti dei linguaggi dell informale riguardano il ricorso a materie extrapittoriche e il libero disporsi di segni e colori all interno dell azione pittorica. Nelle sue varianti l estetica informale interpreta i caratteri di un epoca in cui si incontrano e a volte si scontrano le spinte verso l affermazione della libertà personale e la tendenza all omologazione imposta dal sistema economico e sociale. 6. Arte programmata e cinetica (Sala 10) Le ricerche di arte programmata e cinetica si pongono l obiettivo di attivare l opera, mediante movimenti reali o percettivi delle forme. La loro presentazione complessiva avviene nel 1962 in una mostra organizzata

8 nello spazio Olivetti in Galleria Vittorio Emanuele a Milano, successivamente riproposta a Roma, Venezia e Trieste. Le sperimentazioni sono condotte da due raggruppamenti: il Gruppo T a Milano, che riunisce Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni Colombo, Gabriele De Vecchi e Grazia Varisco, e il Gruppo N a Padova, nel quale si identificano Alberto Biasi, Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi e Manfredo Massironi. Oltre a loro svolgono ricerche in quest ambito Enzo Mari, inserito da Bruno Munari nella mostra milanese, e altri autori, tra cui Getulio Alviani e Dadamaino, aggiuntisi nelle mostre successive. Le loro realizzazioni hanno come elemento qualificante i movimenti reali, prodotti da semplici motori meccanici, o quelli percepibili attraverso la variabilità della grandezza e della direzione dei singoli elementi che vanno a costituire l unità visiva. Gli aspetti meccanici e i processi cinetici sottolineano la volontà di trovare anche nella produzione meccanica e industriale una possibilità creativa originale, dove il caso entra a far parte dell opera, dando vita a soluzioni combinatorie in parte imprevedibili. Ciascuno degli autori di quest area ha maturato una specifica via di ricerca, che dal singolo pezzo si allarga a situazioni ambientali o a progetti che trovano nell ambito della produzione la loro destinazione. Si inseriscono in questo raggruppamento, condividendone il clima e l intenzione di modificare e animare la superficie pittorica, i quadri sagomati di Agostino Bonalumi e Paolo Scheggi, esponenti di una tendenza anch essa in parte derivata dalle proposte di Lucio Fontana e dello Spazialismo. Ouverture 2 Le sculture che introducono gli ambienti circostanti questo salone sollecitano ulteriori riflessioni sulla crisi della monumentalità e sulla trasformazione della scultura tra gli anni Sessanta e Settanta. Le opere di Mario Ceroli e di Pino Pascali facevano parte di complesse installazioni realizzate fra il 1967 e il 1968, di natura quasi teatrale, di cui il singolo elemento costituisce oggi una traccia e una memoria. La struttura di Nicola Carrino introduce i caratteri di un nuovo costruttivismo, che affida all elemento geometrico più semplice la possibilità di invadere lo spazio, misurandolo. La scultura di Giuseppe Maraniello genera invece un immagine priva di peso, che pare frutto di un disegno tracciato nello spazio, dove è accennata una forma di racconto. Nelle loro diverse forme, queste opere interpretano la scultura come confronto con lo spazio reale, instaurando relazioni di verticalità e orizzontalità di nuovo significato ed escludendo il carattere della presenza isolata, assoluta e immobile, proprio della scultura di sapore e di carattere monumentale. 7. Gli anni Sessanta: segni, parole, narrazioni (Sala 11) Negli anni Sessanta la crescente diffusione dei mass media e il loro forte impatto sulla società influenzano l arte visiva, che si trova al centro del dialogo fra le immagini e le parole, protagoniste della comunicazione. Una forma di risposta a tale situazione è la trasformazione del quadro in racconto, attraverso la fusione della

9 pittura con immagini a stampa, sperimentata da Bepi Romagnoni in una serie di composizioni emblematiche del nuovo clima, e in altre proposte di pittura narrativa. La narrazione prende spesso forme frammentarie e accennate; diviene traccia delle suggestioni derivate dall esterno o scaturite da fantasie interiori, come nelle opere di Mino Ceretti e di Mario Raciti, fino a essere la base del personale alfabeto di segni scaturiti da parole e immagini nelle elaborazioni di Achille Perilli e Gastone Novelli. Proprio l alfabeto, riduzione estrema e oggettiva della comunicazione a segnale visivo neutrale, è al centro di una serie di elaborazioni enigmatiche di Jannis Kounellis. In altro modo, quasi opposto, le immagini nelle composizioni di Gianfranco Baruchello diventano quasi parole. Altre possibilità di racconto, attraverso figure essenziali, ispirano le liriche e aeree composizioni scultoree di Fausto Melotti, che fra gli anni Sessanta e Ottanta giungono a gradi di invenzione che saranno universalmente apprezzati. 8. Gli anni Sessanta: le cose, le immagini (Sala 12) I modelli dell Arte Pop sono da individuare negli oggetti della società dei consumi - le cose tendenti ad avere valore esclusivo di merce - e nella loro riduzione a immagine, in una cultura prevalentemente visiva o iconica. Il confronto con il realismo e con il nuovo realismo, che precede l affermazione della Pop Art internazionale, è utile a spiegare la specificità dell Arte Pop italiana, che dal principale polo di Roma si diffonde, con diverse caratteristiche, ad altri centri e autori. Lo stesso Renato Guttuso, che rimane il principale esponente del realismo, si spinge oltre le formule ideologiche dell immediato dopoguerra, per risentire, negli anni Sessanta, di una più diretta espressione dell oggetto e dell immagine, quasi a identificarsi con essa, come nel dipinto qui esposto. Le figure evocate nelle opere di coloro che più sono in sintonia con il nuovo clima, come Giosetta Fioroni, Tano Festa, Mario Schifano, affermano una linea italiana dell icona pop, con riprese da Botticelli, Michelangelo, il Futurismo. Questi e altri spunti sono filtrati dai mass media, o dalla società dello spettacolo, come suggerisce Mimmo Rotella nella serie dei suoi strappi di manifesti affissi pubblicamente (décollage), direttamente ispirati al mondo del cinema. Lo schermo, considerato da Fabio Mauri luogo e strumento esemplare della nuova condizione, dimostra che ogni elemento della realtà può essere soggetto a uno spostamento dalla fisicità concreta alla qualità di immagine. Questo avviene nella natura riletta in modo originale e artificiale da Mario Schifano o da Pino Pascali, o ripresa dalle interpretazioni fornite dalla storia dell arte, come nell opera di Aldo Mondino che rivisita in chiave pop la montagna che ha ispirato Cézanne. L ingrandimento, altro procedimento tipico del periodo, genera nuove immagini, come nella serie di Franco Angeli dedicata a una delle icone più caratteristiche di un mondo unificato dall economia e dalla politica: il dollaro americano. Ricorrono, fra i temi del tempo, immagini di automobili o di altri status symbols, presenti o allusi nelle opere di Valerio Adami, Gianni Bertini, Lucio Del Pezzo; ma, al di là dei temi, è sul piano del linguaggio visivo che la pittura risente della semplificazione che caratterizza l arte in un momento di confronto diretto con la realtà delle immagini.

10 9. Attorno all Arte Povera (Sala 13) Il termine Arte Povera viene usato a partire dal 1967 per indicare un modo di agire e un nucleo di autori che realizzano opere con materiali non convenzionali e che propongono un nuovo coinvolgimento fisico e mentale dell osservatore. La partecipazione degli artisti dell Arte Povera alle principali manifestazioni internazionali della fine degli anni Sessanta concorre a costituire una corrente chiaramente identificabile all interno di un avanguardia che propone opere costituite da azioni temporanee, da forme di analisi del linguaggio artistico, da installazioni che le espandono all ambiente. Negli anni Settanta l attività di gruppo lascia progressivamente spazio alle posizioni individuali, che vanno a caratterizzare i singoli autori, presto affermatisi sulla scena mondiale. Le opere qui raccolte presentano alcuni dei protagonisti dell Arte Povera in diversi momenti della loro attività. Una precoce definizione delle nuove ricerche è rappresentata dalla tela di Jannis Kounellis, dalla semplice struttura oggettuale di Alighiero Boetti, dalla superficie specchiante - con un immagine che produce un incontro fra lo spazio fisico e quello virtuale - di Michelangelo Pistoletto, dal brano di natura ricostruito da Piero Gilardi. La natura è protagonista anche dell opera di Giuseppe Penone, che lascia traccia delle sue esplorazioni in un area boschiva circoscritta dove misurare il senso del tempo, e si ritrova nel dittico di Luciano Fabro, parte di un installazione sul tema del paesaggio realizzata nella Galleria Christian Stein di Torino. Una delle elaborazioni compiute dallo stesso Fabro sulla sagoma dell Italia gioca sull inganno fra sembianza e realtà. Il tema della rappresentazione è al centro delle opere di Giulio Paolini, qui esemplificate dallo scambio fra visibile e invisibile nell immagine di una statua che diventa specchio della memoria (Narciso) e da una delle installazioni più essenziali da lui concepite, Dimostrazione, nella quale l autore riflette in modo immediato sul rapporto fra il doppio e l identico. Spiaggia, di Gilberto Zorio, si può considerare proiezione o progetto di un intervento da immaginarsi nello spazio reale. 10. Pratiche concettuali (Sala 14) L Arte Concettuale costituisce una forma di riflessione sugli strumenti dell arte, al di là di qualsiasi modello stilistico e pratico. Rielaborazione immateriale e finalizzata a produrre idee più che opere, essa ha strette relazioni con le numerose esperienze di opere visive fondate sull espressione verbale, e in molti casi si sofferma a indagare i significati nascosti delle parole. Gli autori qui rappresentati si riconoscono solo in parte nell Arte Concettuale, in quanto procedimenti concettuali si ritrovano in opere realizzate nell ambito del gruppo dell Arte Povera e di altre esperienze dell avanguardia fra gli anni Sessanta e Settanta. Possiamo considerare in quest area alcune proposte concrete di riflessione sulle pratiche concettuali attuate da artisti che operano attorno alla definizione del linguaggio, al rapporto tra fare e pensare, per l affermazione di un identità personale che passa attraverso la misurazione del tempo o dello spazio, o sviluppano altri confronti fra segno e significato. La parola scritta, variamente elaborata, l annullamento del segno comunicante, la definizione di un nuovo codice, lo scambio fra modelli di lettura (ad esempio fra musica e testo letterario) sono alcuni dei meccanismi praticati da autori che spingono verso la concettualizzazione dell operato artistico.

11 Parte delle opere esposte rientra nell ampio e indefinibile universo delle ricerche verbo-visive, fondate sulla combinazione di parole e immagini, di cui le collezione Intesa Sanpaolo custodiscono uno dei più importanti fondi in Italia, per numero e qualità delle opere. 11. Ipotesi costruttive (Sala 15) Negli anni Settanta si diffondono spinte a una semplificazione formale, introdotte in particolare dal minimalismo americano. Tali istanze producono confronti con il costruttivismo della prima metà del Novecento, inteso come elaborazione di progetti formali, spesso fondati sul rapporto fra scultura e architettura. Ne scaturiscono strutture di affinità architettonica o progettuale, ma prive di funzione. Alle radici di tali posizioni, rappresentate nell arte italiana degli anni Settanta-Ottanta da autori come Mauro Staccioli e Nicola Carrino, già incontrati in altri momenti del percorso, si può riconoscere l esigenza di un rapporto con la storia dell arte, nel ricorso alle formule della prospettiva, a temi architettonici, al dialogo con uno spazio organico. Le opere di Giuseppe Uncini, Rodolfo Aricò e Gianfranco Pardi efficacemente dimostrano tale dialogo tra il passato e il presente della storia dell arte; le soluzioni da loro proposte si protendono oltre il momento della loro concezione, affermando la loro natura di opere aperte e coinvolgenti. 12. Prospettive di fine Novecento (Sala 16) Il composito profilo dell arte degli ultimi due decenni del Novecento è ben tracciato dalle opere delle collezioni Intesa Sanpaolo. In questa sala sono esemplificate le direzioni della produzione artistica degli anni Ottanta- Novanta che più hanno contribuito a dare un immagine del presente in cui sono proiettate. La Transavanguardia è il raggruppamento più chiaramente identificabile nello spirito di un momento di svolta, contribuendo al recupero in pittura di una dimensione espressiva, nella quale convergono diversi motivi propri dell arte di tutto il Novecento. Su un altro fronte, atteggiamenti più legati agli aspetti mentali della creazione si possono riconoscere nelle realizzazioni di autori come Alberto Garutti e Remo Salvadori. Il mezzo fotografico è diventato, a partire dagli anni Settanta, il luogo di altre sperimentazioni, fisiche e mentali, qui rappresentate dalle opere di Franco Vaccari, Bruno Di Bello e Franco Vimercati. La concezione apparentemente fredda e analitica della fotografia è il punto di partenza per l ideazione di immagini che portano verso soluzioni sofisticate, in cui si affiancano tecnica, magia e racconto, come si può cogliere nelle opere di Silvio Wolf, Angelo Candiano, Marina Ballo Charmet, Grazia Toderi. Anche la pittura e la scultura, negli anni Novanta, rileggono le ragioni di fondo del fare artistico usando libertà e ironia, in una visione che unisce il cuore e la ragione, l espressività e il concettualismo (da Davide Benati, Enzo Esposito, Luciano Bartolini, Luigi Mainolfi, Paolo Iacchetti, a Stefano Arienti, Umberto Cavenago, Massimo Kaufmann). Ciascuno degli autori qui raccolti - e altri presenti nella collezione potrebbero allargare questo orizzonte - contribuisce a uno sguardo sulla fine del secolo ricco di attesa, ma anche di invenzione, che conduce alle prospettive del presente.

12 Approfondimenti monografici Monographia 1 Il colore come forma plastica Percorso attraverso una forma di astrazione (Sala 8) Le opere selezionate costituiscono un percorso da intendersi con una certa autonomia, esemplificando uno dei possibili itinerari che una collezione come quella di Intesa Sanpaolo può offrire. Le opere possono infatti interpretare trame e intrecci che attraversano i caratteri del momento in cui sono state create, ma proiettano i loro esiti sugli sviluppi successivi dell arte, oltre ad avere relazioni con le fonti dalle quali traggono spunti. La loro collocazione in una forma di allestimento o in un altra permette infatti di leggere il loro legame con una storia che può essere diversamente interpretata nella sua qualità dinamica. Il colore come matrice espressiva e come mezzo compositivo è alla base di ricerche formali originali nell arte italiana del Novecento. Nell esperienza futurista, e in particolare nelle ricerche di Giacomo Balla, si può già riconoscere un attenzione per il colore come forma plastica, sostanza luminosa e possibile nucleo originario di motivi spaziali, anche tridimensionali, che spinge l arte verso forme di astrazione. Tale proposta si fonda su un equilibrio interno e sulla tradizione di una pittura di luce e colore dalle lontane radici, differenziandosi da altre correnti europee della prima metà del secolo - Espressionismo, Cubismo orfico, Suprematismo e Costruttivismo russi o Neoplasticismo olandese - dalle quali sono nate le prime elaborazioni riconoscibili di astrazione. Nel secondo dopoguerra gli sviluppi di un astrattismo del colore, che guardano tanto alle esplorazioni cromatiche di Balla quanto alle sintesi formali delle correnti internazionali degli anni Trenta, di cui Alberto Magnelli è un valido esponente, sono riprese nella ricerca di Piero Dorazio, impegnato in un azione di collegamento fra una via italiana e le spinte europee e americane verso l astrazione. La sua opera va inquadrata insieme a quella di autori come Giulio Turcato e Carla Accardi, che con lui danno vita nel 1947 al gruppo Forma 1 e aderiscono all Art Club, attivo a Roma a sostegno delle tendenze astratte, e permette di riconoscere una linea di ricerca che si estende ad altre ipotesi pittoriche, come il cromatismo di tradizione veneta di Tancredi. A queste esperienze si riallacciano in un certo senso le riflessioni della pittura analitica, che negli anni Settanta-Ottanta dà vita a nuove soluzioni compositive in cui il colore, la linea, la traccia sulla superficie sono le parole di un vocabolario diretto a rinnovare la sintassi del linguaggio pittorico. L austerità delle proposte di Mario Nigro, Giorgio Griffa ed Elio Marchegiani dialoga con le forme di colore di Claudio Olivieri o Valentino Vago. All espansione delle trame cromatiche di Piero Dorazio corrisponde la nuova formulazione di trasparenze geometriche nelle opere di Vittorio Matino. Fra gli anni Ottanta e Novanta, in un nuovo clima di rarefazione e concentrazione di ipotesi espressive che si spingono oltre la pittura, il colore diventa presenza sensibile nelle opere di Ettore Spalletti, Domenico Bianchi e Marco Tirelli, diverse tra loro nell interpretare le tensioni a una tangibilità della forma.

13 Monographia 2 Emilio Isgrò, L ora italiana (Sala 9) Con questo approfondimento si intende prendere in esame un opera o un nucleo di opere omogeneo della collezione Intesa Sanpaolo, che richiede una lettura più approfondita rispetto al suo inserimento in un percorso continuo. L allestimento di questa sala è dedicato a L ora italiana di Emilio Isgrò. Il processo della cancellatura costituisce il modello compositivo prioritario di Isgrò dagli anni Sessanta. Dalla copertura della parola nascono ulteriori possibilità di produrre significati che hanno a che fare con la negazione dell immagine o con la rimozione della memoria, potendo assumere toni narrativi, elegiaci, drammatici, fino a includere, come in questo caso, anche valori civici. L ora italiana si collega alle tragiche vicende che hanno colpito l Italia fra la fine degli anni Sessanta e i primi anni Ottanta, di cui la strage di Bologna del 2 agosto 1980 è il momento topico, immortalato all esterno della stazione da un orologio fermo a segnarne l ora. Senza entrare nella diretta ed esplicita rappresentazione di fatti e persone, Isgrò partecipa con un gesto artistico a una possibile rilettura della storia collettiva, che passa attraverso i frammenti di ricordi e la loro associazione nel contesto che tende a negarli, distanziandoli da noi e dal tempo che continua la sua inarrestabile corsa. La grande installazione elaborata da Isgrò nel 1986 è composta da venti tondi, identici per il formato e per la tecnica con cui sono stati realizzati. Ciascuno di essi si completa con un orologio, che attribuisce un ulteriore significato ai lacerti di immagini visibili. Le figure di personaggi fantasmatici sono tratte da fotografie di cronaca, che emergono e scompaiono nel colore bianco-calce usato dall artista per generare la sensazione di uno svuotamento della scena. Questi frammenti costituiscono accenni liberamente associabili a fatti e situazioni immersi in un tempo quotidiano che scorre con apparente ripetitività, anche quando i fatti di cronaca e i momenti drammatici che ne segnano gli episodi salienti vanno a interromperla, modificandone la sostanza e la percezione.