ARTE e IMMAGINE docente: arch. Michele Panza

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1 ISTITUTO COMPRENSIVO C. GENNARI Piazza Europa - Maratea (PZ) Dirigente: avv. Francesco Garramone Scuola Secondaria di I Grado a.s. 2008/2009 ARTE e IMMAGINE docente: arch. Michele Panza Testi e Immagini collazionati e rielaborati a cura del docente con la collaborazione degli allievi delle classi IIIA - III B - III C

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3 SCHEDE DI STORIA DELL ARTE Dal NEOCLASSICISMO alla POP ART

4 IL NEOCLASSICISMO Il Neoclassicismo è un movimento culturale che si sviluppa in Europa tra la metá del 1700 e i primi decenni del 1800 con lo scopo di riproporre la civiltá classica greca e romana, anche a seguito della scoperta di Ercolano e di Pompei,dove vennero trovate molte copie romane di opere greche. Per il Winckelmann, massimo teorico del Neoclassicismo, i Greci avevano raggiunto la perfezione nell arte e le loro opere sono insuperabili e da imitare. L imitazione degli antichi è preferibile a quella della natura, perché le opere classiche possiedono una perfezione e un armonia introvabili nella realtá. Gli artisti neoclassici abbandonano cosí l irrazionalitá, l illusionismo, l esuberanza fantastica del Barocco e del Rococó per forme semplici chiare e pure. In architettura vengono adottati gli ordini classici. Con la costruzione di Templi, colonne onorarie e archi di trionfo, le cittá ricercano lo splendore e la potenza dell impero romano e si trasformano in cittá antiche. I soggetti dell arte neoclassica si ispirano alla storia e al mito greco-romano, i cui valori vengono fatti propri anche da Napoleone. L artista neoclassico, in questa continua ricerca della perfezione, tende ad idealizzare e divinizzare i personaggi delle proprie opere, sia nelle doti fisiche che morali. ANTONIO CANOVA Antonio Canova (Possagno, Treviso, 1757 Venezia 1822), figlio di uno scalpellino, si formó a Venezia, prima nella bottega dello scultor G. Bernardi, poi frequentando la scuola del nudo dell Accademia. Canova nelle sue sculture e nei suoi disegni seguí i principi del Winckelmann ed era in continua ricerca della bellezza ideale. Ma questa in natura non si puó trovare, pertanto capí che solo attraverso la conoscenza dell arte classica ed una grande padronanza della materia scultorea poteva arrivarci. Opere come Amore e Psiche, che oggi si trova al Louvre, e Le Tre Grazie sono l esempio del grado di perfezione raggiunto dal Canova. L epoca napoleonica segnó il culmine della fama internazionale di Canova: appartengono a questo periodo la grande statua del Bonaparte in nuditá eroica, come Marte pacificatore, e quella celebre della sorella dell imperatore, Paolina, andata in moglie, in seconde nozze, al principe romano Borghese. Canova la scolpí, come Venere vincitrice, distesa su cuscini col busto semieretto e nudo, con in mano il pomo della vittoria offertole da Paride in quanto dea piú bella. La scultura fece scandalo per le sue nuditá, tanto da indurre la stessa Paolina a scrivere al marito chiedendogli di non far accedere visitatori nella sala di palazzo Borghese dove era ed è ancora oggi collocata.

5 Antonio Canova, Venere Vincitrice, , marmo. Roma, Galleria Borghese.

6 IL ROMANTICISMO Il Romanticismo è un movimento filosofico, letterario e artistico che, sviluppatosi in Germania negli ultimi decenni del Settecento, si diffuse in Europa nella prima metá dell Ottocento fino alla comparsa del Realismo. Il Romanticismo è una reazione all Illuminismo e al Neoclassicismo: alla razionalitá e al culto della bellezza classica si contrappongono la spiritualitá, l emotivitá, la fantasia, l immaginazione e soprattutto l affermazione dei caratteri individuali d ogni artista. Si guarda con interesse al Medioevo, epoca istintiva e passionale. Il Romanticismo sostituisce alla freddezza della classicitá e alla ragione degli illuminista la rivalutazione di figure tradizionali come la patria, la famiglia e l amore considerate mezzo tramite cui trasmettere i propri sentimenti. Mentre gli artisti neoclassici ponevano la ragione al centro della riflessione, i romantici vedevano nella natura l interesse piú forte; ritenevano infatti che fosse grandiosa e potente, in quanto simbolo di infinito su cui riflettere le proprie emozioni. L artista romantico è un ribelle che rifiuta le regole della societá in cui vive e che trae ispirazione solo dal proprio io. Egli partecipa con la sua arte, spesso anche in prima persona, alla lotta per la libertá. L artista è ormai un libero professionista che lavora anche per un pubblico borghese, culturalmente vario e di gusto raffinato. EUGÈNE DELACROIX Eugène Delacroix (Chareton-Saint-Maurice, Parigi, 1798 Parigi 1863), di origine altoborghese, compí la sua formazione artistica nello studio del neoclassico P. Guérin. Romantico, nella sua arte esprime malinconia, esotismo, impetuositá creativa, desiderio di cambiamento e avversione per l accademismo. I suoi modelli furono Michelangelo e Rubens. Un soggiorno in Marocco, nel 1832, da un lato appagó il suo desiderio di esotismo, dall altro gli fece scoprire la luminositá dei cieli africani e i colori accesi e da qui riportó in patria un gran numero di bozzetti e impressioni a cui attinse per tutta la vita. Il suo dipinto La libertá che guida il popolo è il primo quadro politico della pittura moderna e si riferisce ai moti rivoluzionari parigini del 1830 ai quali partecipó in prima persona. Il vertice della composizione è la donna con la bandiera francese e il fucile, rappresentazione allegorica della libertá: è una figura irreale che sprona i rivoluzionari senza poter essere vista da loro. Il quadro esalta l alleanza fra intellettuali e operai idealmente uniti contro la monarchia: il borghese con giacca, cilindro e fucile è Delacroix. La massa dei rivoltosi sfuma in lontananza dove si intravedono le due torri della cattedrale di Notre-Dame a Parigi. Nel ragazzo con le pistole Delacroix anticipa l indimenticabile Gavroche, personaggio del romanzo I Miserabili di Victor Hugo, amico dell artista.

7 Eugène Delacroix, La libertá che guida il popolo, 1830, olio su tela, 260x325 cm. Parigi, Museo del Louvre.

8 IL REALISMO Il Realismo è una corrente letteraria e artistica che si forma in Francia nella prima metá dell Ottocento per poi diffondersi in Europa. I Realisti abbandonano i soggetti storici e letterari cari ai Romantici per guardare alla realtá. L artista realista dipinge la sua epoca senza alcuna idealizzazione. Anche i contadini, gli operai, i proletari sono considerati degni d attenzione. Le opere realiste tentano di cogliere la realtá sociale in un epoca di profonde trasformazioni e, in questo senso, sono una violenta denuncia dei sistemi politici e sociali del tempo. All Esposizione Universale di Parigi del 1855 alcuni quadri di Courbet vennero rifiutati perché giudicati scandalosi e rozzi dalla cultura ufficiale, accademica e neoclassica. Courbet allora faece costruire, a sue spese, nelle vicinanze del padiglione dell Esposizione, un baraccone di legno, che chiamó Pavillon du réalism, nel quale espose 40 dipinti. Fece poi stampare un catalogo in cui si definí pittore realista. Fu l atto ufficiale che sancí la nascita del Realismo. Secondo la cultura ufficiale l arte si doveva interessare solo a soggetti cosidetti importanti, storici, religiosi o mitologici. Courbet sosteneva, invece, che un opera puó essere importante, quindi d arte, anche se il soggetto non è importante : questa idea rivoluzionaria sará madre di tutta l arte moderna e contemporanea. GUSTAVE COURBET Gustave Courbet (Ornans 1819 La Tour-de- Peilz, Vevey, 1877), figlio di ricchi contadini, si trasferí a Parigi nel 1840 per dedicarsi alla pittura. Arrestato e condannato, per motivi politici, a sei mesi nel 1873, riparó in Svizzera vicino a Vevey. Momento centrale della formazione pittorica di Courbet fu l attenta osservazione dei capolavori della pittura fiamminga, veneziana e olandese che egli copió al museo del Louvre. Alle prime opere, d ispirazione romantica, seguí un perido in cui diversi fattori, fra cui l amicizia con Baudelaire e l influenza del filosofo anarchico Proudhon, portarono Courbet alla maturazione di quello stile che lui stesso definirá Realismo. Nel dipinto Funerale a Ornans il soggetto è un episodio quotidiano, insignificante: il funerale di un contadino in un piccolo paese di campagna. Le persone sono reali: Courbet si serve di familiari, amici, abitanti del luogo. Le figure sono a grandezza naturale. La realtá è rappresentata senza interpretazioni personali: i personaggi indossano abiti del tempo e hanno visi scavati, rugosi, privi di ogni abbellimento. Per questo motivo Courbet venne accusato di cattivo gusto e di volgaritá. Fece scandalo anche la grandezza del dipinto: queste dimensioni erano usate solo per composizioni importanti, storiche, religiose o mitologiche.

9 Gustave Courbet, Funerale a Ornans, , olio su tela. Parigi, Museo d Orsay.

10 I MACCHIAIOLI I Macchiaioli sono un gruppo di artisti italiani che si riunivano, fra il 1855 e il 1867, al Caffè Michelangelo di Firenze e che propugnarono una pittura antiaccademica atta a riprodurre l impressione del vero. Fattori, Lega e Signorini, i principali esponenti del gruppo, erano repubblicani e anarchici; parteciparono anche alle guerre d indipendenza. Gli artisti lavoravano in piccoli gruppi e fecero propri gli obbiettivi del Realismo. Il nome fu usato in senso dispregiativo nel 1862 dal critico della Gazzetta del Popolo, che intendeva sottolinere il loro antiaccademico rifiuto del disegno e della forma a favore dell effetto: macchia è appunto quello stadio della pittura tradizionale in cui il pittore mette sulla tela, in un sommario abbozzo e senza cura dei contorni, una serie di macchie di colore al fine di studiare l effetto dei toni. Signorini accolse il termine in una accezione positva, e Macchiaioli divenne definizione del gruppo. In realtá i Macchiaioli abolirono il tradizionale chiaroscuro e dipinsero per accostamenti di coloreombra e colore-luce: ottennero cosí effetti di grande luminositá e di suggestiva resa atmosferica. Alla prima impressione le forme appaiono come macchie di colore, usate per sintetizzare la natura lavorando in modo rapido e immediato. GIOVANNI FATTORI Giovanni Fattori (Livorno 1825 Firenze 1908), figlio di un artigiano, studió a Livorno con il modesto pittore Bandini e a Firenze, dal 1846, con G. Bezzuoli. In seguito, frequentando il Caffè Michelangelo, si uní ai Macchiaioli dei quali divenne il rappresentante piú autorevole. Dopo un primo periodo in cui produsse opere con soggetti storici e caratterizzate dal chiaroscuro romantico, gradatamente, venne sempre piú costruendo i propri quadri per zone cromatiche di un peso quasi astratto, con contrasti a macchia di colore-luce di grande nettezza. Talvolta sfruttó anche le qualitá del supporto, tavola o cartone, per creare effetti suggestivi. Temi ricorrenti e costanti in tutta l opera di Fattori sono i paesaggi, la gente della Maremma e la vita militare. Nel dipinto In vedetta la composizione è essenziale: un muro in prospettiva colpito dalla luce del sole, il cielo, la strada percorsa da tre soldati in avanscoperta. Lo spazio assolato è contrastato dalle macchie scure delle uniformi, del cavallo e delle ombre che si profilano sul terreno e sul muro. La luce è quella di una afosa mattina d estate.

11 Giovanni Fattori, In vedetta, 1872, olio su tela, 37x56 cm. Valdagno (BI), collezione privata.

12 L IMPRESSIONISMO La data ufficiale della nascita dell Impressionismo é il 5 aprile 1874 quando alcuni pittori, fra cui Monet, Renoir, Sisley, Degas, espongono le loro opere nella galleria del fotografo Nadar. In realtá giá da una decina d anni essi dipingevano paesaggi en plein air (all aria aperta) lungo le rive della Senna. Il termine Impressionismo fu usato per la prima volta dal critico francese Leroy, proprio a questa esposizione, per il quadro di Monet intitolato Impression: soleil levant e poi esteso a tutto il movimento. Con tale denominazione negativa Leroy credeva di evidenziare i difetti dell opera: il disordine compositivo, la velocitá di esecuzione, la scomposizione del colore. Interesse principale degli Impressionisti é lo studio dei colori e della luce, la cui azione modifica continuamente l aspetto delle cose e della natura. Per rendere questo fenomeno, il colore é steso sulla tela in una serie di macchie e di tocchi che, osservati da una certa distanza, suggeriscono il movimento e la vibrazione dell atmosfera, in un mosaico di luci e di riflessi cromatici. Il disegno e il nero vengono aboliti: i colori, puri e luminosissimi, sono i protagonisti dei dipinti. Anche le ombre si colorano. Le neve non é solo bianca, ma anche azzurra per i riflessi del cielo; l erba non é solo verde, ma gialla per il sole, azzurra per il cielo e cosí via all infinito. I soggetti preferiti degli Impressionisti sono paesaggi, scene di vita contemporanea, ritratti, nature morte. CLAUDE MONET Claude Monet (Parigi 1840 Giverny 1926), trascorse l adolescenza a Le Havre dove comnció a disegnare caricature. Nel 1859 si recó a Parigi dove frequentó l Académie Suisse. Dopo il servizio militare in Algeria tornó a Le Havre e poi di nuovo a Parigi. Fu affascinato dalla pittura en plain air, secondo la tradizione olandese, e dalle teorie di Courbet. Nei paesaggi dal vero, dipinti verso il 1868 sulle rive della Senna, lo studio dei riflessi della luce sull acqua rappresentano le prime realizzazioni impressioniste. Le leggi dei colori complementari e della luce-colore vennero approfondite da Monet attraverso le infinite variazioni su uno stesso soggetto. Monet sebbe un profondo interesse per la fotografia (inventata nel 1826 dal francese Nièpce), in quanto si riallacciava alla sua problematica personale: lo studio di ció che impressiona la retina dell occhio. L opera Impression: soleil levant è il dipinto che ha dato il nome al movimento dell Impressionismo. Si tratta di un impressione fugace dell alba nel porto di Le Havre: è un colpo d occhio, la registrazione immediata di una sensazione. Il sole si riflette nell acqua, scomposta in tocchi di colore, la cittá e i velieri si confondono nell atmosfera.

13 Claude Monet, Impression: soleil levant, 1872, olio su tela, 48x63 cm. Parigi, Museo Marmottan.

14 IL POSTIMPRESSIONISMO Il termine Postimpressionismo fu introdotto nel 1910 dal critico inglese R. Fry con la mostra Manet e i post-impressionisti, organizzata alla Grafton Gallery di Londra. Intorno al 1880, infatti, l Impressionismo era entrato in crisi. Fu giudicato troppo parziale perché rivolto esclusivamente alla raffigurazione della natura. Gli stessi artisti, degli ultimi decenni dell Ottocento, che avevano avuto un inizio o una fase impressionista, ebbero in comune la volontá di andare, con la loro pittura, oltre il mondo delle apparenze esteriori e del mutamento delle luci e dei colori che avevano avuto tanta importanza per gli Impressionisti e sentirono il bisogno di esprimere sentimenti e comunicare idee. Al naturalismo impressionista, legato alle apparenze delle cose, si contrapponevano, con diverse motivazioni e intenzioni, la semplificata soliditá architettonica delle geometrie di P. Cézanne, la ricerca sintetista di P. Gauguin sull efficacia psicologico-visiva delle forme astratte e del colore, la pittura visionaria di V. Van Gogh attenta ai significati emozionali riposti nelle cose. Questa innovativa ricerca artistica di Cézanne, Gauguin e Van Gogh porterá rispettivamente al Cubismo, al Fauvismo e all Espressionismo. PAUL CÉZANNE Paul Cézanne (Aix-en-Provence ), figlio di un banchiere, dopo gli studi di diritto, nel 1861 si recó a Parigi dove, al Louvre, studió i pittori barocchi. Tornato al paese natio si impiegó nella banca paterna fino al 1862, quandó ripartí per Parigi dove vide il Salon de Refusés. Nel 1864 ritornó ad Aix e, da lí, cominció a mandare ai Salons quadri che furono sempre rifiutati. Su invito di Pissarro, nel 1874 partecipó alla prima mostra ufficiale dei pittori impressionisti ai quali, in seguito, rimproveró di considerare la pittura una semplice imitazione della realtá. Per Cézanne ogni forma naturale ha una sostanza geometrica: é necessario rappresentare la natura per mezzo del cilindro, della sfera e del cono, il tutto messo in prospettiva. Egli semplifica le forme, ricostruisce mentalmente la realtá cercando, al di lá di quello che vediamo, la vera sostanza delle cose. Nel dipinto Mont Sainte-Victoire la scomposizione è totale: le forme sono sintetizzate in tasselli cromatici che compongono una sorta di mosaico. La profonditá è annullata, la distanza è suggerita dalla nebbia azzurra che avvolge la montagna triangolare. Ogni tocco colorato serve per costruire l immagine: Cézanne rinuncia alla vibrazione atmosferica, all immediatezza impressionista per costruire un opera studiata e controllata in ogni particolare.

15 Paul Cézanne, Mont Sainte-Victoire, , olio su tela, 63x83 cm. Zurigo, Kunsthaus.

16 IL POSTIMPRESSIONISMO Il termine Postimpressionismo fu introdotto nel 1910 dal critico inglese R. Fry con la mostra Manet e i post-impressionisti, organizzata alla Grafton Gallery di Londra. Intorno al 1880, infatti, l Impressionismo era entrato in crisi. Fu giudicato troppo parziale perché rivolto esclusivamente alla raffigurazione della natura. Gli stessi artisti, degli ultimi decenni dell Ottocento, che avevano avuto un inizio o una fase impressionista, ebbero in comune la volontá di andare, con la loro pittura, oltre il mondo delle apparenze esteriori e del mutamento delle luci e dei colori che avevano avuto tanta importanza per gli Impressionisti e sentirono il bisogno di esprimere sentimenti e comunicare idee. Al naturalismo impressionista, legato alle apparenze delle cose, si contrapponevano, con diverse motivazioni e intenzioni, la semplificata soliditá architettonica delle geometrie di P. Cézanne, la ricerca sintetista di P. Gauguin sull efficacia psicologico-visiva delle forme astratte e del colore, la pittura visionaria di V. Van Gogh attenta ai significati emozionali riposti nelle cose. Questa innovativa ricerca artistica di Cézanne, Gauguin e Van Gogh porterá rispettivamente al Cubismo, al Fauvismo e all Espressionismo. PAUL GAUGUIN Paul Gauguin (Parigi 1848 Isole Marchesi 1903), trascorse la prima infanzia in Perú. Tornato in Francia, frequentó le scuole e nel 1865 si arruoló in marina. Rientrato a Parigi, nel 1871 si impiegó presso un agente di cambio, ma, nello stesso tempo, inizió una fervida attivitá di pittore della domenica. Deluso dalla civiltá corrotta e materialistica, nel 1883 abbandonó il lavoro e la famiglia per fuggire in luoghi solitari e selvaggi (la Bretagana, la Polinesia) alla ricerca di un mondo incontaminato, puro, primitivo dove dipingere. Ma Gauguin non riuscí mai a indigenizzarsi completamente e la speranza di trovare un paradiso terrestre si riveló un sogno. Morí disilluso e sconfitto. Nel quadro Ia Orana Maria (Ave Maria) Gauguin trasferisce la storia cristiana della nascita di Gesú nei mari del Sud: Maria, il Bambino, gli adoranti sono polinesiani e la vegetazione rappresenta il Paradiso terrestre. I colori sono molto vivaci e stesi in grandi campiture accostate direttamente senza sfumature. La pittura risulta cosí piatta e bidimensionale; le figure sono semplificate e hanno contorni scuri. La luminositá è ottenuta mediante l accostamento dei complementari e i colori primari sono adoperati con libertá e fantasia poiché hanno un valore simbolico ed esprimono le passioni dell artista. Gauguin, infatti, diceva che lui dipingeva ció che sentiva e non ció che vedeva.

17 Paul Gauguin, Ia Orana Maria, 1891, olio su tela, 114x89 cm. New York, Metropolitan Museum of Art.

18 IL POSTIMPRESSIONISMO Il termine Postimpressionismo fu introdotto nel 1910 dal critico inglese R. Fry con la mostra Manet e i post-impressionisti, organizzata alla Grafton Gallery di Londra. Intorno al 1880, infatti, l Impressionismo era entrato in crisi. Fu giudicato troppo parziale perché rivolto esclusivamente alla raffigurazione della natura. Gli stessi artisti, degli ultimi decenni dell Ottocento, che avevano avuto un inizio o una fase impressionista, ebbero in comune la volontá di andare, con la loro pittura, oltre il mondo delle apparenze esteriori e del mutamento delle luci e dei colori che avevano avuto tanta importanza per gli Impressionisti e sentirono il bisogno di esprimere sentimenti e comunicare idee. Al naturalismo impressionista, legato alle apparenze delle cose, si contrapponevano, con diverse motivazioni e intenzioni, la semplificata soliditá architettonica delle geometrie di P. Cézanne, la ricerca sintetista di P. Gauguin sull efficacia psicologico-visiva delle forme astratte e del colore, la pittura visionaria di V. Van Gogh attenta ai significati emozionali riposti nelle cose. Questa innovativa ricerca artistica di Cézanne, Gauguin e Van Gogh porterá rispettivamente al Cubismo, al Fauvismo e all Espressionismo. VINCENT VAN GOGH Vincent Van Gogh (Groot Zundert 1853 Auvers-sur-Oise 1890), figlio primogenito di un pastore protestante, ebbe un esistenza infelice e tormentata. Tentó diversi lavori, divenne teologo e nel 1878 partí per le miniere del Borinage, in Belgio, come evangelizzatore. Fervente sostenitore dei minatori, venne allontanato e, dopo mesi vissuti in miseria, nel 1880 decise di dedicarsi alla pittura. Nel 1886 si trasferí a Parigi, ospite del fratello Theo, che lo aiutó economicamente per tutta la vita. Qui conobbe gli Impressionisti e schiarí la sua tavolozza. Nel 1888 andó ad Arles dove inizió una febbrile attivitá pittorica che lo portó a una pittura espressionistica, in cui le pennellate, grosse e violente, rivelano il suo male di vivere. Per autopunirsi a seguito di una lite con Gauguin, si taglió il lobo dell orecchio destro. Venne ricoverato in manicomio piú volte, finché non si tolse la vita con un colpo di pistola. Il dipinto Campo di grano con corvi fu realizzato da Van Gogh pochi giorni prima del suicidio. L ambiente viene rielaborato e stravolto dal suo tormentato stato d animo. La natura e il paesaggio risultano deformati dalle lunghe pennellate che creano moti ondulati sulla tela. Van Gogh crea due fasce di colore contrapposte: la massa della terra coltivata e quella del cielo. La tempesta sta per scoppiare, nel cielo si formano grandi vortici e uno stormo di corvi si solleva in volo. La presenza dei corvi indica un presagio di lutto.

19 Vincent Van Gogh, Campo di grano con corvi, 1890, olio su tela, 51x103 cm. Amsterdam, Museo Van Gogh.

20 IL PUNTINISMO Il Puntinismo é una corrente pittorica sorta intorno al 1885 e battezzata Neimpressionismo dal critico F. Fénéon nel Viene denominata anche Divisionismo. Il Puntinismo cerca di rendere l effetto della luce attraverso la scomposizione del colore, che non viene piú impastato sulla tavolozza, ma steso a piccoli punti o a sottili tratti. I Puntinisti usano i colori puri, quelli dell arcobaleno: per avere combinazioni cromatiche e toni intermedi uniscono, senza fonderli, i colori primari (ad esempio, l arancione é ricavato da punti rossi e gialli). In tal modo il colore, e quindi l immagine, si forma direttamente nella retina dell osservatore che, per cogliere pienamente l effetto, deve stare a una certa distanza dal quadro. Mediante l accostamento dei colori complemenatri (giallo e viola, rosso e verde, blu e arancione), che si accentuano l un l altro generando un forte effetto di vibrazione, i Puntinisti fanno brillare di luce l intera composizione. L inventore del Puntinismo è considerato G. Seurat, che lesse con estremo interesse le opere degli studiosi che analizzavano i fenomeni della luce e del colore come Chevreul e Maxwell. L altro grande esponente del Puntinismo è P. Signac. GEORGES SEURAT Georges Seurat (Parigi ), nato da un agiata famiglia borghese, poté dedicarsi completamente all attivitá artistica. Dopo una fase impressionista, inizió a dipingere in modi puntinisti nel Realizzó pochi ma elaboratissimi capolavori, preceduti da travagliati schizzi e disegni preparatori. Studió con grande cura tanto l uso del colore quanto la composizione, nella quale reintrodusse schemi classici. Alle scoperte impressioniste sul colore e sulla luce diede una base rigorosamente scientifica, eliminando ogni improvvisazione. Morí a soli trentadue anni, folgorato da una malattia incurabile. Il dipinto Una domenica pomeriggio all isola della Grande Jatte è il capolavoro di Seurat. Il soggetto è impressionista ma lo stile è differente. Le figure sono immobili e la scena è statica, priva del dinamismo impressionista. La composizione è rigorosa e studiata in ogni particolare: la donna con l ombrello rosso è l asse centrale che divide il dipinto in due parti uguali; la coppia con la scimmietta è impostata sulla sezione aurea della parte destra del quadro; la composizione è un incrocio di linee verticali e orizzontali alle quali Seurat aggiunge linee oblique che non alterano l effetto geometrico. Il colore é scomposto in una fitta trama di punti stesi con assoluta precisione scientifica. Seurat applica il contrasto dei complementari e dipinge con colori puri per ottenere l effetto di massima luminositá.

21 George Seurat, Una domenica pomeriggio all isola della Grande-Jatte, 1886, olio su tela, 205x308 cm. Chicago, Art Institute.

22 IL DIVISIONISMO Il Divisionismo é una tendenza artistica sorta in Italia nel corso dell ultimo decennio dell Ottocento e operante fino al 1915 circa. Il Divisionismo italiano si sviluppó indipendentemente dal gruppo francese dei Puntinisti e con lieve ritardo: le prime opere vennero esposte alla Triennale di Milano nel I Divisionisti italiani operarono una scomposizione del colore piú libera e sciolta, meno legata a regole scientifiche. Oltre a soggetti naturalistici, vennero trattati temi sociali, con Pellizza da Volpedo, e si accolsero elementi simbolisti, con Segantini e Previati. Secondo Previati i Divisionisti riproducono le addizioni di luce mediante una separazione metodicamente minuta delle tinte complementari. Essi associavano a un immagine naturalistica di paesaggio o di interni una componente sentimentale che si traduceva in una struttura filamentosa della pennellata, o materica, o chiaroscurale. Chi applicó con piú rigore il metodo divisionista fu Pellizza da Volpedo in una serie di dipinti e di impressioni che risulteranno importanti anche per la pittura prefuturista di G. Balla e U. Boccioni. GIUSEPPE PELLIZZA DA VOLPEDO Giuseppe Pellizza da Volpedo (Volpedo, Alessandria, ), figlio di contadini, si formó prima all Accademia di Brera, poi presso quella di Roma, di Firenze e di Bergamo. Terminati gli studi proseguí il suo tirocinio in molte scuole e nel 1892 tornó a Volpedo, dove si sposó. Questo tirocinio lo indirizzó verso il realismo con uno spiccato interesse per i temi sociali e contadini, ma è osservando le prime opere divisioniste di G. Segantini che si accostó alla pittura all aria aperta ed a questa nuova maniera di dipingere. Pellizza elaboró per molti anni, in successive versioni, il suo capolavoro Il Quarto Stato che, peró, non ebbe il riconoscimento sperato e fece cadere l artista in una forte depressione che, alla morte della moglie nel 1907, lo portó ad impiccarsi. Il Quarto Stato, secondo le stesse parole dell artista, doveva simboleggiare le grandi conquiste che i lavoratori stavano ottenendo nel mondo contemporaneo. Il dipinto rappresenta una marcia di lavoratori in sciopero: due uomini e una donna con bambino in braccio precedono la massa compatta degli operai. La composizione è essenziale, senza alcun accenno alla povertá dei personaggi che avanzano a passo sicuro, consapevoli della propria forza e dei propri diritti. Pellizza applica un divisionismo rigoroso, alla Seurat, che dá plasticitá e luminositá alle figure, che emergono sullo sfondo dai toni cupi, con una prevalenza di verdi e di blu.

23 Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato, 1901, olio su tela, 293x545 cm. Milano, Civica Galleria d Arte Moderna.

24 L ART NOUVEAU L Art Nouveau é uno stile internazionale che, tra la fine dell Ottocento e l inizio del Novecento, interessó l architettura e le arti decorative in Europa e negli Stati Uniti. Questo stile venne chiamato Floreale o Liberty in Italia, Modern Style in Gran Bretagna, Modernismo in Spagna, Coup de Fouet o Velde in Belgio, Jugendstil in Germania, Sezessionstil in Austria. Nell Art Nouveau c é la ricerca di un arte totale, un arte che penetri dappertutto, che porti nel piú umile oggetto il suo marchio e il suo fascino, che orni tutte le forme materiali dell esistenza: da un quadro a un braccialetto, dalla sedia al tappeto. Si cercó di far diventare l arte un patrimonio di tutti, servendosi della produzione industriale. In pratica peró la raffinatezza del disegno e la preziositá dei materiali fecero dell Art Nouveau un arte di elite. L Art Nouveau é uno stile ornamentale basato sulla linea curva, elegante, di ispirazione vegetale, che si compone in decorazioni bidimensionali e ricche di colore. In architettura scompaiono gli ordini e le forme classiche; il ferro, il vetro e il cemento armato sono i materiali piú usati. Comincia a formarsi il concetto moderno di design, cioé di progettazione di oggetti industriali, che si svilupperá poi soprattutto al Bauhaus. L Art Nouveau é espressione della societá borghese della Belle Epoque che mascherava, sotto l eleganza e la bellezza delle immagini, una profonda crisi ideologica e spirituale. GUSTAV KLIMT Gustav Klimt (Baumgarten, Vienna, 1862 Vienna 1918), figlio di un orafo e incisore, studió alla Scuola di Arti e Mestieri di Vienna. Tra i fondatori, nel 1897, della Secessione viennese, ne divenne rapidamente la personalitá dominante, svolgendo un intensissima attivitá sul piano organizzativo come su quello artistico. Viaggió molto e tenne mostre di successo a Parigi, Dresda, Berlino e in Italia, dove a Ravenna e Venezia studió i mosaici Bizantini. Klimt usa una composizione ritmica, un accentuato linearismo, colori smaltati e materiali preziosi, uniti ad uno sconcertante realismo espressivo delle figure. Nel dipinto Il bacio Klimt rappresenta due amanti mentre si baciano, vestiti elegantemente, su di un prato. L artista adotta colori preziosi tra cui prevale l oro. Le decorazioni si estendono su tutti gli abiti. Il bacio è simbolo della felicitá amorosa: le due figure sono sprofondate l una nell altra. La figura maschile avvolge nelle mani il volto della donna, abbandonata nell abbraccio all emozione. La coppia é immersa in uno scenario incantato senza tempo né spazio; le figure sono trasformate in decorazioni: solo le mani, i piedi e i volti, incastonati in un intrico di materie preziose e rilucenti, sono naturalistici, mentre il resto del corpo è sostituito da una superficie ricca e a disegni geometrici.

25 Gustav Klimt, Il bacio, , olio su tela, 180x180 cm. Vienna, Galleria Österreichische.

26 IL FAUVISMO Il Fauvismo é un movimento pittorico francese, nato a Parigi nel 1905 e sciolto nel 1907, i cui principali esponenti sono H. Matisse, A. Derain e M. de Vlaminck. Il termine fauves (belve) fu coniato dal critico francese L. Vauxcelles per indicare quei pittori le cui opere avevano suscitato scandalo al Salon d Automne di Parigi del 1905 per la selvaggia violenza espressiva del colore, steso in tonalitá pure. La caratteristica principale dei Fauves é, quindi, la violenza degli accostamenti cromatici caldi e freddi: colori puri, accesi e luminosissimi si scontrano sulla tela con furia selvaggia. L uso violento del colore sconvolge il naturalismo impressionista, la prospettiva, le forme, i volumi, ed é rotto ogni rapporto con la realtá. La linea di contorno serve per separare e far risaltare ulteriormente i colori ed é anch essa violenta e molto accentuata. L antinaturalismo cromatico di Van Gogh e di Gauguin e il puntinismo di Seurat vengono ripresi, ma con pennellate libere, forti ed espressive. La deformazione delle immagini é una conseguenza del nuovo grande interesse per le sculture oprimitive dell Africa e dell Oceania. Il Fauvismo é il primo movimento espressionista europeo ma, al contrario dei successivi, non ha interesse per le questioni politiche e sociali. HENRI MATISSE Henri Matisse (Le Cateau 1869 Cimiez, Nizza, 1954), primogenito di una famiglia di commercianti, si trasferí a Parigi nel 1887 per studiare legge, ma, dopo aver abbandonato un impiego presso un avvocato, si dedicó alla pittura. Con grande disapprovazione del padre, nel 1891 si iscrisse all Académie Julian. Frequentó diverse scuole e l atelier di G. Moreau. Se per gli Impressionisti il colore era un mezzo per avvicinarsi il piú possibile alla veritá della luce naturale, la convinzione del suo maestro Moreau che il colore dovesse essere pensato e sognato aiuterá Matisse a sostituire al principio tradizionale dell imitazione quello del colore come fine per produrre una soddisfazione puramente visiva attraverso la percezione dell immagine dipinta. Il colore diventerá a tal punto il personaggio principale che nelle opere degli ultimi anni, dopo il 1950, Matisse sfiorerá l astrattismo. L opera Donna con cappello è un ritratto della moglie. Il colore è libero e antinaturalistico. Il viso e il busto sono costruiti con poche e spesse pennellate senza ricorrere al disegno: il verde mette in risalto la fronte e il naso e divide il volto in due parti, una scura e l altra piú chiara; il rosso evidenzia i capelli, il collo e le labbra. L abito, il cappello e lo sfondo sono un intarsio di vari colori: il punto di partenza è ancora reale, ma serve solo per esprimere le emozioni dell artista.

27 Henri Matisse, Donna con cappello, 1905, olio su tela, 81x60 cm. San Francisco, Museum of Modern Art.

28 L ESPRESSIONISMO L Espressionismo é una corrente artistica e letteraria sviluppatasi in Germania frail 1905 e il 1925 circa. Allo storico dell arte W. R. Worringer é attribuito il primo impiego del termine Espressionismo in un saggio pubblicato nel 1911 sulla rivista Der Sturm, il piú importante organo letterario del movimento. Il nucleo storico di questo movimento fu costituito dal grupppo Die Brücke (Il Ponte) fondato nel 1905 a Dresda e che ebbe tra i suoi piú importanti artisti E. L. Kirchner ed E. Nolde. Gli Espressionisti rifiutano l eleganza dell Art Nouveau e rappresentano la sofferenza, condizione esistenziale dell uomo moderno, con figure sconvolte e straziate. Le immagini deformate esprimono la tensione dell artista. Feroce é la critica verso una societá falsa e disgregata che precipita nel caos e nella tragedia della prima guerra mondiale. Per accentuare la deformazione e la brutalitá delle figure la linea é spezzata, spigolosa, i colori sono violenti e contrastanti, lo spazio e la prospettiva distorti. Gli Espressionisti tedeschi furono impegnati in una furiosa denuncia della societá contemporanea priva di valori morali e spirituali. Se gli Impressionisti erano solo degli occhi, gli Espressionisti hanno riaperto la bocca dell uomo che urla la sua angoscia. EDWARD MUNCH Edward Munch (Løten 1863 Oslo 1944) ebbe un infanzia infelice, sconvolta da tragiche vicende (la tubercolosi, la morte della madre e della sorella, la pazzia del fratello) che spiegano la sua drammatica concezione della vita come sofferenza senza fine. Munch, lasciate le scuole tecniche, studió alla Scuola Reale di Disegno di Oslo, e a un primo periodo naturalista, dopo diversi viaggi a Parigi, seguí un periodo impressionista ed un suo superamento verso una pittura piú adatta ad esprimere il senso tragico della vita e della morte. Nel 1908, lo colpí una grave malattia nervosa, alla quale seguí una pittura sempre piú apertamente espressionista: con uso di colori violenti e irreali, e immagini deformate e consumate dal tormento interiore. Nel 1937 fu perseguitato dai nazisti, che definirono le sue opere degenerate, e nel 1940 si rifugió negli Stati Uniti. Nella sua opera piú famosa, L urlo, la disperazione dell uomospettro è resa visibile dai colori irreali e violenti, dal ritmo ondeggiante e ossessivo delle linee curve e dall allungamento prospettico del ponte. È Munch stesso a narrare come è nata l opera: Una sera passeggiavo con due amici nei pressi del fiordo; improvvisamente il cielo divenne rosso e sentii un urlo senza fine attraversare la natura. Dipinsi questo quadro in cui i colori urlano e le nuvole sanguinano.

29 Edvard Munch, L urlo, 1893, olio tempera e pastello su cartone, 91x73 cm. Oslo, Nasjonalgalleriet.

30 IL CUBISMO Il Cubismo é quel movimento artistico che prese avvio a Parigi, nel 1907, dalla pittura di P. Picasso e G. Braque. La parola Cubismo venne coniata dal critico Vauxcelles, recensendo su Gil Blas una serie di paesaggi di Braque, in riferimento alla tendenza del pittore a ridurre tutto a cubi. Il Cubismo deriva dalle forme geometriche di Cézanne e dalla stilizzazione antinaturalistica della scultura primirtiva africana che Matisse aveva fatto conoscere in Europa. I Cubisti cercano di raffigurare simultaneamente un oggetto da diversi punti di vista, per superare il metodo prospettico tradizionale che consentiva una veduta obbligata. L oggetto é scomposto nelle sue parti costitutive e successivamente ricomposto sulla tela. L oggetto viene cosí percepito nella sua interezza, pur mostrando una forma nuova senza piú rapporto con la realtá di partenza. I Cubisti scoprono la quarta dimensione, cioé il tempo, che viene fusa con le altre tre (larghezza, lunghezza e profonditá) attraverso la rappresentazione simultanea di successivi momenti visivi. Il cubismo ebbe tre fasi principali: Cubismo formativo ( ) dove prevale la semplificazione geometrica delle cose; Cubismo analitico ( ) dove vi é la scomposizione delle cose e dello spazio in piani minutissimi e l assenza di colore; Cubismo sintetico ( ) dove si attua una scomposizione semplificata in piani larghi e colorati e l introduzione sulla tela di materiale vario. PABLO PICASSO Pablo Picasso (Malaga 1881 Mougins 1973), figlio di un insegnante di disegno andaluso, frequentó l Accademia di Belle Arti di Barcellona. Nel 1904 si trasferí in Francia e, ben presto, divenne uno dei maggiori animatori della nuova cultura internazionale parigina. Sia nelle opere iniziali, conosciute come periodo blu, che nelle opere successive, conosciute come periodo rosa, sono contenute le premesse degli sviluppi della sua ricerca formale che lo porterá, nel 1907, al cubismo. La guerra civile spagnola segnó una svolta, sia nella produzione artistica che nell impegno politico di Picasso. Nel 1947 inizió anche un intensa attivitá di ceramista. Lavoró moltissimo fino agli ultimi anni. Guernica, opera simbolo del valore della pace, è la cronaca drammatica, resa in pittura, del feroce e folle bombardamento attuato nel 1937 dai tedeschi su Guernica, cittadina basca del Nord della Spagna, che subí la strage di circa civili. La preparazione del dipinto avvenne attraverso quarantacinque disegni e sei versioni. Per creare un atmosfera drammatica dominata dalla morte e dal lutto, Picasso adopera esclusivamente toni neri, bianchi e grigi. Il toro e il cavallo, i due animali che caratterizzano la corrida, sono il simbolo del popolo spagnolo vittima dell aggressione. I personaggi hanno tutti la bocca aperta per lanciare un grido di terrore. Ogni figura risulta deformata, tormentata da una forza che la opprime.

31 Pablo Ruiz Picasso, Guernica, 1937, olio su tela, 350x777 cm. Madrid, Museo Nazionale Centro di Arte Reina Sofía.

32 IL FUTURISMO Il Futurismo é l unico movimento italiano di avanguardia a livello europeo, non limitato al solo settore artistico, ma teso a un rinnovamento integrale della cultura. Fondato da F. T. Marinetti come movimento poetico con la pubblicazione, nel 1909 a Parigi sul giornale Le Figaro, del Manifesto del Futurismo, si sviluppó soprattutto dopo l adesione di un gruppo di artisti fra cui G. Balla, U. Boccioni, C. Carrá, G. Severini. I temi e gli obiettivi fondamentali dei Futuristi sono il culto del progresso tecnico, della macchina, della velocitá, del prodotto industriale, il rifiuto del passato e della tradizione accademica. Per i Futuristi il nuovo canone di bellezza é il dinamismo universale, necessario per una rapida trasformazione del mondo e rappresentazione visiva del progresso. La sensazione dinamica é provocata nell osservatore mediante la scomposizione e la compenetrazione delle cose. Tutto si muove, nulla é fermo, perció gli oggetti, le forme e gli spazi si incastrano, si sovrappongono, si compenetrano; il dinamismo é dovuto all uso di piani curvi e obliqui e di colori accesi. Un cavallo in corsa non ha quattro gambe, ma venti ; Tutto si muove rapidamente... una figura non é mai ferma... le cose in movimento si moltiplicano ; Un volto é giallo, rosso, verde, azzurro, violetto perché la luce, muovendosi, porta con sé i colori sono tutte affermazioni tratte dal Manifesto della pittura futurista. UMBERTO BOCCIONI Umberto Boccioni (Reggio Calabria 1882 Sorte, Verona, 1916), figlio di romagnoli trasferitisi in Calabria, frequentó l Istituto Tecnico conseguendo il diploma e, nel 1901, si trasferí a Roma dove divenne discepolo di G. Balla. Dopo diversi viaggi a Parigi e in Russia, frequentó L Accademia delle Belle Arti di Venezia e, nel 1907, si trasferí a Milano. Qui conbbe F. T. Marinetti insieme al quale scrisse, nel 1910, il Manifesto della pittura futurista, che venne firmato anche da altri artisti. Nel 1911 inizió anche l attivitá di scultore, ma pochissime sue sculture sono sopravvissute. Nel 1915 patí volontario per la guerra. Morí durante un esercitazione militare a causa di una banale caduta da cavallo. Nelle sue opere, Boccioni seppe esprimere magistralmente il movimento delle forme, la concretezza della materia e l interazione di un oggetto in movimento con lo spazio circostante. Nella scultura Forme uniche nella continuitá dello spazio l impetuoso avanzare di un uomo in marcia è rappresentato mediante la scomposizione della figura in piani curvilinei e ondeggianti. La figura appare per un verso come uno scorticato anatomico, per un altro come una macchina-ingranaggio in movimento. L opera si sviluppa mediante l alternarsi di cavitá, di rilievi, pieni e vuoti che generano un frammentato e discontinuo chiaroscuro fatto di repentni passaggi dalla luce all ombra.

33 Umberto Boccioni, Forme uniche nella continuitá dello spazio, 1913, bronzo, 126x90x40 cm. Milano, Civico Museo di Arte Contemporanea.

34 L ASTRATTISMO L astrattismo ebbe inizio a Monaco di Baviera, nel 1910, quando il pittore russo V. Kandinskij eseguí un acquerello fatto di macchie di colore accostate senza alcun riferimento figurativo, intitolato Improvvisazione a sottolineare un intuizione improvvisa e un impulso creativo immediato. Gli astrattisti, completamente liberi nella loro creazione di linee, forme e colori, eseguono figure che non imitano la natura. Secondo loro, é assurdo ispirarsi alla natura poiché linee e colori esprimono direttamente la sensibilitá dell artista e suscitano reazioni psicologiche nell osservatore. Come teorizzó Kandinskij, l azzurro evoca purezza e il senso dell infinito, il verde la quiete, il rosso la forza e la passione; allo stesso modo la linea retta esprime tensione e dinamicitá, quella curva rilassamento e tranquillitá. I toni caldi hanno il potere di attrarre lo spettatore, mentre quelli freddi lo respingono. L arte diventa sempre piú autonoma, elimina il soggetto e la sua raffigurazione, si interessa soprattutto alla vita psicologica ed emotiva dell uomo e diventa pura invenzione espressiva. Nel 1917 un alcuni artisti olandesi, tra cui P. Mondrian, G. T. Rietveld, T. Van Doesburg, fondarono il gruppo De Stijl, che diede vita al movimento del Neoplasticismo, il cui scopo, fra l altro, era la ricerca di un astrattismo geometrico, razionale, meditato, applicabile all architettura e al design. Vasilij Kandinskij Vasilij Kandinskij (Mosca 1866 Neuilly-sur- Seine, Parigi, 1944), nato in una famiglia agiata, studió giurisprudenza. Nel 1896 decise di recarsi a Monaco per frequentare l Accademia d Arte. Dopo un inizio naturalistico ed esperienze liberty, divisioniste e fauviste, giunse progressivamente all astrattismo. Nel 1911 Kandinskij fondó con F. Marc il gruppo espressionista Der Blaue Reiter che comprendeva anche P. Klee e A. Macke. Nel 1912 pubblicó Lo spirituale nell arte, dove afferma che la pittura è equivalente alla musica e che le forme, le linee e i colori sono capaci di suscitare reazioni emotive. Ad un astrattismo cosiddetto lirico seguí, gradatamente, un astrattismo piú geometrico e, nel 1926, Kandinskij pubblicó Punto, linea, superficie in cui definí le nuove regole della sua ricerca compositiva. Nell ultimo periodo l artista si trasferí in Francia dove continuó il suo lavoro di ricerca. Nell'opera Giallo, rosso e blu vi è un rapporto privilegiato tra singole forme e singoli colori: il giallo con il triangolo, il rosso con il quadrato e il blu con il cerchio. La zona gialla sembra avanzare, quella rossa emergere, mentre quella blu arretrare. La zona gialla a sinistra è dominata da segni grafici che sembra formino il profilo stilizzato di un uomo che, peró, capovolgendo l'opera, sembra diano vita al muso di un gatto. A destra troviamo una linea nera molto marcata di forma serpentinante che, in qualche modo, "chiude" l'intero quadro.

35 Vasilij Kandinskij, Giallo, rosso e blu, 1925, olio su tela, 127x200 cm. Parigi, Centro Pompidou.

36 L ARTE METAFISICA L Arte Metafisica é una corrente artistica italiana, prevalentemente pittorica, dei primi decenni del Novecento, sviluppatasi per opera di G. De Chirico, A. Savino, C. Carrá, F. De Pisis e G. Morandi. Il termine metafisico venne usato da Apollinaire, nel 1913 in un articolo su L intransigeant, recensendo una mostra di De Chirico. La Metafisica (dal greco µετα τα θισικα che significa oltre la fisica) é un concetto filosofico usato per indicare ció che non appartiene al mondo naturale, alla realtá sensibile. Agli sconvolgimenti futuristi, i pittori metafisici contrappongono un recupero della rigorosa precisione formale della tradizione italiana dei grandi maestri del Quattrocento. La pittura metafisica inventa una realtá ambigua, misteriosa e illogica che provoca inquietudine, stupore e sbigottimento nello spettatore. All interno di scenari impossibili, gli oggetti sono accostati in modi assurdi e proiettano ombre ingigantite; la luce e il colore sono irreali, le prospettive esagerate e innaturali, gli uomini trasformati in statue e manichini. Per De Chirico l opera d arte deve tralasciare del tutto i limiti dell umano, deve rinunciare completamente al buon senso e alla logica e deve esprimere uno stato di sogno. Il mondo inventato dai pittori metafisici é vuoto e disabitato, l uomo é asssente: rappresenta la solitudine, la paura dell ignoto, l inquietudine, il mistero. GIORGIO DE CHIRICO Giorgio De Chirico (Vólos, Grecia, 1888 Roma 1978), nato in Grecia da genitori italiani benestanti, dopo la morte del padre, nel 1906, si trasferí a Monaco dove frequentó l Accademia di Belle Arti. Dopo un periodo trascorso in Italia, nel 1911 si spostó a Parigi dove ebbe inizio la sua vera carriera artistica. Sempre polemico con il Cubismo e le avanguardie in genere, ricercó il suo linguaggio autonomamente, legando elementi di diversa origine e rappresentando le sue visioni oniriche come evasioni dal flusso del tempo. Rientrato in Italia allo scoppio della prima guerra mondiale, nel 1916, insieme a C. Carrá, inizió la teorizzazione della pittura metafisica. Negli ultimi anni continuó la propria ricerca nella quale confluirono rispetto della tradizione e rifiuto dell arte contemporanea. Nel quadro Ettore e Andromaca i due personaggi omerici si stringono nell ultimo abbraccio prima del duello fra Ettore e Achille. Ettore e Andromaca non sono dipinti realisticamente ma come oggetti meccanici, costruiti con elementi geometrici (righe, squadre, triangoli) fissati con chiodi. L uomo perde le sue caratteristiche umane e diventa un manichino, una cosa qualunque senza voce, senza volto, senza anima. Lo spettatore viene sconcertato da questo giustapporre elemeti reali in un atmosfera irreale. Nel drammatico saluto di Ettore alla moglie prima dell ultima battaglia, De Chirico rievoca anche la sua partenza per il fronte durante la prima guerra mondiale.

37 Giorgio De Chirico, Ettore e Andromaca, 1917, olio su tela, 90x60 cm. Milano, Raccolta Privata d Arte Moderna.

38 IL SURREALISMO Il Surrealismo é un movimento letterario e artistico dei primi decenni del Novecento che rivaluta la parte irrazionale dell uomo, cioé il mondo dell incoscio, dell immaginazione, del sogno. Nel campo delle arti visive fu centrale la figura di A. Masson che, nel 1924, eseguí i primi disegni automatici: servendosi di una penna e di inchiostro di china, lasciava che la mano scorresse rapidamente sulla carta, formando una ragnatela di linee da cui emergevano immagini inaspettate, priezioni dirette dell incoscio. Ed é proprio al 1924 a Parigi che si fa risalire la nascita ufficiale del movimento con la pubblicazione del Manifesto Programmatico Surrealista da parte del poeta A. Breton. L idea surrealista di arte é quella di affidare il messaggio a ció che vive nel profondo dell'artista, alla casualitá delle sue associazioni mentali. Le mostre dei Surrealisti, negli anni Trenta, costituivano eventi complessi dove tutto era organizzato per stupire i visitatori e indurli ad abbandonare il perbenismo borghese per aprirsi al mondo dell incoscio, denso di simboli misteriosi e situazioni paradossali. Nella pittura surrealista si puó individuare filone veristico che rappresenta gli oggetti con assoluta precisione ma in combinazioni illogiche e paradossali, come nei dipinti di R. Magritte e S. Dalí; e un filone non figurativo che va oltre la realtá e ricostruisce fantasticamente un universo popolato da esseri strani e incredibili, come nelle opere di J. Miró. RENÉ MAGRITTE René Magritte (Lessines 1898 Bruxelles 1967), figlio di un mercante belga, dopo aver studiato all Accademia di Bruxelles ed essere stato influenzato dalle correnti avanguardistiche, nel 1923 conobbe la pittura di G. De Chirico, dalla quale rimase fortemente colpito. Nel 1926 entró in contatto con A. Breton e col gruppo parigino dei surrealisti alle cui idee si avvicinó gradatamente. Nei suoi quadri surrealisti Magritte inseriva una quantitá di immagini quotidiane e cose familiari che venivano accostate senza un rapporto logico tra loro, per produrre un atmosfera di straniamento e mistero. Nel 1940, per paura dell occupazione tedesca, si trasferí nel sud della Francia dove sperimentó un nuovo stile pittorico, cosiddetto vache, una sorta di parodia del Fauvismo. Il tradimento delle immagini è un quadro che raffigura l'immagine di una pipa seguita dalla dicitura "Ceci n'est pas une pipe" (Questa non è una pipa). In questa opera Magritte vuole sottolineare la differenza tra l oggetto reale e la sua rappresentazione. Chiunque di noi alla domanda Cos è? risponderebbe Una pipa!. In realtà non lo è, ma è la rappresentazione di una pipa. L equivoco è dovuto alla convenzione che lega a ogni oggetto un nome. Per evidenziare la rottura delle convenzioni l artista scrive Questa non è una pipa. Questa apparente contraddizione tra realtà e rappresentazione genera uno stato di perplessità che costituisce la poesia dell opera.