Fin dall antichità gli artisti hanno creato simboli, narrato vicende, manifestato idee e sentimenti utilizzando la rappresentazione del nudo, così

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1 Fin dall antichità gli artisti hanno creato simboli, narrato vicende, manifestato idee e sentimenti utilizzando la rappresentazione del nudo, così che il nudo ha assunto un ruolo emblematico nell arte occidentale anche se il passare del tempo ne ha modificato espressioni e significati. Il tema del nudo ha sempre esercitato un particolare fascino sugli artisti e sul pubblico e da sempre la rappresentazione della figura umana è, per eccellenza, l esercizio di maggior prestigio nell ambito dell arte figurativa. Benché strettamente connesso, nelle sue origini e nelle sue evoluzioni, alla pittura di storia, evidentemente più profana che religiosa, il nudo è comunque sopravvissuto al pressoché totale abbandono dell arte di ispirazione storico-letteraria da parte delle avanguardie della seconda metà dell ottocento, diventando anzi, accanto ai generi del paesaggio e della natura morta, uno dei principali campi della sperimentazione formale. Soggetto fra i più problematici e stimolanti dell intera tradizione artistica, il nudo non ha perso il suo fascino neppure nel periodo in cui l arte ha iniziato, con le avanguardie di inizio Novecento, a istradarsi su percorsi decisamente alternativi alla mimesis, mostrando una versatilità inattesa e un potere di suggestione inalterato perfino nei momenti di maggiore conflitto con qualsiasi ipotesi tradizionale di figurazione, come accadde nel periodo dell informale. Se, infatti, il corpo nudo possiede da un lato un enorme potenziale di significati simbolici, esso rappresenta anche, in periodi di tramonto delle certezze religiose e di angosce esistenziali, l unico dato invariabile nell esperienza umana, il terreno primario della costituzione dell identità e il mezzo ineludibile di ogni relazione con il mondo. 1

2 Fin dall'invenzione della fotografia, nella prima metà dell' 800, il nudo costituiva, assieme al ritratto e al paesaggio, uno dei soggetti preferiti degli artisti. Il giovane mezzo visivo talvolta sostituiva addirittura la pittura realistica dell'epoca, talvolta era utilizzato come progetto per il dipinto, soprattutto però serviva nell' 800 in maniera funzionale per le accademie, come ausilio alla pittura, i cui temi erano iconograficamente ripresi nella fotografia. Con numerosi pretesti, come la danza, lo sport, l'esotismo e le scienze, il nudo fotografico, nato con un intento erotico, diventava pubblico e veniva introdotto in società. Soltanto dal periodo della Foto-Secessione, con le sue immagini impressioniste che ricordano l'arte grafica di un'epoca passata, il nudo fotografico diventa artistico. Lo sviluppo storico-stilistico del nudo nella fotografia nella prima metà del 900, corre parallelamente all'evolversi dei vari movimenti creativi negli altri mezzi artistici: pittura, scultura e disegno. Il dadaismo, il surrealismo, il futurismo, il costruttivismo, ma soprattutto la Nuova Oggettività, trovano nella fotografia un loro mezzo d'espressione congeniale e contemporaneo alla pittura. L opera di alcuni artisti come Man Ray o Laszlo Moholy- Nagy, che utilizzano diversi mezzi espressivi fra cui la fotografia, testimoniano l'autonomia artistica di questo mezzo diventata decisiva nel XX secolo. Il nudo diventa nel corso del 900 un tema centrale grazie al quale gli artisti riescono ad esprimere la diversità nella visione della vita, negli ideali oscillanti dei canoni di bellezza e nelle varie aspettative dell immaginario erotico. In questo contesto anche la fotografia glamour gioca un ruolo importante, dando origine ad una tradizione che, anche se con diversa funzionalità, diventa quantomai rilevante per la fotografia contemporanea. Dopo la forte cesura provocata della seconda guerra mondiale, il nudo retrocede nella fotografia soggettiva in un periodo di conservatorismo e ritrosia. Soltanto grazie a quel movimento di apertura che nasce nel 68 e che combatte per la liberazione dalle norme e dai tabù, si manifesta una nuova e rafforzata coscienza del corpo umano. 2

3 A partire dalla seconda metà del 900, all utilizzo sempre più forte del nudo nella strategia di mercato, nella pubblicità e nell'ambito della vita pubblica in generale, gli artisti che lavorano con il mezzo fotografico contrappongono posizioni concettuali. I fotografi cercano, sempre più intensamente, di trovare nuove strategie: dalla ricerca e creazione dell immagine stessa, all'ingrandimento che ricorda la pittura, alla combinazione di immagine e testo, strategie queste che conducono ad un intreccio sempre più forte e indissolubile della fotografia con la pittura e viceversa. Voglio dunque dopo questa premessa, porre la mia attenzione su alcuni fotografi protagonisti dell arte del primo novecento: Bill Brandt, Herbert List, Andrè Kertesz, Man Ray. Picasso diceva: L arte non è mai casta Riporto qui opere dove l'erotismo è una tenue allusione, altre dove si rivela più esplicito. Voglio analizzare la fascinazione esercitata sull'arte dall'eros, considerato come il principio universale del mondo, legato alla vita e alla morte, in ogni specifica personalità di questi artisti che superano con le loro opere, il semplice erotismo. Uniti dagli ideali non solo politici del Surrealismo, questi artisti conserveranno sempre una totale libertà d espressione. La fotografia ha, in questo momento storico, lo scopo di una lotta contro il capitalismo fondato sulle sperequazioni di classe, e contro i condizionamenti repressivi della borghesia, tipica del pensiero surrealista. La protesta non è però portata sempre avanti con modalità plateali e manifestamente provocatorie, è bensì spesso sottile e pervasiva, nell apparente innocenza degli accostamenti delle immagini come accade in Bill Brandt (Amburgo-1904/ Londra-1983) e nei suoi nudi, espressione di un nuovo modo di vedere. Sembra persa ogni possibilità di esistere, annientata sotto miraggi di cumuli di carbone. Sono anni di crisi profonda e la guerra è sempre più imminente. Guerra devastante, guerra che prevede anche la distruzione di obiettivi civili. E Londra è bombardata. Apprezzato per la sua attività di reporter, impegnato allo scoppio della seconda Guerra Mondiale, per conto del Ministero dell informazione britannico, egli documenta la condizione dei londinesi durante il blackout ed all interno dei rifugi approntati per far fronte ai raid aerei tedeschi. Ma di queste devastazioni Brandt fotografa solo i silenzi e i chiari di luna, una popolazione nascosta e unita nella notte, che aspetta la pace. Ancora una volta si tratta di immagini evocative, non descrittive: Brandt non racconta la guerra, la evoca. 3

4 Poi il conflitto finisce e Brandt, come molti altri artisti di quel periodo, si allontana da quella società che in fin dei conti la guerra ha creato. Si auspica un ritorno a condizioni originarie, alla natura, all uomo, alla terra a luoghi e a tempi in cui la civiltà foriera di conflitti bellici ancora non era stata creata. Ne derivano le immagini di sapore neoromantico delle campagne inglesi, i luoghi delle sorelle Brönte, di Jane Austen, Thomas Hardy. Il paesaggio diventa espressione di sentimenti interiori. Le condizioni atmosferiche, come in epoca romantica, si fanno espressioni dell anima. La fotografia è in lui risultato ottico-meccanico della concezione spaziale prospettica occidentale. La prospettiva non solo è la componente fondamentale della fotografia, ma è irrimediabilmente data insieme alla fotografia. Non è un caso che Bill Brandt titoli la sua prima raccolta di nudi (1961) Perspective of Nudes, perché proprio la prospettiva è il soggetto sotteso a ogni fotogramma. Usando obiettivi grandangolari molto spinti Brandt ritrae donne inquietanti, dai volti assenti e dai corpi allungati,esasperati. Donne mute, distanti sono rinchiuse in stanze opprimenti estremamente eloquenti che raccontano gli incubi e le paure del fotografo. Ricordano la stanza di Alice nel paese delle meraviglie ma nello stesso tempo evocano in maniera sottile il terrore e l orrore di Bacon. Sono palcoscenici dell inconscio in cui Brandt mette in scena se stesso, dove paura ed erotismo si confondono e Balthus lascia il posto a Hitchcock. La guerra aveva precluso molti orizzonti, distrutto molti ideali; aveva isolato non solo le istituzioni culturali, ma anche la nazione coi suoi abitanti. Ecco dunque le stanze chiuse, emblema di un isolamento generalizzato. Non è forse un caso che con l allontanarsi dello spettro della guerra, negli anni Cinquanta, inizino a profilarsi nuovi orizzonti, questa volta aperti, infiniti e illuminati da raggi di sole e di speranza che nelle stanze non erano mai penetrati. Si hanno i celebri nudi in esterno in cui frammenti di corpi femminili si confondono nel paesaggio, diventando tutt uno con esso. La macchina fotografica inquadra sezioni di corpo trasformandole, rendendole altro. Si creano nuovi paesaggi, paesaggi surreali, ibridi. Il surrealismo brandtiano qui si fa dichiarato, esplicito. La fotografia di nudo coinvolgerà Brandt incessantemente per quindici anni, fotografando questi interni con una Kodak ad obiettivo grandangolare ed apertura piccola, l artista reinventerà il nudo. È probabile che questa passione sia nata parallelamente al suo interesse per il cinematografo ed il fascino esercitato su di lui dal cinema surrealista. Sulla sua immaginazione agì profondamente una particolare esperienza cinematografica: quella di Quarto potere di Orson Welles. I sinistri ed avvolgenti interni, dove pareti, pavimenti, e soffitti si allontanavano via via dallo spettatore, spinsero Brand nella sua sperimentazione circa la fotografia d interni. 4

5 Più tardi per i suoi esperimenti di nudo Brandt si servì delle spiagge dell Inghilterra meridionale e della Francia del nord. Per raggiungere effetti simili, apprese anche ad usare una Hasselblad con relativo bagaglio di obiettivi. Per queste fotografie sarebbe preferibile evitare il termine distorsione, più adatti ai nudi realizzati da Andrè Kertesz con specchi deformanti. 5

6 Negli ultimi anni di vita, affetto da lungo tempo da diabete, la sua salute è fragile. A causa di un glaucoma, la vista continua a peggiorare rendendogli sempre più difficile quel controllo delle proprie stampe, cui tiene da sempre ad occuparsi personalmente. Bill Brandt muore a Londra nel Dicembre del 1983, dopo una breve malattia, lasciando Noya, ultima delle tre mogli, dalle quali non ha avuto figli. Le sue ceneri vengono sparse a Holland Park, dove amava recarsi a passeggiare ogni giorno. L a fotografia non ha regole. N on è uno sport è il risultato che conta, non com e lo si è ottenuto. Bill Brandt 6

7 Contemporaneo di Brandt fu il fotografo tedesco Herbert List(1903-Amburgo/1975- Monaco di Baviera). Nonostante influenzato da artisti Surrealisti come de Chirico, Magrittè e Man Ray, è sicuramente uno dei fotografi più interessanti del Novecento, pur non avendo mai goduto della fama, anche critica, che avrebbe meritato. Probabilmente, ciò sarà stato determinato dal personaggio stesso nonché dal suo particolare approccio all arte delle immagini. Dotato di un intenso talento visivo, uomo colto ed amico di intellettuali, individuo sensibile, List ha sempre volontariamente mantenuto un profilo basso nell ambito dei movimenti europei. La sua sofisticata natura di "dilettante" dello scatto, l ha preservato da prevedibili involuzioni creative e commerciali. Il suo rigore era notevole. Mantenne per alcuni anni la professione di commerciante di caffè, nascose gelosamente nel suo archivio innumerevoli scatti di enorme importanza e decise ad un certo punto della sua vita di abbandonare la fotografia per dedicarsi esclusivamente all attività di collezionista di disegni di autori italiani. Lo sguardo di Herbert List era tutto concentrato su un idea dell immagine che si potrebbe definire pulita ed equilibrata, ma positivamente caricata di valenze simboliche. Uomo di cultura, appassionato della mitologia greca, intraprese un viaggio in Grecia cui testimonianza sono le fotografie confluite nel volume Luce sulla Grecia. Apparecchio fotografico utilizzato fu una Reflex che gli servì per cogliere nell immagine la magia dell apparizione, pur riuscendo a non entrare mai in polemica con le problematiche sociali del suo tempo. 7

8 Il periodo "erotico" presenta invece una particolare attenzione nei confronti della raffigurazione del corpo maschile. Non c è però una ricerca iconografica legata alla sfera del desiderio sessuale quanto piuttosto l esigenza di riportare la bellezza fisica alla sua dimensione formale e alla sua naturale semplicità. 8

9 Non ci sono dunque nudi integrali (a parte uno effettuato su richiesta di Jean Cocteau) ma solo fotografie in cui corpi e volti sono abilmente ritratti secondo un impostazione estetica riconducibile alla coordinate del mondo classico. Dai suoi numerosi viaggi nacquero altri libri come Caribia, frutto delle riprese fotografiche affascinanti effettuate ai Carabi, e Nigeria in cui rappresenta il fascino esercitato dalle maschere e dal loro significato magico. Fotografo del colore, List rappresenterà il suo lavoro migliore, in questo senso, attraverso la visita da lui compiuta alla Casa Verdi, casa di riposo per anziani artisti del mondo della lirica: da qui scaturirono foto di pregnante intensità, nelle quali egli potè combinare, in maniera ideale, quel fascino derivante del fenomeno della vecchiaia e della solitudine, con rispetto della personalità artistica. Dopo il 1963 Herbert List quasi non toccò più la macchina fotografica per dedicarsi allo studio delle conoscenze storico artistiche, attraverso le visite ad importanti musei e collezioni. Il collezionismo divenne per lui una grande passione, proprio come lo era stata la fotografia. L oggetto non è oggettivo. Sarebbe altrim enti inutilizzabile com e m ezzo artistico. Herbert List 9

10 Andrè Kertész(1894-Budapest/1985-New York) in ungherese significa "giardiniere" e come un giardiniere l'artista coltivava la sua passione per la fotografia, fin dai primi scatti del 1912, con riserbo, pudore, discrezione. Sebbene non sia molto conosciuto al grande pubblico è probabilmente il più influente, il più geniale, il più estroverso e fantasioso dei fotografi di questo periodo. L'approccio alla fotografia di Kertesz nasce in maniera casuale. Ancora adolescente trova in un cassetto una rivista di fotografia. Se ne innamora e decide che lui diventerà un grande fotografo. E così fu. Rispecchiò sempre nel suo lavoro quel realismo ungherese che lo legava a prediligere la rappresentazione della vita, quella popolare della sua patria o delle grandi capitali, discreta e profonda, dando massimo risalto ai valori umani. Rappresenta uno dei massimi interpreti della realtà del suo tempo, reporter per le più importanti testate internazionali, ma anche maestro per molti fotografi, come Henri Cartier-Bresson, che da lui hanno imparato ad usare il mezzo fotografico in modo naturale, rigoroso, privilegiando il racconto a scapito degli effetti speciali. Sapiente in lui l'inquadratura, meditata, studiata, preferendo negli spaccati di città, una visione dall'alto che gli permetteva di creare il giusto campo in cui contrapporre alle geometrie delle architetture la presenza dell'uomo, in una ricerca malinconica e intima di poesia nella vita di tutti i giorni." Trasferitosi a Parigi a causa della depressione postbellica dell Ungheria, l artista realizzerà una serie di distorsioni ed altre fotografie d ispirazione surrealista, pur sempre radicate nella quotidianità. 10

11 I suoi nudi sono ottenuti da un osservazione sensibile e raffinata, rispecchiano nient altro che figure estremamente deformate come per effetto di particolari specchi, tipicamente diffusi nelle fiere o nei baracconi dei divertimenti. Nel 1936 si trasferisce negli Stati Uniti e vi rimane fino alla morte, avvenuta nel Il periodo americano si caratterizza per assidue collaborazioni con grandi istituzioni quali Keystone, Vogue e Conde Nast. André Kertesz è un artista eclettico, ha fotografato di tutto: still life, ritratti, nudi, moda, reportages di strada ma soprattutto la gioia e la malinconia dell infanzia. L'elemento che comunque accomuna tutte le sue opere è la capacità di cogliere sempre il dettaglio dell'immagine, senza pretese e sempre con estrema naturalezza. Qui però la sua sensibilità europea si scontra con quella americana, rappresentata in questo momento storico dal giornale Life che non comprendeva una fotografia priva di filtri e che non avesse bisogno di didascalie e commento quale quella dell artista ungherese. Soltanto negli anni 60 il talento di Kertesz venne riconosciuto pienamente in America. Egli rimase anche in tempi molto difficili, ancorato a scelte artistiche personali, senza tradire se stesso e la sua arte, nell affannosa e inutile ricerca di una riconoscenza più vasta. A gli inizi fotografavo tutto quello che c m i capitava davanti agli occhi, quello che m i piaceva e anche tutto il resto, esattam ente com e faccio oggi. Andrè Kertesz 11

12 A New York, dove viveva, con il suo stretto amico Marcel Duchamp formò il ramo americano del movimento Dada che era iniziato in Europa come un rifiuto radicale dell'arte tradizionale. Dopo alcuni tentativi senza successo e soprattutto dopo la pubblicazione di un unico numero di New York Dada nel 1920, Man Ray (1890/1974) affermò che "il Dada non può vivere a New York" e nel 1921 andò a vivere e lavorare nel quartiere di Montparnasse a Parigi nell'era della grande creatività. Nei venti anni successivi a Montparnasse, Man Ray rivoluzionò l'arte fotografica. Insieme alla fotografa surrealista Lee Miller che fu la sua amante e assistente fotografica all'epoca inventò la tecnica fotografica della solarizzazione. Un'altra tecnica fotografica utilizzata dall'artista è stata quella dei rayograph, ottenuti poggiando oggetti direttamente sulla carta fotografica, procedimento apparentemente semplice, ma che seppe usare per immagini altamente suggestive.man Ray scoprì per caso le rayografie nel Mentre sviluppava alcune fotografie in camera oscura, un foglio di carta vergine, accidentalmente, finì in mezzo agli altri e dato che continuava a non comparirvi nulla, poggiò, piuttosto irritato, una serie di oggetti di vetro sul foglio ancora a mollo e accese la luce. L'artista ottenne così delle immagini deformate, quasi in rilievo sul fondo nero. 12

13 Attraverso i suoi rayogrammi, termine costruito sul suo cognome, ma che contemporaneamente evoca il disegno luminoso, poteva sondare ed esaltare il carattere paradossale e inquietante del quotidiano.man Ray ne rivendica la paternità di "scoperta casuale", ma la stessa tecnica è impiegata in quegli anni da Laszló Moholy-Nagy che, membro della Bauhaus, indaga le implicazioni gestaltiche di tali figurazioni. Egli ritiene la fotografia una liberazione dalla "fatica di riprodurre le proporzioni e l'anatomia dei soggetti", che gli permette d'indagare con la pittura nell'immaginazione e nell'inconscio. E afferma: "Io fotografo ciò che non voglio dipingere e dipingo ciò che non posso fotografare". Non lo interessa, dunque, per niente la competizione fra pittura e fotografia, che considera due campi totalmente distinti ed in certo qual modo complementari per la sua espressione. Continuerà, anzi, sempre ad operare in entrambi. La sua opera dimostra che l espressività è slegata dalla corretta tecnica, il suo amore per il proibito e per la contraddizione lo portano, infatti, ad infrangere ogni norma della fotografia, rendendo più difficile la decodifica del messaggio. Man Ray articola il suo discorso fotografico sulle figure retoriche dell omissione, quali la litote, la preterizione e la reticenza. Una figura visiva di litote è l assenza degli oggetti nel rayograph, una preterizione la velatura dell immagine con la sovrapposizione dei retini, una reticenza la solarizzazione (inversione dei toni). Mette in crisi il realismo fotografico avvalendosi di alcuni accorgimenti come l occultamento, la sostituzione, la condensazione e lo spostamento. Riprendendo le spalle della sua amante Kiki, realizza una metafora visiva, nel momento in cui, con l aggiunta di due chiavi di violino in fase di stampa, paragonerà il corpo della sua donna ad una cassarmonica di violoncello. Effetto di straniamento sarà inoltre provocato da particolari esperimenti fotografici che Man Ray attuerà, giustapponendo oggetti contrastanti, senza alcun rapporto tra loro. 13

14 Io fotografo ciò che non voglio dipingere e dipingo ciò che non posso fotografare". Man Ray 14