STRUMENTI Le novità sul mercato italiano. Tutte le fiere del 2013: NAMM, Musikmesse e MIS

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1 Poste Italiane s.p.a. - Spedizione in Abbonamento Postale - D.L. 353/2003 (conv. in L. 27/02/2004 n 46) art. 1, comma 1, DCB Como - Bimestrale - anno VII n novembre/dicembre 2012 MUSICA Area Live 2012, quei bravi ragazzi. I festival d inverno e le uscite discografiche. STRUMENTI Le novità sul mercato italiano. Tutte le fiere del 2013: NAMM, Musikmesse e MIS 45 PRODUZIONE A Bergamo, la musica incontra la scienza. Musica e teatro: il suono è sulla scena. magazine!"#$%&'()(*+,'$%*-*.(+/ 0001(+'#&+21(3

2 SOMMARIO magazine 2!!" #$%&'()*)#$%&'&%+& RICORRENZE PROG: BANCO E PFM; DINO RUBINO, DAVID WEINBERGER, PARMAJAZZ, FENDER REWIND, SPAZIOMUSICA, BUSONI REMIX, GLI ASCOLTI DI.,- &.+/01&%+/ AREA - LIVE 2012 IL NUOVO ALBUM DI FARISELLI TAVOLAZZI E TOFANI di Maurizio Principato Direttore Responsabile Piero Chianura Hanno scritto su questo numero Roberto Arbarello, Claudio Chianura, Johann Merrich, Maurizio Principato, Hans & Alice Zevi. Publisher: Claudio Chianura Casanova e Chianura Edizioni s.r.l. C.so XXII Marzo Milano - tel fax Sede Legale: via Frua, Milano Grafica e impaginazione: Auditorium Edizioni Milano è una pubblicazione bimestrale. Per la pubblicità su : Abbonamento a 10 numeri: euro 40,00 Info abbonamenti: Autorizzazione alla pubblicazione presso il Tribunale di Milano n. 391 del 28/05/1999 Tutti i diritti di riproduzione degli articoli pubblicati sono riservati. Manoscritti, materiali, pubblicazioni e fotografie inviati alla redazione non si restituiscono se non esplicitamente richiesti. Informativa ai sensi dell'art. 10 della Legge 675/96 e del D.P.R. 318/99 I dati personali raccolti saranno oggetto di trattamento (come definito dall'art. 1, 2 comma, let. B, L. 675/ 1996), anche mediante l'archiviazione automatizzata nel sistema informatico di Casanova e Chianura Edizioni s.r.l., esclusivamente per le finalità connesse all'espletamento dei servizi proposti. L editore, esperite le pratiche per acquisire i diritti relativi alle immagini utilizzate, rimane a disposizione degli eventuali aventi diritto. 6

3 3, 4056$7&5./)8&1/ MUSICA È TEATRO: L'ESPERIENZA DI ZONE CON PACTA DEI TEATRI DI MILANO di Piero Chianura 39)4056$7&5./)8&1/ UNFOLDING SPACES: CONCERTO PER CHITARRE, LIVE ELECTRONICS, VIDEO E TRADUZIONI SONORE DALLO SPAZIO COSMICO di Piero Chianura -- #/0'(+5 FIERE DI MAGGIO: VECCHIE E NUOVE PROPOSTE CERCANO DI TENERE VIVO UN MERCATO IN SOFFERENZA di Piero Chianura 0$:0&';/ "<! EDITORIALE "=! ELECTRONICA ->! STRUMENTI <2! IMAGINE 7

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5 ELECTRONICA L ARTE DEL SABOTAGGIO JOHANN MERRICH Ancor prima del Traitè des objects musicaux di Pierre Schaeffer (Parigi, Editions du Seuil, 1966) si era insinuata nella mente dei compositori l idea che il suono di un oggetto trovato o di un rumore della vita di tutti i giorni, presentato in una situazione artistica, potesse divenire veicolo di un attenzione estetica completamente diversa da quella assegnatagli dal quotidiano. Schaeffer aveva le idee ben chiare circa gli errori in cui s era persa la musica occidentale: 1) in primo luogo il sistema di notazione tradizionale è inadeguato: è ormai solo una vecchia carcassa che non riesce a tenere conto di tutto quell universo sonoro che lo sovrasta di cui esso rappresenta solo una minima parte; 2) la musica occidentale non riesce a cogliere la portata rivoluzionaria dei moderni strumenti tecnologici (il nastro magnetico, la radio, i diffusori, il campionatore, ecc.), in grado di capovolgere completamente i processi di composizione e di fruizione della musica; 3) la musica occidentale non ha una visione universalistica del linguaggio sonoro; esclude dal proprio alveo la musica di culture lontane, scarsamente studiata e destituita senz appello di ogni pretesa artistica; ma soprattutto ignora completamente la vastità del concetto di suono, chiudendosi in un cieco isolazionismo, incapace di guardare all ampiezza del linguaggio sonoro universale. Così, grazie al potere del nastro magnetico, la decostruzione e la ricostruzione della musica poterono proseguire, gli slanci creativi crebbero sensibilmente generando macchine, tecniche e con esse infiniti argomenti di discussione ed espressione: il suono andava ascoltato senza pregiudizi intorno alla sua causa. Benché già negli anni Cinquanta Louis Barron facesse collassare circuiti nella sua casa di New York, è solo tra il 1966 e il 1967 che nasce il circuit bending. Padre di questa bizzarra disciplina è Reed Ghazala assieme alla sua Odor Box (nella foto) con la quale avvia intere generazioni di creativi alla manomissione di giocattoli e dispositivi elettronici. Trent anni dopo, nel 1992, la definizione di circuit bending viene ufficializzata da Ghazala nella rivista Experimental Musical Instruments, in un articolo dedicato alla nuova arte. Gli strumenti del chirurgo sonico sono facilmente reperibili in qualsiasi negozio di elettronica: saldatore, stagno, cavi, coccodrilli la sala operatoria è pronta. La radiolina giocattolo diventa allora un discendente del wobbulator di lontana memoria e le cianfrusaglie accumulate a casa in anni di superamenti tecnologici rivivono una nuova vita, scoprendo un utilità mai udita. Possiamo sventrare, saldare, cortocircuitare, collegare archeologie e nefandezze elettroniche diventando novelli designer, perdendoci nell ideazione di sofisticati case, sobri, grezzi o eleganti. E la piezoelettricità aiuta poi i chirurghi veri come quelli sonici: i primi possono utilizzare le sonde ecografiche, i secondi possono approfittare dei famosi microfoni piezo (o microfoni a contatto) per far suonare qualsiasi cosa provvista di superficie, catturandone le vibrazioni trasformate poi in un segnale elettrico amplificabile. L arte del circuit bending è un arte a portata di tutti e non prevede conoscenze specifiche ma piuttosto il coraggio del tentativo e l accettazione dell errore. I più timorosi possono stare tranquilli: i voltaggi richiesti dai piccoli apparati elettronici da sabotare sono bassi, generalmente da 3 a 9 volt. A incrementare il fascino della costruzione del proprio strumento vi è poi l attesa di sentire che cosa accadrà. Disse una volta John Cage: Le idee sono una cosa. Quello che succede è tutta un altra faccenda. Quest anno la bambola Cicciobello compie cinquant anni, chissà se sarà pronta a ricominciare la sua esistenza sotto i riflettori dei concerti di musica sperimentale. 9

6 MUSICISTI PARMAJAZZ FRONTIERE 1-16 dicembre 2012 XVII Edizione Il ParmaJazz Frontiere Festival torna celebra la diciassettesima edizione alternando esibizioni di attempati veterani con giovani talenti del jazz italiano e internazionale. Il 1 dicembre alla Casa della Musica apre l Atlas Trio, progetto del clarinettista francese Louis Sclavis affiancato da Benjamin Moussay (piano, Fender Rhodes e tastiere) e Gilles Coronado (chitarra elettrica). Il 2 dicembre, sempre alla Casa della Musica, è la volta di Mario Piacentini (pianoforte) in doppio set col Roberta Baldizzone Ensemble. Il 5 dicembre il palco ospita il concerto dei Vidya, che mischia jazz e musica dell India più tradizionale. jazz elettrico e psichedelia del gruppo di culto degli anni 70. Il 7 dicembre alla Sala Grande del Teatro Due l appuntamento da non perdere è con il trombettista norvegese Nils Petter Molvaer, grande esponente della più recente contaminazione fra jazz ed elettronica: Molvaer (foto a lato) presenta il suo nuovo lavoro discografico Baboon Moon, affiancato da Stian Westerhus alla chitarra ed Erland Dahlen alla batteria. L 8 dicembre (Casa della Musica) Roberto Bonati, con il suo Ensemble, propone Roses and Blue Arghawan. Il 9 dicembre (di nuovo alla Casa della Musica) è la volta di Gianluigi Trovesi con Vaghissimo ritratto, un progetto in cui Trovesi ai clarinetti, Umberto Petrin al piano e Fulvio Maras alle percussioni e agli electronics, presentano un percorso all insegna della musica europea dal Rinascimento all Ottocento, dalla musica popolare agli originali composti dagli stessi musicisti. Il 12 dicembre (Casa della Musica) è la volta delle nuove proposte con i Pericopes, duo uscito dalle aule della classe jazz del Conservatorio Arrigo Boito di Parma: Emiliano Vernizzi (sassofoni) e Alessandro Sgobbio (piano) propongono il loro The Double Side fresco di stampa. Il 15 dicembre (Casa della Musica) tocca a Voci dalla collina, progetto Spoon River Ruvido Insieme diretto da Roberto Bonati. Il Festival chiude a Palazzo Sanvitale il 16 dicembre con la tradizionale Una Stanza per Caterina, appuntamento con la musica e la memoria: sul palco della Sala delle Feste (sede di Banca Monte Parma) tornano la violoncellista Anja Lechner e il pianista François Couturier con Impressions intimes, un programma che impagina musiche di Georges I. Gurdjieff, Frederic Mompou, Couturier e Anouar Brahem. Info: ParmaFrontiere associazione culturale - tel tel/fax GLI ALBUM POP DELL ANNO Il cantautore americano Bobby Womack si è aggiudicato il riconoscimento della rivista britannica Q per il miglior album del 2012 con The Bravest Man In The Universe; l album vede la collaborazione di Damon Albarn e Richard Russell in veste di produttori ed è stato pubblicato dall etichetta XL Recordings. La rivista Mojo lo ha giudicato il suo miglior album dai tempi di The Poet (1981), mentre Q ha scritto del suo ritorno nello stile più spettacolare e Sunday Times lo ha definito semplicemente trionfante. Dal mese di novembre Bobby Womack promuove il suo nuovo lavoro con un tour europeo che parte da Londra. Invece sul versante del britannico Mercury Prize per il miglior album dell anno, il riconoscimento della discografia d Oltremanica (vinto lo scorso anno da PJ Harvey con Let England Shake) è andato alla band rock di Leeds Alt-J per il loro album An Awesome Wave. 10

7 Scott Walker Bish Bosch (4AD/SELF) La pubblicazione di un nuovo album di Scott Walker è sempre un avvenimento, e non solo perché avviene con tempi lunghi, insoliti nella discografia di qualsiasi altro musicista. Tutto il suo percorso artistico è originale, stimolante, controcorrente. Dalle vette delle classifiche pop negli anni Sessanta, attraverso l innamoramento per Jacques Brel e il definitivo ritiro dalle scene che lo ha tenuto lontano dai riflettori, Scott Walker è via via diventato uno di quei musicisti per musicisti, molto più influenti di quanto il pubblico non osi sospettare. Bish Bosch, che fa seguito al precedente The Drift, non si discosta dai lavori più recenti di Walker, con la sua cupezza, i suoi scarti dinamici, la sua claustrofobica qualità sonora, la sua programmatica oscurità. Bish Bosch segue quindi un percorso iniziato nel 1978, con il canto del cigno dei celeberrimi Walker Brothers, Nite Flights, e continuato con Climate of Hunter (1984), Tilt (1995), The Drift (2006), distante da quanto aveva fatto di Walker una stella del pop e perseguendo uno stile più autentico, siderale e senza compromessi, in compagnia del co-produttore Peter Walsh e dei suoi più fidati musicisti: Ian Thomas (batteria), Hugh Burns e James Stevenson (chitarre), Alasdair Malloy (percussioni) e John Giblin (basso). Il direttore musicale Mark Warman conduce l orchestra e si occupa delle tastiere, che insieme a tromba e pedal steel guitar arricchiscono la tessitura timbrica quando nei silenzi sospesi e sullo sfondo di un buio profondo si aprono varchi sonori improvvisi e potentissimi. (C.C.) G.Knox/A.Vesterman/S.Lemêtre Saltarello (ECM) Nell'album D'amore del 2008 il violista Garth Knox - in compagnia della violoncellista francese Agnès Vesterman - compiva un'esplorazione delle possibilità timbriche ed espressive della viola d'amore, strumento a quattordici corde (sette melodiche e sette di risonanza) in auge nel XVII e nel XVIII secolo. D'amore offriva un repertorio che partiva dalla musica rinascimentale arrivando ai giorni nostri. I due tornano ora, con le percussioni di Sylvain Lemêtre, in un nuovo, straordinario lavoro che, a dispetto del titolo, non è incentrato esclusivamente sulla tradizione musicale medievale ma spazia tra passato remoto, presente continuo e futuro prossimo. Nelle intenzioni del violista quest album è una struttura mobile di 'istantanee' musicali estrapolate da circa mille anni di storia della musica. Niente di più vero: accanto a Dowland ( Flow my Tears ), Purcell ( Music For A While ), Vivaldi ( Concerto per viola d'amore in Re minore ) e al tradizionale irlandese Black Brittany (già ripreso e adattato da Berio) troviamo le plumbee e raschianti tensioni irrisolte di Kaija Saariaho ( Vent Nocturne - Sombre miroirs e Vent Nocturne - Suopirs de l'obscur, entrambe per viola e suoni - incluso il respiro del violista - trattati elettronicamente). Dodici composizioni eseguite in modo eccellente, con rispetto e creatività, disposte nell'album con un'ordine estetico e non meramente cronologico, affinché la contiguità suggerisca similitudine e differenze tra i vari brani. (M.Pr.) 11

8 MUSICISTI RICORRENZE PROG I PRIMI 40 ANNI DI BANCO E PFM Novembre 2012: la classifica dei dischi più venduti e dei brani più scaricati (a pagamento) redatta da F.I.M.I., Federazione Industria Musicale Italiana, è popolata da artisti come Franco Battiato, Giovanni Allevi, Tiziano Ferro, Pooh, Stadio, Irene Grandi & Stefano Bollani, Biagio Antonacci, Cesare Cremonini. Come a dire: questa è l'italia, terra del bel canto, della tradizione melodica, della musica di sottofondo, dell'entertainment sonoro remissivo e omologato? Sì. E il fatto che nella top ten di F.I.M.I. ci siano un paio di stranieri innocui e tutt'altro che sagaci come Muse e Adele non è che la conferma di come, nel nostro paese, abbia vinto la filosofia del se puoi fischiettarlo sotto la doccia, allora funziona. Il fronte dissidente del pop nazionale, tuttavia, pur entrando di quando in quando in classifica, non è morto e annovera artisti più poeti che musicisti come Caparezza, Frankie Hi-NRG, J-Ax e Club Dogo, giusto per citarne alcuni, mentre resistono con strenua dedizione Subsonica, Afterhours, Verdena, Teatro degli Orrori e aleggiano nell'aria Vasco Rossi e Luciano Ligabue. Il quadro generale mostra un dato evidente: il mercato italiano vuole la forma canzone. Eppure non è sempre stato così: c'è stato un momento della nostra storia in cui il marasma indistinto di canzonette da mangiadischi Geloso fu sconquassato da chi voleva cambiare, rompere con il passato, alzare il tono e il suono, rendere l'aria elettrica. Facciamo un salto indietro nel tempo. Quarant'anni fa, Tra gli artisti di maggior successo c'erano già all'epoca gli immarcescibili Pooh e, accanto a loro, tanti cantanti dai buoni sentimenti come Claudio Baglioni, Massimo Ranieri e Loretta Goggi. Al contempo spopolavano e stravendevano gli stranieri che facevano hard rock (Led Zeppelin, Deep Purple), afro e soul (Osibisa, Isaac Hayes), rock sinfonico detto anche progressive rock (Yes, Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer, King Crimson, Genesis inseriamo un po' a forza in questa categoria anche i Pink Floyd). In quegli anni effervescenti nel nostro paese si costituirono gruppi musicali che intercettando le tendenze con congruo anticipo puntarono e colpirono un pubblico straordinariamente vasto. Nel 1972 debuttarono con un primo disco seguito a pochi mesi di distanza, nello stesso anno, da un secondo disco la Premiata Forneria Marconi (da Milano) e il Banco del Mutuo Soccorso (da Roma). I primi pubblicarono Storia di un minuto e Per un amico, i secondi Banco del Mutuo Soccorso e Darwin. Lo stile delle due formazioni non era paragonabile ma entrambe avevano degli elementi basilari in comune: squisita competenza tecnica, esuberanza creativa, energia adolescenziale, tenacia irriducibile, gusto peculiare per la denominazione (della band) strampalata e voglia di conquistare musicalmente parlando il mondo. Per celebrare il quarantennale degli album sopra citati Sony Music ha pubblicato due appetitosi cofanetti, Banco del Mutuo Soccorso 40 anni e PFM Celebration Il primo contiene, oltre al disco di debutto della formazione romana e ad alcuni brani live del 2012, anche lo loro prima e sino a oggi inedita opera rock dedicata a San Francesco d'assisi. Il secondo contiene Storia di un minuto, Per un amico e una selezione di esecuzioni live realizzate tra il 1985 e il BANCO DEL MUTUO SOCCORSO 40 ANNI Il cofanetto Banco del Mutuo Soccorso 40 anni contiene due cd (l album Banco del Mutuo Soccorso, tre brani dall opera rock Francesco d Assisi e altri tre pezzi registrati dal vivo a Roma il 28 aprile 2012) e un bel libretto con la storia del Banco, corredata da numerose fotografie (molte inedite). Un oggetto di pregio per appassionati e neofiti di cui abbiamo parlato direttamente con Francesco Di Giacomo e Vittorio Nocenzi. Vittorio Nocenzi e Francesco Di Giacomo: chiudete gli occhi e tornate indietro nel tempo. Siamo nel Francesco Di Giacomo : inverno, autostrada Roma- Milano. Viaggiamo a bordo di un furgone Mercedes quasi dismesso acquistato qualche giorno prima. Tre persone sedute sui sedili anteriori e tre persone sui sedili posteriori, con gli strumenti addosso. Stiamo andando a registrare un provino per la Ricordi. Quando arriviamo Milano è sepolta dalla neve. Siamo intirizziti. Com'era la sala d'incisione della Ricordi? Francesco Di Giacomo - Macché sala d'incisione, era un cinema parrocchiale che nei giorni feriali veniva usato per far suonare i gruppi. Comunque eravamo lì, montammo la nostra roba e suonammo tre brani. Il direttore artistico Gianni Saint Just fece un gesto come a dire Basta così! e io dissi sconsolato: Vabbe' raga', 'amo sonato in una maniera scandalosa, se ne tornamo a casa. E invece? Francesco Di Giacomo - E invece Saint Just ci invitò a pranzo, dicendoci che avremmo firmato il contratto. Peché pensavate di aver suonato al di sotto delle vostre possibilità? Vittorio Nocenzi - Eravamo in un posto sconosciuto, affa- 12

9 ticati e infreddoliti. Il Banco era agli inizi, suonavamo insieme da meno di un anno e non c'era ancora un vero affiatamento tra noi. Se fosse successo oggi o vent anni fa sarebbe stato completamente diverso. Francesco Di Giacomo - Vittorio e Gianni avevano le mani irrigidite. A me sembrava di aver lasciato la voce a Roma. E poi 'sto freddo insostenibile, avevo una sciarpa legata tutto intorno alla testa come l'ultimo dei poveretti. Vittorio Nocenzi - Quel provino, per noi, era una verifica, un esame. Nel 1972 la registrazione era una prerogativa esclusiva della discografia: oggi puoi incidere il tuo demo a casa, nel 1972 incidevi solo se avevi un contratto con una casa discografica. Un elemento peculiare del Banco, sin dall'album di esordio, è stata la componente ritmica. Il compositore Aaron Copeland scrisse, nel saggio divulgativo What to Listen For in Music, che in epoche remote la musica iniziò con il battito di un ritmo. Che ne pensate? Vittorio Nocenzi - Hai citato uno dei maggiori compositori del Novecento e, personalmente, uno dei miei preferiti. Sì, per il Banco è proprio così. Il ritmo è basilare. Quando Francesco e io studiamo un nuovo pezzo poniamo grande attenzione sugli accenti ritmici della melodia, non pensiamo soltanto alla struttura della linea melodica. Le note sono una strada ma la scansione vitale che ti fa percorrere quella strada è il ritmo. Parliamo del cofanetto Banco del Mutuo Soccorso 40 anni e del suo contenuto Vittorio Nocenzi - Il nostro primo disco, il cosiddetto salvadanaio, ri-registrato a partire da una fonte analogica. Non intendo i nastri originali che non ci sono più ma un vinile intonso, stampato all'epoca e rilavorato, masterizzando interamente in digitale. In aggiunta ci sono tre canzoni registrate dal vivo. E poi ci sono circa venti minuti di registrazioni inedite, ovvero tre brani estrapolati dall'opera rock dedicata alla vita di San Francesco d'assisi che noi scrivemmo proprio tra il 1972 e il Si tratta di incisioni recenti (maggio 2012) perché, anche in questo caso, i nastri originali sono andati perduti. Abbiamo cercato di ricreare l'atmosfera di quarant'anni fa, ci siamo calati nella stessa condizione di attesa e stupore che ti fa pensare: chissà come verrà questo nuovo lavoro. Vittorio Nocenzi - Il regista Vincenzo Gamna stava lavorando all'idea di un'opera rock basata sulla vita di Francesco d'assisi e ci sottopose il testo da cui noi avremmo tratto spunti per scrivere le canzoni. Francesco d Assisi è il simbolo dell'utopia: un eretico che diventa santo patrono, quasi per caso. Un uomo coraggioso che sfida il potere, un innovatore forte soltanto della propria umiltà e del proprio carisma. Purtroppo vennero a mancare i fondi per completare il lavoro e così il progetto di Gamna non andò in porto. 1972: come ve lo ricordate? Vittorio Nocenzi - Mi piace la tua idea di farci viaggiare nel tempo con flashback di sincera auto-identificazione. I primi anni Settanta furono caratterizzati da un formidabile movimento giovanile su scala mondiale. C'erano il bisogno e la volontà di pensare che ogni cosa poteva cambiare. Il Banco aveva dei manager o dovevate pensare anche agli aspetti gestionali oltre che a quelli artistici? Francesco Di Giacomo - Noi avevamo dei manager ed erano pure nomi di un certo rilievo nell'ambito della musica rock. Ma, da un certo punto in poi, cominciammo a mettere il becco dappertutto: essere condotti sì, ma teleguidati no. Vittorio Nocenzi - Abbiamo sempre rivendicato l'autonomia artistica. Le questioni manageriali le abbiamo affrontate solo diventando, per così dire, adulti. E non è stato bello diventare adulti. Inizialmente volevamo fare soltanto gli artisti: studiare, scrivere e suonare dalla mattina alla sera. Così ci affidammo totalmente a un manager e, in poco tempo, ci ritrovammo ad essere gli ostaggi delle banche, con debiti e interessi alle stelle (si parla di un costo del denaro pari al 32%). Ci vollero cinque anni per onorare quei debiti e, in seguito, l'esperienza ci portò a interessarci anche dei famigerati aspetti gestionali, ma che sofferenza! Francesco Di Giacomo - A volte i musicisti scelgono come manager un amico che la pensa più o meno come loro, cioè che parla la stessa lingua. Il problema vero è che un manager è e deve essere, o diventare, un manager. A quel punto l'amicizia non esiste più: c'è solo la logica del profitto. Quando nacque il Banco tu, Vittorio, cercavi un cantante bello e conturbante, alla Robert Plant Vittorio Nocenzi - Sì, io volevo un frontman attraente: hai presente Billy Bis, il personaggio a fumetti creato da Antonio Mancuso e Loredano Ugolini per la casa editrice Universo? Ecco, volevo uno così. Francesco Di Giacomo - Quando mi presentai sentii su di me gli sguardi perplessi. Poi mi misero alla prova: dovetti cantare Heaven in Their Minds da Jesus Christ Superstar. Superai l'esame e iniziò l'avventura. E cosa ha significato per te essere il cantante del Banco? Francesco Di Giacomo - Ha significato molto. La voce è uno 13

10 MUSICISTI strumento che hai dentro e che, nelle canzoni, arriva per ultimo in ordine di tempo. La voce deve essere consonante con gli accordi ma, quando canto, non so cosa si aspettano i musicisti. Porgo la mia voce. Io canto in base alla mia sensibilità. Sono un autodidatta. Vittorio Nocenzi - Forse se tu avessi studiato ti saresti stancato di meno perché avresti adoperato di più il diaframma. Avresti avuto la vita più comoda ma sono convinto che saresti rimasto lo stesso, il tuo istinto potente non sarebbe evaporato. La tecnica non frena la spontaneità: più la padroneggi, più sarai libero di usare l'istinto. Sono convinto che la tecnica debba necessariamente essere di altissimo livello affinché l'istinto sia libero. Francesco è musicalmente un miracolo, unico e irripetibile. Cantare è una fatica tremenda, soprattutto in un concerto rock. Le prove sono una sofferenza enorme - con il batterista che pesta come un ossesso e il chitarrista che continua ad alzare il volume dell ampli che viene ripagata in concerto, dove il cantante è l'elemento che ha maggiore visibilità. Quindi gli oneri sono ampiamente ricompensati. Concerti e musica dal vivo: cos'è cambiato dal 1972 a oggi? Francesco Di Giacomo - Per me non è cambiato assolutamente nulla: la musica è la cosa più importante. Ma la musica oggi è spesso il corollario di uno spettacolo fantasmagorico, basti pensare a San Remo. Vittorio Nocenzi - Anche negli anni Settanta esisteva il concetto di spettacolo ma si trattava, almeno per noi, principalmente di performance musicale e questa necessità la sentivamo profondamente. Abbiamo sempre creduto nell'utopia dell'arte totale. E la gente, in quegli anni, voleva l'arte totale. L'ascoltatore aveva un ruolo attivo. Oggi come allora, fare musica vuol dire suonare, sì, e al contempo significa pensare alla poesia, al gesto, alla luce, al desiderio di proiettare il suono nello spazio. Un tempo anche le copertine dei dischi erano importantissime, perché non si trattava soltanto di una bella confezione ma del prolungamento visivo del contenuto di un album, testi e canzoni. Nella testa di Peter Gabriel o di Roger Waters dei Pink Floyd c'era proprio questo e non la semplice spettacolarizzazione che abbaglia con gli effetti speciali. Uno degli spettacoli che ci rimase più impresso, e che ancora portiamo nel cuore, fu la messa in scena di Riccardo III curato da Carmelo Bene: lui indossava un costume rinascimentale e se ne stava seduto, in un silenzio immobile. Un altro lui, accanto, recitava Si fa per dire: era un sosia che muoveva la bocca mentre un nastro, con la voce di Carmelo Bene, diffondeva la registrazione. Una finzione straordinaria. Qual è la tua strumentazione sul palco oggi, Vittorio? Vittorio Nocenzi - Da parecchio tempo ho scelto di rinunciare a master keyboard splittate e iper-programmate. Preferisco eseguire la mia musica dal vivo senza concessioni alla tecnologia: sei pedali del volume per sei strumenti e una tastiera master. I sei strumenti sono: pianoforte acustico e Fender (AK S20 Roland analogico), organo Hammond (U 220 Roland), archi (U 220 Roland), brass (U 220 Roland), pad U 220 Roland e un Minimoog del L'esecuzione prevede la scelta degli strumenti da mixare in tempo reale durante la performance attraverso i sei pedali del volume. La master è la migliore: 88 tasti pesata prodotta dalla FATAR di Ancona che, oltre ai propri strumenti, costruisce da sempre tastiere per tutte le grandi marche nipponiche e americane. Cosa significa per voi scrivere musica nel 2012? Francesco Di Giacomo - Assecondare un impeto, guardarsi dentro e capire cosa c'è fuori, per arrivare a dire ecco, ho trovato. Vittorio Nocenzi - È come respirare. Se sei un compositore componi sempre, ogni giorno, tutta la vita. Sono sempre stato affascinato dalla sapienza dei mestieri, da quella saggezza che raggiungi facendo. L'ispirazione non arriva dal nulla, ma la incontri mentre segui la tua strada. E questa è sempre la cosa più importante. PFM Celebration Un vecchio articolo pubblicato nel 1972 sulle pagine del magazine Ciao 2001 che visse tra il 1968 e il 1994 iniziava così: La Premiata Forneria Marconi si è presentata ufficialmente al pubblico italiano lo scorso anno, interpretando il ruolo del gruppo di spalla nei concerti dei Procol Harum, dei Deep Purple, degli Yes. Da quella gavetta di lusso i cinque ragazzi milanesi sono arrivati a guidare la classifica italiana dei 33 giri (...). Non è elegante e nemmeno rispettoso parlare di gavetta di lusso, ma presumiamo che l'obiettivo del giornalista fosse quello di dimostrare a chi leggeva che i musicisti italiani erano all'altezza dei colleghi stranieri. In effetti la gavetta e non sempre di lusso c'era stata. La Premiata Forneria Marconi o PFM nacque dalle ceneri dei Quelli, gruppo beat che 14

11 proponeva canzoni come Una bambolina che fa no no no, e altri con il testo tradotto in italiano ( Happy Together dei Turtles, che diventò Per vivere insieme ). La formazione originaria comprendeva Franco Mussida alla chitarra, Franz Di Cioccio alla batteria, Giorgio Piazza al basso, Pino Favaloro alla chitarra e Teo Teocoli alla voce. La fuoriuscita di questi ultimi vide l'ingresso del 17enne tastierista Flavio Premoli. Il quartetto continuò la propria carriera e, parallelamente, prestò le proprie competenze in sala d'incisione ad autori come Lucio Battisti e Fabrizio De André. L'arrivo di Mauro Pagani (violino e flauto traverso) coincise con un cambio radicale: dal beat al progressive rock. Non si trattò di un cambiamento indolore, almeno agli inizi. Ma anche il pubblico stava andando in quella direzione, aprendosi alle nuove evoluzioni del rock e così, come ha recentemente affermato Mauro Pagani, Eravamo al posto giusto nel momento giusto. I gusti del pubblico, pure in Italia, stavano cambiando. Esattamente come erano cambiate le nostre prerogative. Il cofanetto PFM Celebration ripropone oggi i primi due dischi del gruppo rimasterizzati in modo eccellente da Paolo Iafelice/Adesiva Discografica, nonché una consistente selezione di pezzi registrati dal vivo tra il 1985 e il 2010 sempre provenienti da quei due album. Riascoltare la PFM del 1972 permette di constatare, ancora una volta, quanto il quintetto fosse perfettamente equilibrato e capace di mettere in relazione con grande intelligenza musicale il rock, la canzone, la musica popolare e qualche sapore jazz. Ogni canzone ha una sua ragion d essere, senza momenti interlocutori, sin dalla Introduzione che, in poco più di un minuto, fa emergere sia il volto romantico che quello viscerale del gruppo. Impressioni di settembre ottenne un grande successo diventando uno dei cavalli di battaglia della band, nonostante il testo di Mogol ( Quante gocce di rugiada intorno a me/cerco il sole, ma non c'è/dorme ancora la campagna, forse no/è sveglia, mi guarda, non so ). Ma negli anni Settanta i testi non erano certo il punto di forza del gruppo e, soprattutto in questi primi dischi, non andavano molto oltre la bella poesia pre-adolescenziale, anche se nell'edizione originale del disco erano riportate riflessioni aggiuntive rispetto ai testi che, nelle parole di Mussida: Erano pensieri. Ovvero il mondo di un diciottenne che cerca di orientarsi nella vita di tutti i giorni, ponendosi delle domande. Che non sono soltanto quelle sull'amore tra uomo e donna, ma domande profonde, esistenziali. Si può essere d'accordo oppure no, ma la musica, invece, era inattaccabile. Un altro esempio che ha fatto storia si intitola È festa ( Celebration nella versione in lingua inglese) e a proposito di questa canzone Franz Di Cioccio dice: La nostra scommessa fu innestare un tempo rock alla Deep Purple su una tarantella. Lo dico da abruzzese: la musica della mia terra è il saltarello. Quel modo di portare il ritmo è nel mio DNA musicale. Esempio di orchestrazione raffinata e solida allo stesso tempo è invece Grazie davvero. Secondo Flavio Premoli, arrangiatore del brano La musica prog di solito si esaurisce in un quintetto. Mi tentava l'idea di una incursione nel classico, la dimensione in cui mi ero formato, classico inteso non come scrittura ma come arrangiamento. L'album Per un amico è la perfetta continuazione del precedente: meno vario e più compatto, servì da trampolino di lancio per la lunga gita anglo-americana, ovvero per il tentativo in parte riuscito di affermare la propria musica fuori dagli angusti confini nazionali. Il terzo cd contiene infine una dozzina di brani registrati live nell'arco di 25 anni. Notevoli le versioni di Mr. 9 Till 5 (Generale), con Premoli in forma strepitosa, e l'epica La carrozza di Hans. Purtroppo Impressioni di settembre, presa dal lontano 1985, risente degli orrendi suoni sintetici tanto in auge in quel decennio. Uno scempio a cui pongono rimedio le ottime versioni di Dove...Quando... e Il banchetto. (Maurizio Principato) The Parlotones Journey Through The Shadows (EAR MUSIC/SELF) Journey Through The Shadows è il quarto album in studio della più nota band sudafricana, a due anni dal precedente Stardust Galaxies, doppio disco di platino che li ha imposti anche nel nostro continente. Il nuovo album contiene dodici brani originali di pop-rock melodico mai sdolcinato, fresco, a suo modo originale e sempre positivo. Nelle loro stesse parole Journey Through The Shadows è una metafora della condizione umana. Nessuno di noi alla nascita riceve una mappa che indichi quale sia il percorso più confortevole. Alla fine è come se tutti camminassimo con in mano una candela che ci permette di vedere solo davanti a noi stessi. Non sai mai cosa ti aspetta dietro l angolo. Potenzialmente sulla strada delle maggiori rock band del pianeta (suonano nel loro Paese davanti a oltre diecimila spettatori e hanno aperto i campionati del mondo africani come anche le date dei Coldplay), i Parlotones non fanno mistero della loro ricerca di affermazione, sia con la rotonda levigatezza del proprio sound, sia con l avvolgente costruzione di liriche ballate da spiaggia, sia con l esplicita programmaticità di titoli quali I Am Alive e We Just Want To Be Loved, che risvegliano dal torpore della più banale musica pop con stratagemmi triti ma irresistibili. (C.C.) 15

12 Infi nite Possibilità Il rivoluzionario sistema di connessione E-Connect ti permette di creare, in modo veloce, la confi gurazione line array più adatta per ogni situazione E210 Sub AS E835 Da oggi la comodità aumenta con il nuovo sub E210AS ed il nuovo diffusore per medio-alti E835 SismeAudioPro Per conoscere tutte le confi gurazioni visita il sito

13 ZENZI DAL VIVO IN CONCERTO L OMAGGIO A MIRIAM MAKEBA DEL DINO RUBINO TRIO Dino Rubino, musicista catanese oggi poco più che trentenne, dopo aver assistito a un concerto di Tom Harrell nel 1994 decide di abbandonare il piano e intraprendere lo studio della tromba e del jazz. Nel 2001, dopo un periodo di crisi, decide di lasciare la tromba e ricominciare lo studio del pianoforte. Ma nel 2007 riprende a suonare la tromba e nel 2008 incide un disco con Francesco Cafiso in veste di trombettista, entrando a far parte del suo gruppo come pianista. Vi gira la testa? Non finisce qui: lo stesso anno Rubino registra il primo disco da leader per l'etichetta giapponese Venus, quindi si diploma in pianoforte e inizia la specializzazione in Jazz presso il Consevatorio A. Corelli di Messina. Registra un secondo disco con l'island Blue Quartet di Francesco Cafiso e poi con il New Quintet di Giovanni Mazzarino; nel 2010 registra con il 4OUT di Cafiso e come componente del duo Rubino- Cafiso. Siamo al febbraio del 2011 quando Rubino registra in trio con Dalla Porta e Bagnoli Zenzi, album dedicato a Miriam Makeba e prodotto da Paolo Fresu per la Tuk Music. Non è stato un lavoro di testa : più cose andavo scoprendo di Miriam Makeba, più la sentivo mia, ha dichiarato Rubino. Ora quel lavoro prende la strada del live con Dino Rubino insieme ai due compagni d avventura Paolino Dalla Porta (contrabbasso) e Stefano Bagnoli (batteria): le prime date sono il 12 novembre all Art Blakey Jazz Club di Busto Arsizio, il 15 novembre al Padova Jazz Festival, il 4 dicembre alle Cantine Arena di Verona, il 5 dicembre al Panic Jazz Club di Marostica, il 21 dicembre al Fano Jazz Club. Info: - tukmusic.paolofresu.it David Weinberger La stanza intelligente (PP. 280 EURO 22,90 - CODICE EDIZIONI) La conoscenza come proprietà della rete, questo il sottotitolo del lavoro che il tecnologo della comunicazione David Weinberger (New York, 1950) ha pubblicato lo scorso anno in edizione originale col titolo Too Big to Know: Rethinking Knowledge Now That the Facts Aren't the Facts, Experts Are Everywhere, and the Smartest Person in the Room Is the Room ed è ora tradotto da Codice Edizioni di Torino come La stanza intelligente. Il sapere, la conoscenza, sono oggi per la prima volta nell epoca di Internet alla nostra portata in modo pressoché illimitato. Nella stanza in cui ci troviamo, discutiamo, pensiamo cioè Internet dove le fonti sono molteplici ma non sono certe e nessuno è mai d accordo su nulla, circola molta più conoscenza di quanto sia mai stato possibile immaginare, una conoscenza gestita e organizzata con capacità superiori a quelle delle nostre singole menti e delle singole istituzioni. Internet, afferma Weinberger, non ci rende più stupidi per questo; al contrario, questa enorme fonte di conoscenza sempre a disposizione ci consente di prendere decisioni migliori di quelle di un qualunque esperto. Nelle parole dell autore: La conoscenza in rete è meno certa ma più umana. Meno definita ma più trasparente. Meno logica ma molto più ricca. Ogni blogger è un emittente. Ogni lettore è un redattore. Il testo raccoglie e organizza le molteplici impressioni che ogni utente di Internet vive ogni giorno nella propria esperienza con sorpresa, fastidio, frustrazione, sconcerto, sospetto, organizzandole in un discorso che non risolve le molte contraddizioni della Rete, ma ne evidenzia la specificità e l enorme utilità. Nella stanza intelligente non esistono gerarchie né certezze, ma più risposte di quante l essere più intelligente sul pianeta potrebbe essere in grado di fornire. (C.C.) 17

14 MUSICISTI SPAZIOMUSICA SUONI DELLE DIVERSITÀ A CAGLIARI DAL 25 OTTOBRE AL 15 DICEMBRE Suoni delle diversità è il titolo dell'edizione numero 31 che il festival Spaziomusica regala quest anno al pubblico cagliaritano della musica contemporanea. Lo storico appuntamento autunnale con Spaziomusica, che ha avuto inizio nel 1982 per impulso del compositore nuorese Franco Oppo, per le dieci serate di quest anno ha scelto come tema le risonanze sonore nelle loro varie modalità - acustiche, elettroniche, vocali, strumentali e nei loro possibili incroci. I concerti, tutti a ingresso gratuito, sono ospitati al Ghetto di Cagliari, il centro d'arte e cultura di via Santa Croce, nel quartiere di Castello. Giovedì 25 ottobre alle 21, il New MADE (New Music And Drama Ensemble), formazione attiva nel campo della musica e del teatro musicale contemporanei propone brani di John Cage, Alessandro Solbiati, Cesare Saldicco, Morton Feldman, Giorgio Colombo Taccani, Giacomo Manzoni, Cathy Berberian, Luciano Berio, Henry Cowell, Emanuela Ballio, Rossella Spinosa, Charles Ives, Roberta Silvestrini e Maurizio Ferrari, nell interpretazione del soprano Akiko Kozato, del clarinettista Gaetano Nenna, del violinista Raffaello Negri, dei pianisti Alessandro Calcagnile e Rossella Spinosa (foto in basso). Due diversi pianisti sono in scena venerdì 26 ottobre: la lussemburghese Cathy Krier (musiche di Claude Lenners, Elio Martusciello, Luigi Ceccarelli, Arthur Stammet) e il cagliaritano Fabrizio Casti. Domenica 28 è invece il turno della giapponese Aki Kuroda, che esegue composizioni di Yuji Takahashi, Yoichi Sugiyama, Alexander Scriabin, Sylvano Bussotti e Gabrio Taglietti. Lunedì 29 ottobre alle 18, nell'auditorium del Conservatorio, per A Manuel, appuntamento musicale in memoria di Emanuele Bellinato, oboista e docente scomparso quattro anni fa, sono in scena allievi e colleghi del musicista veneto riuniti in vari organici per interpretare pagine di Mozart, Schumann, Gordon Jacob, Jean Françaix e Luigi Lai in un concerto organizzato in collaborazione con il Conservatorio "G.P. da Palestrina". Al Ghetto il Quartetto d'archi di Cagliari formato da Attilio Motzo e Corrado Lepore ai violini, Dimitri Mattu alla viola e Oscar Pistrelloni al violoncello, propone uno dei brani più popolari di Steve Reich, Different trains, e Sette variazioni sul cielo, composizione di Fabrizio Casti con i video di Marcello Cualbu e Michele Casanova, e la regia del suono di Marcellino Garau. Martedì 30 è dedicato alla proiezione dei video vincitori dell'international Competition for CyberArts 2011, la competizione annuale che si tiene a Linz (Austria) dedicata ad arti multimediali e nuovi media. Al Ghetto, mercoledì 31, il Modular Ensemble di Marco Caredda, Francesco Ciminiello, Roberto Migoni e Roberto Pellegrini, organico di soli strumenti a percussione alle prese con pezzi di John Cage e David Lang. Venerdì 2 novembre i francesi Olivier Dumont (chitarre preparate) e Nicolas Thirion (computer, impro/noise) eseguono il loro Death in Death Valley, progetto ai confini fra improvvisazione free, musica elettroacustica e noise. Ancora il pianoforte sabato 3 novembre, quello della bulgara Nadejda Tzanova (classe 1986) con un programma di autori dell'est che va da Mussorgsky a Schostakovic, da Schnittke a Kazandjiev. Il corpo principale del Festival si chiude con l attore Senio G.B. Dattena, il percussionista Alessandro Cau, le musiche e le elaborazioni elettroniche dal vivo di Daniele Ledda, la scultura di Mariano Corda: sono questi i protagonisti di Orlando Brandelli Di Fughe Follie Nitriti E Clopete Clopete, performance tratta dall'orlando furioso di Ariosto, domenica 4 novembre. E siamo all'ultimo atto: sabato 15, sempre al Ghetto, il Coro dell'università di Sassari e la Piccola Orchestra d'archi diretti da Daniele Manca eseguono Te Deum, lavoro a più mani improntato alle note e al testo dell'inno gregoriano Veni Creator Spiritus e commissionato dall'associazione Coro dell'università degli Studi di Sassari a quattro compositori sassaresi: Stefano Garau, Davide Soddu, Gabriele Verdinelli oltre allo stesso Daniele Manca. Associazione Spaziomusica via Liguria Cagliari tel

15 Il mondo dell Audio Professionale ha un nuovo marchio: Italian Style e alta tecnologia di chi fa Audio da 50 anni, a prezzi di manifattura contenuti. È il nuovo marchio lanciato da Elettronica Montarbo al ProLight+Sound 2012 a Francoforte. La storica azienda bolognese, pioniera nella produzione Italiana di Audio Professionale, espande la sua offerta, proponendo un catalogo di prodotti dall altissimo contenuto tecnologico, pur offrendo un prezzo decisamente modico. FiveO by Montarbo nasce dopo quasi due anni di selezione di componenti, industrializzazione dei prodotti, continue prototipazioni e accuratissimi controlli di qualità, al fine di offrire il miglior rapporto qualità prezzo possibile. Digita per dare un occhio al catalogo costantemente in evoluzione: il Laboratorio Ricerca e Sviluppo è già al lavoro per proporre le prossime novità. Elettronica Montarbo srl via G. di Vittorio Cadriano Granarolo Emilia (BO) T F Società soggetta a controllo di EKO Music Group SpA

16 MUSICISTI REWIND 50 ANNI DI FENDER IN ITALIA DAL 16 NOVEMBRE AL MUSEO DELLA MUSICA DI BOLOGNA Torna dal 16 novembre 2012 al 3 febbraio 2013 presso il Museo della Musica di Bologna Rewind, mostra a cura di Luca Beatrice sui 50 anni di Fender in Italia. Il progetto è promosso da Casale Bauer, distributore italiano di Fender, in collaborazione con il Museo Internazionale e la Biblioteca della Musica di Bologna. Tre anni fa il Museo della Musica di Bologna ospitò Love Me Fender, mostra-omaggio al mito di questa fantastica chitarra attraverso le opere di diversi artisti contemporanei chiamati a dialogare con la musica rock. Oggi prende il via la seconda tappa di questo viaggio attraverso suoni e immagini: Rewind. 50 anni di Fender in Italia offre uno sguardo retrospettivo, come riavvolgendo il nastro del tempo, attraverso tre diverse chiavi di lettura: cuore dell'allestimento saranno le Fender customizzate e reinterpretate da ventuno artisti italiani e internazionali chiamati a rileggere il mito attraverso stili e linguaggi molto diversi, dalla pittura figurativa all arte concettuale, dall oggetto all installazione, dalla street painting alla sound art. Nelle sale storiche del Museo della Musica queste inedite Fender d autore dialogheranno con gli elementi visivi e scenografici di una microstoria della musica italiana, a partire dall inizio degli anni 60 fino a oggi: il Rock del primo Adriano Celentano e dei seguaci di Elvis (Bobby Solo, Little Tony), quello contemporaneo di Vasco e Ligabue, dei Litfiba e degli Afterhours, ma anche il rock che incontra il pop e le voci dei grandi interpreti italiani, da Gianni Morandi a Tiziano Ferro, da Mina a Laura Pausini; e poi una serie di fenomeni più alternativi, il Beat (dal Piper alla contestazione del 68), la psichedelia e il pop sinfonico (gli Area e i Pooh) l indie rock, fino alla canzone d autore (Paoli, Tenco, Lauzi, Bindi, Gaber, Guccini, Dalla), senza dimenticare culture come la dance, l electropop, il rap e l hip-hop. La storia degli ultimi cinquanta anni sarà infine ripercorsa attraverso la fotografia, con una serie di scatti di Guido Harari, Efrem Raimondi, Caterina Farassino e Paolo Proserpio, per disegnare un percorso che parte dal 1962, quando avvenne il debutto di Fender in Italia. Preview di Rewind su Facebook su Pinterest su casalebauer.com Info: museomusicabologna.it Mary Gauthier Live at Blue Rock (PROPER RECORDS) Il country è un universo musicale particolarmente vasto e articolato, al cui interno trovano spazio artisti che, contrariamente ai più triti luoghi comuni, cantano vicende tragiche, angoscianti, spesso biografiche. Nel firmamento del cosiddetto gothic country (o country noir ) brillano stelle come Jim White, Edith Frost e anche la schiva Mary Gauthier, che nelle sue canzoni, con voce dimessa e sincera racconta le vite di chi, solitamente, non viene preso in considerazione dalla Storia ma, giorno dopo giorno, affronta le difficoltà (e le sporadiche gioie) dell'esistenza. Negli ultimi anni lo stile di Mary Gauthier è maturato e, disco dopo disco (in particolare nel ruvido Mercy Now del 2005 e nel ricercato The Foundling del 2010) ha saputo scarnificare le sue canzoni aggiungendo, al contempo, intensità e bellezza. Sentirla in azione dal vivo, accompagnata soltanto da chitarra e armonica (e da due musicisti: Tania Elizabeth al violino e ai cori, Mike Meadows alle percussioni) è davvero emozionante. Pezzi come Blood Is Blood o Our Lady Of The Shooting Stars disegnano un paesaggio assolato e distante, una terra sperduta nel nulla dove si muovono looser senza volto e senza nome, disperati che cercano solo di condurre in qualche modo la propria anonima esistenza. Un approccio narrativo à la Raymond Carver, che l'autrice riconosce tra le sue fonti di ispirazione. Il live si chiude con la lunga (quasi quindici minuti) e avvincente cavalcata di Wheel Inside The Wheel. (M.Pr.) 20

17 Rusconi Revolution (BEE JAZZ RECORDS) La formula musicale del trio Rusconi - Stefan Rusconi (tastiere), Fabian Gisler (contrabbasso), Claudio Strüby (batteria) può essere etichettata come jazz allargato. Allargato a cosa? Alle possibilità che l'improvvisazione estemporanea può creare. Non sono rivoluzionari, a dispetto del titolo, i nove brani di questo disco, bensì rivelatori, perché mostrano apertamente l'attitudine dei tre giovani e brillanti musicisti. A volte i pezzi iniziano con l'enunciazione di un tema che, dopo akcune battute, viene bruscamente accantonato per fare spazio a qualcosa di melodicamente e ritmicamente diverso. Altre volte, invece, i temi restano dominanti e intorno a essi prende corpo l'intero sviluppo. Il blues meccanico e instabile di Berlin Blues è seguito dalla suite Massage the Story Again, dove i primi quattro minuti fusion si stemperano in un assolo di basso che sembra voler avvicinare l'eberhard Weber degli anni Settanta allo spirito dei primi King Crimson. La rassicurante e dolciastra Milk precede l'apice dell'intero lavoro, Alice In The Sky, lunga parentesi ambient in cui la presenza dell'ospite Fred Frith aggiunge un'eleganza e un'intensità inaspettate: le note di chitarra emergono da un paesaggio desolato in cui la musica sembra spegnersi e rigenerarsi senza tregua. Un jazzrock deforme e bislacco (non privo di piccoli riferimenti ai crossover cantabili à la Pat Metheny e/o Yann Tiersen) anima le successive Kaonashi e False Awakening. Ben strutturata e quasi da ascolto radiofonico (serale/notturno) Templehof. Chiudono due ottimi brani live, Hits Of Sunshine e Theresa's Sound-World. (M.Pr.) Nik Bärtsch Ronin Live (ECM) Negli anni Settanta e Ottanta l'etichetta ECM portò l'attenzione su un inedito filone musicale che miscelava e faceva dialogare musica classica, contemporanea, jazz, avantgarde e elemento non marginale silenzio. Emersero talenti speciali come Keith Jarrett, Jan Garbarek, Meredith Monk, Terje Rypdal, Pat Metheny. Dagli anni Novanta l'ecm ha consolidato il proprio ambito operativo, riducendo la spinta verso il nuovo ma continuando a guardarsi intorno al fine di dare voce ad artisti o ensemble degni di nota. Nel 2005 sono entrati in scuderia i Ronin del pianista svizzero Nik Bärtsch che, dopo tre ottimi album incisi in studio ("Stoa", "Holon" e "Llyrìa") pubblicano oggi il loro primo disco live. I generi intrecciati dal gruppo? Jazz, funk, minimal. Strumenti? Acustici. Attitudine? Zen. Bärtsch ha scritto: Per me la musica è azione, simile alla danza o alle arti marziali. Queste ultime cercano di unire il cervello e il cuore, supportando il corpo con la giusta tensione. Solo con mente e muscoli agili sarà possibile produrre intuitivamente la giusta risposta in un combattimento. Il doppio cd contiene estratti da diversi concerti (Europa e Giappone) e spiccano i brani estratti da Holon (in particolare Modul e Modul 42 - nota: le composizioni di Bärtsch & Co si intitolano sempre Modul qualcosa ), saggi esemplari di improvvisazione strutturata, tradizionale nel suono (il timbro degli strumenti acustici) e moderna nell'esecuzione, impeccabile sotto il profilo formale ed estetico. (M.Pr.) SOS A MILANO - MUSICA PER SOCRATE SOS: Socrate Oggi Suono. È il titolo di un ciclo di tre serate organizzate da MMT Creative Lab sui seguenti temi: Il rumore del mondo è forse diventato così assordante e invasivo che non siamo più in grado di ascoltare? Come è cambiato il nostro rapporto col suono? E svolge ancora una funzione di rilievo nella nostra vita? È ancora in grado la musica di sorprenderci, mutarci profondamente? E quale può essere lo stato attuale della ricerca musicale, anche in relazione al disastroso contesto culturale del nostro Paese? Tutte queste impegnative riflessioni, assieme a interventi sonori e filosofici avranno luogo il , il e il presso il Teatro Arsenale di Milano in via Cesare Correnti 11. Interverranno agli incontri Simone Broglia, Giuliano Corti, Giovanni Cospito, Roberto Fabbi, Mario Garuti, Daniele Goldoni, Xabier Iriondo, Claudio Lugo, Claudio Marconi, Franco Masotti, Roberto Masotti, Matteo Pennese, Walter Prati, Veniero Rizzardi, Francesco Ronzon, Giancarlo Schiaffini, Riccardo Sinigaglia. Con la partecipazione dell'università Ca' Foscari di Venezia, il Conservatorio di Musica di Milano e il sostegno del Comune di Milano. L ingresso è gratuito ed è possibile prenotarsi all indirizzo web di MMT Creative Lab: 21

18 MUSICISTI BUSONI REMIXED A TRENTO E A BOLZANO UN OMAGGIO AL COMPOSITORE E PIANISTA Busoni remixed è il titolo dell omaggio che l ensemble Sonata Islands guidato da Emilio Galante (ospite Gabriele Mirabassi) ha proposto dal vivo, prima a Trento e poi a Bolzano, nel mese di novembre. Un omaggio curioso, aperto a musicisti (e stili musicali) che busoniani non sono poi tanto, ma che proprio in questo modo intende accendere una luce sulla figura particolare, interessante e del tutto originale del musicista vissuto a cavallo tra Ottocento e Novecento, tra lingua tedesca e italiana, tra virtuosismo pianistico, composizione e impegno didattico, tra un prima e un dopo la Prima guerra mondiale che ne hanno spezzato crudamente l avventura artistica e umana, facendone un esule in terra d Europa, a dispetto della sua visione così fortemente europea. In questo concerto-omaggio, più un insieme di individualità che un collettivo vero e proprio, il clarinetto di Mirabassi e il flauto di Galante hanno svettato, con la tecnica e la solidità della loro esecuzione, soprattutto intrecciando serratissimi visrtuosismi in solo e in duo. Rispetto ad altre occasioni, la voce di Gaia Mattiuzzi, qui limitata a un (spesso poco nitido) recitato, è parsa più matura e fornita di un ampia tavolozza timbrica, che fa sperare di vederla presto alla prova di musiche più strutturate e, perché no?, nell interpretazione di vere e proprie canzoni. Inappuntabile, anche se poco utilizzato, il contrabbasso di Stefani Senni e un po fuori contesto il batterista Francesco Cusa, che avremmo preferito meno invasivo, soprattutto sulla voce recitante di Gaia Mattiuzzi. Infine, non sempre preciso il contributo di Isabella Turso, e per una pianista questa sarebbe stata forse un occasione da sfruttare in modo migliore. Trattandosi di crossover fra musica classica e contemporanea, fra musica scritta e improvvisata, la figura di Busoni viene qui parecchio annacquata da spunti eterodossi, programmaticamente eterodossi. E questo non è necessariamente un male. Ma allora perché non puntare più in alto, non frammentare e mescolare ancor più le carte, uscendo da una sorta di melange neoclassico che prende di ogni scenario stilistico solo gli ingredienti più commestibili? Volendo rimescolare la musica del Maestro, pur nella esplicita celebrazione, bisogna considerare che ne è trascorso del tempo dai giorni suoi, e quello che era innovativo allora nel linguaggio di Busoni oggi non sarebbe più sufficiente a rendergli un doverosamente omaggio. Insomma, io credo che o lo si rispetta fino in fondo o si cerca di riproporne almeno l intenzione, la spinta, quando non la tragica figura di genio perdente e in parte trascurato. Oltretutto, l ispirazione del progetto nasce da un saggio recente di Giuseppe Calliari, Ferruccio Busoni - trascrivere in musica l infinito (Margine, 2011), che questi aspetti pare averli colti molto bene, soprattutto nel concetto di contemplazione. Ecco, dove sta qui quel concetto in questa messa in scena? Si sarebbe desiderata una maggior tensione, una qualche magia, un chiaroscuro più esplicito. Invece i sei musicisti sono rimasti sul palco dall inizio alla fine, ben visibili, come protagonisti di un saggio scolastico. E questo non ha reso onore né al progetto nel suo complesso, né alla bravura degli esecutori. (C.C.) Busoni Remix Bolzano - Teatro Cristallo 30 novembre

19 I TRE INOSSIDABILI LE NOVITÀ DISCOGRAFICHE DI BOB DYLAN, NEIL YOUNG E VAN MORRISON Non si può dire che faccia ancora notizia, forse. Ma un nuovo album di questi grandi musicisti fa sicuramente piacere, soprattutto quando non delude, anzi, rinverdisce la fama di chi ha scritto già molte pagine memorabili della musica rock sin dalla sua culla. Avrete ormai già sentito parlare di capolavoro per Tempest di Bob Dylan, e se pure non mi spingerei a tanto, l album offre alcuni dei momenti migliori del suo ultimo periodo; la sua profondissima voce cattura l ascolto fin dalla prima scintillante Duquesne Whistle in cui l ultrasettantenne poeta del rock porge tutta la sua esperienza, tutta la sua sapienza spingendo un po verso Tom Waits, un po verso Paolo Conte (per dare qualche coordinata irriverente). Non fugge l età, la sottolinea, ne fa una bandiera: non ci sono inganni qui. E i temi delle canzoni sono quelli di un uomo che ha visto la Guerra del 1812, il relitto del Titanic, l assassinio di John Lennon. Nella desolazione di Scarlet Town o di Long and Wasted years ci sono tutto lo spirito e il vigore di cui Dylan si è mostrato capace nei momenti più alti. E poi ci sono Tempest, quattordici minuti di deriva verso l affondamento del Titanic a tempo di walzer irlandese, e il blues di Early Roman Kings : Non sono ancora morto, le mie campane suonano ancora. Tempest è così un album già classico, classico fin dal suo concepimento. Ma si potrebbe dire lo stesso del doppio Psychedelic Pills di Neil Young and Crazy Horse come di Born to Sing: No Plan B di Van Morrison. Il doppio disco di Neil Young è sostenuto da una verve sinceramente invidiabile, capace anche di poderose cavalcate elettriche oltre i sedici minuti di durata quali Ramada Inn e Walk Like a Giant, come della più dolce Drifting Back che arriva a 27 e 36. Il lavoro è il risultato di una jam collettiva fra amici di lunga data che si ritrovano all istante. La naturalezza, la leggerezza anche, di alcune fra le canzoni di Psychedelic Pills, sono la prova di questa familiarità, e chi ama il musicista canadese ritrova qui tutto il distillato del suo stile, senza le asperità estreme del pur notevole Le Noise. Ed è il caso soprattutto delle song più folkeggianti e quasi pop, come Born In Ontario, Twisted Road, She s Always Dancing, For the Love of Man, dove si ritrova tutto il genio gentile del songwriter canadese. L album è disponibile, oltre che in doppio cd, anche come triplo album in vinile. Sebbene Neil Young and Crazy Horse stiano promuovendo Psychedelic Pills suonando live negli States e in Canada, per il momento nessuna notizia fa pensare a un possibile tour europeo. L irlandese Van Morrison, va da sé, è uno degli interpreti più intensi e convincenti di sempre. La sua musica, come quella di Dylan e Young, non ha bisogno di rinnovarsi, è semplice, pura, cristallina classicità. Tornato a incidere per la storica Blue Note con questo suo 35esimo album solista, Morrison affronta qui forse per la prima volta i temi dell attualità, in questo caso della crisi economica, suggerendo modestamente che i soldi non ti fanno sentire soddisfatto / i soldi servono solo a pagare i conti ; in Educating Archie si rivolge all interlocutore dicendogli: Sei schiavo del sistema capitalista / governato da una élite globale. Certo, è la presa di posizione di un autore che non è mai stato un cantante di protesta e che si pone con naturalezza e semplicità di fronte alle vicende della quotidiana lotta per la sopravvivenza, risultando egualmente credibile perché rimasto sempre estraneo allo star system, conservando il suo originario profilo da working class hero anche quando nella sua musica filtravano le pur pagane suggestioni di un qualche sfuggente spiritualismo. Ispirata dal più profondo blues di Hank Williams e di Muddy Waters, la canzone venata di soul e jazz tipica di Van Morrison parte dal cuore della tradizione celtica per arrivare alla musica di Ray Charles, con tutta la sua forza dirompente e la sua capacità di reinventare ogni cosa, dal rock al blues, dal jazz al soul, compresa ogni diversa sfumatura della musica più tradizionale. Proprio la capacità di restare legati alle radici sviluppando solide ramificazioni di modernità è la chiave di questi inossidabili evergreen. (C.C.) 23

20 INTERVISTA AREA LIVE 2012 QUEI BRAVI RAGAZZI MAURIZIO PRINCIPATO Gli Area sono stati e continuano a essere uno degli ensemble più creativi e imprevedibili tra quelli attivi nella scena musicale non solo italiana, ma mondiale. Il loro nuovo album che dopo alcuni decenni vede tornare insieme Patrizio Fariselli, Ares Tavolazzi e Paolo Tofani, accompagnati dal capace Walter Paoli - è un lavoro decisamente notevole. Ci sono brani classici del passato, riletti in chiave attuale. E ci sono lunghi, soddisfacenti momenti di improvvisazione, in solo o in duo, che testimoniano l'agilità mentale e la grande capacità di creare composizioni istantanee di questi straordinari musicisti evergreen. Chiunque abbia amato in passato o ami oggi la musica degli Area attribuisce al vostro lavoro due valori fondamentali: onestà intellettuale e coerenza. Cosa significa tornare a unire le forze dopo tanti anni e dopo tanti cambiamenti professionali o umani? Paolo Tofani - Significa che ci piace ancora suonare insieme. Patrizio Fariselli - Sì e ci sta facendo un bell'effetto. È un discorso in continua evoluzione. Noi non facciamo gli Area, noi siamo gli Area e continuerà a essere sempre così. Ognuno di noi ha portato o porta avanti svariati progetti. Tra un progetto e l'altro si creano degli spazi temporali in cui avvengono e si aggiungono altre cose, parallelamente al percorso intrapreso da un gruppo che, a fasi alterne, sparisce per poi ritornare. Mettere in piedi una band negli anni Settanta era molto diverso? Patrizio Fariselli - Era profondamente diverso. In quel periodo il vero gruppo musicale era un nucleo solido, granitico, quasi monolitico, all'interno del quale si operava una forma di controllo condiviso per convogliare nella stessa direzione le energie. Adesso è ancora così? No, adesso ci sono e agiscono altri meccanismi. Paolo Tofani - Lassativi, direi. Com'è stato costruito il vostro nuovo lavoro Area Live 2012? Patrizio Fariselli - Ci sono due diversi cd. Il primo contiene brani basati sull'improvvisazione in cui ognuno di noi a seconda dei momenti si esprime da solo oppure in coppia con un altro, creando delle empatie che nascono dal mettere in gioco le rispettive individualità. Il secondo disco contiene classici come Cometa rossa o La mela di Odessa, riarrangiati. Come funzionava l'interazione fra voi musicisti di ricerca, sempre con lo sguardo puntato all'orizzonte nel periodo di maggior creatività degli Area, cioè tra il 1973 e il 1978? Paolo Tofani - Aveva un metodo affascinante che si basava sul voler comunicare musicalmente gli elementi che facevano parte della realtà. Il suono doveva corrispondere al quadro sociale, politico, religioso ed economico dell'epoca. Ognuno di noi batteva sentieri diversi. Io, per esempio, me ne andavo in giro con un furgoncino Wolksvagen su cui avevo allestito una stazione audio che conteneva il mio Tcherepnin e interagivo costantemente con questa macchina, lavorando sulle sonorità che poi andavo a collegare al disegno diciamo così filosofico di questo o di quel pezzo. Dedicavate molto tempo alla ricerca dei suoni? Patrizio Fariselli - Sì. Ed è un tema molto più complicato di quanto sembri perché noi, come Area, abbiamo sempre avuto un credo: non privarci di nulla. Intendo dire che tutto, proprio tutto può concorrere ad alimentare ed arricchire la progettualità, seguendo due direttrici basilari: da una parte approfondire il rapporto con lo strumento da cui siamo partiti (il pianoforte per me, la chitarra per Paolo, il contrabbasso per Ares), arrivando ai capire quali sono i limiti espressivi dello strumento stesso. Dall'altra parte, superando questi limiti con il contributo degli altri musicisti in azione». 24

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