COMINCIAMO, RICOMINCIAMO

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2 COMINCIAMO, RICOMINCIAMO CRT MILANO Il 15 maggio 1976 un giovane texano si presentò a Milano per la prima volta con una sua performance solitaria nel Salone di via Dini. Il CRT era agli inizi della sua avventura e gli spettatori di quelle sequenze lente e silenziose tratte da A Letter for Queen Victoria non furono che poche decine. Robert Wilson è oggi un maestro riconosciuto del teatro contemporaneo e tra i pochi che pur avendo consolidato un suo stile personale e inconfondibile in tutti i suoi spettacoli ha attraversato gli ultimi quattro decenni del teatro contemporaneo rimettendosi continuamente e pericolosamente in gioco, ricercando continuamente incontri e confronti con i diversi linguaggi della contemporaneità. Ecco perché la sua foto nei panni di Krapp è l immagine che segna tutta la sequenza del nostro primo incontro con il pubblico. Ecco perché la nostra serata inaugurale si affida all evento straordinario della sua interpretazione del celebre personaggio beckettiano. Ecco perché a lui abbiamo chiesto di segnare con il suo inconfondibile tratto il marchio che ci accompagnerà durante tutto il primo anno di attività al Teatro dell Arte. Ecco perché abbiamo scelto una sua performance come simbolo del nostro progetto di crossover tra le arti dal vivo [teatro, musica e danza], le arti visive e le arti applicate [architettura, design e moda], nuove tecnologie digitali, per elaborare nuovi format e sperimentare nuove alchimie. Questo primo giornale di viaggio del CRT Milano al Teatro dell Arte presenta gli spettacoli e le iniziative fino a dicembre Non annunciamo quindi il classico cartellone della stagione, ma ci apprestiamo a comunicare con il nostro pubblico con un programma/giornale quadrimestrale. Questa scelta ci permetterà di mantenere una flessibilità di programmazione per mantenere il più possibile una presa diretta su quello che rapidamente accade intorno a noi, immediatamente a ridosso delle iniziative della Triennale, della città e del più largo contesto internazionale. Guardiamo a una società in cambiamento e a una Milano europea. Assieme alla Triennale di Milano, avviamo questa scommessa, che è quella di far sì che il Teatro dell Arte diventi un altro dei luoghi simbolo della città, una fucina aperta allo scambio e alla collaborazione creativa con tutte le istituzioni culturali della città e un ponte verso le esperienze internazionali. CRT Milano Fondazione di partecipazione ottobre - novembre - dicembre

3 UNA NUOVA FONDAZIONE Il CRT Centro di Ricerca per il Teatro, che aveva trovato in via Ulisse Dini la propria sede di attività, e il CRT Artificio, che trovava sede nei teatri di quelle città che ne ospitavano le produzioni, hanno ceduto il rispettivo ramo d azienda al nuovo CRT Milano, una fondazione di nuova costituzione. Il CRT Milano ha avviato con la Triennale un programma di lavoro comune, con l obbiettivo di costituire un organismo partecipato da un organismo teatrale e da una istituzione dedicata alla ricerca e all attività espositiva e museale, che potrebbe quindi rappresentare anche il primo esperimento di Fondazione partecipata da soggetti multidisciplinari, tutti vocati ai linguaggi della contemporaneità (teatro, danza, musica, architettura, design, moda). La Fondazione gestirà il Teatro dell Arte, parte integrante del Palazzo della Triennale -progetto del 1933 di Giovanni Muzio- ridandogli conduzione unitaria e continuativa e in questo modo riportandolo a pieno titolo alla vita teatrale e culturale della città di Milano. Il CRT Centro di Ricerca per il Teatro e il CRT Artificio -che concludono la loro attività trasferendola al CRT Milano- sono espressione di percorsi separati di un progetto originario comune, che li ha visti a metà degli anni Settanta procedere insieme -lo stesso gruppo di intellettuali e professionisti del teatro milanese, il cui impegno era stato inizialmente facilitato dal comune lavoro presso l Università Cattolica di Milano- e all inizio degli anni Ottanta intraprendere strade diverse. Il CRT Artificio e il CRT Centro di Ricerca per il Teatro da quegli anni hanno sempre lavorato sulla contemporaneità, guardando ognuno a diverse espressioni in cui si esprimeva e si manifestava: il teatro, la danza, la musica, l arte visiva, la performance, il cinema, i nuovi media, la crossmedialità. Al termine quindi di una lunga avventura teatrale iniziata nel 1974, i due organismi che avevano condiviso in origine più di dodici anni del proprio cammino, hanno concluso simmetricamente la propria esperienza, facendo una scelta di discontinuità, per dare avvio a un nuovo ciclo, un diverso inizio. Assistiamo in Italia a un impasse nel settore culturale, probabilmente anche determinata dal fatto che nel nostro paese molti dei modelli su cui è stato precedentemente organizzato il sistema della produzione e dell organizzazione culturale stanno dichiarando la loro impreparazione a un contesto profondamente mutato. Non si tratta solo di risorse pubbliche in continua riduzione, sia a livello centrale che locale. Insieme, e forse più di quelle, si sta riducendo lo spazio per esercitare il lavoro culturale così come nel secondo Novecento è andato configurandosi in Italia, sulla base del modello di teatro pubblico o di interesse pubblico che proprio nella Milano dell immediato dopoguerra era stato elaborato e si era affermato. L odierno sistema culturale e teatrale continua a riflettere modelli gestionali e operativi declinati da quella idea, immutati negli ultimi decenni, nonostante i grandi cambiamenti che hanno invece intanto caratterizzato la società e modificato le forme e le espressioni delle sue attese oggi un altra volta in trasformazione per la straordinaria crisi in atto. La crisi ci riguarda e ci interessa come opportunità per sostanziali cambiamenti nelle modalità di produzione e gestione delle istituzioni, delle attività, degli spazi e delle strutture culturali. La capacità di innovazione e riconfigurazioni è un riconosciuto patrimonio della cultura milanese: in altri anni, la città di Milano è stata capace di esprimere dei modelli che hanno fatto della città un laboratorio di esperienze e innovazioni che sono diventate esempi su cui impostare successivi scenari su scala nazionale: dal teatro pubblico, ai centri di ricerca teatrale - oggi teatri stabili di innovazione -, agli stabili privati; ma si pensi anche alla policy delle convenzioni pluriennali che il Comune di Milano inaugurò per primo a livello nazionale; così come all istituzione della Triennale, destinata a compiti pluridisciplinari in anni in cui la divisione disciplinare non rendeva immaginabile il dialogo tra le arti. Con la partnership tra Triennale e la nuova Fondazione cui abbiamo dato vita, il CRT Milano inizia a sperimentare un inedito modello di produzione, organizzazione e gestione culturale, che vuole progressivamente far convergere in un comune disegno le rispettive esperienze e caratteristiche culturali, disciplinari, di competenze organizzative e gestionali, e che trova nel Teatro dell Arte il centro della propria attività, continuativa durante l anno e costruita su un programma che valorizza le interrelazioni con l attività istituzionale ordinaria della Triennale. Il nuovo modello di attività vede confluire due statuti culturali differenti: quello degli enti attivi nelle performing arts e quello delle istituzioni il cui lavoro è sostanzialmente impegnato nelle manifestazioni di carattere espositivo, missioni e tratti identitari tradizionalmente distinti e separati nel panorama culturale italiano, non invece in quello europeo. L attività di spettacolo cercherà un diretto coordinamento con la programmazione espositiva della Triennale, alimentando articolazioni e rimandi ulteriori, a sua volta sollecitando indirizzi nuovi, in una prospettiva di costruzione di un progetto sempre più complesso e originale. Renato Quaglia, presidente della Fondazione CRT Milano CRT MILANO 04 CRTMILANO TEATRODELLARTE ottobre - novembre - dicembre

4 IL NUOVO PERCORSO DEL TEATRO DELL ARTE OTTOBRE NOVEMBRE DICEMBRE L ULTIMO NASTRO DI KRAPP Robert Wilson Samuel Beckett CRT MILANO 12 HOUSEMATES Progetto di coesistenza teatrale.1 Santasangre Quiet Ensemble Gruppo nanou.2 Masque Teatro Mali Weil Opera Il Teatro dell Arte è stato parte della Triennale di Milano fin dalle origini secondo la volontà dell architetto Giovanni Muzio e del direttore Gio Ponti, fin da quando è stato costruito il Palazzo dell Arte nel Triennale di Milano ha completato il ricongiungimento della struttura espositiva con il Teatro dell Arte. Con i lavori appena portati a termine, il teatro è stato sottoposto ad adeguamento normativo e tecnologico con la messa a norma dell impianto antincendio ed elettrico. Dopo trenta anni il teatro torna a essere parte integrante della struttura, con un unico ingresso. Il grande atrio, con il mosaico di Achille Funi e Leonora Fini appena restaurato, torna a essere, non solo l accesso alle grandi mostre della Triennale, ma anche il foyer del teatro. Un rinnovamento nell organizzazione spaziale che corrisponde a un rinnovamento programmatico con l intento di dare un identità precisa anche al Teatro. La collaborazione tra Triennale e CRT Milano ha come obiettivo la trasformazione del Teatro dell Arte in un teatro stabile di innovazione. La sua permanenza in Triennale, ovvero all interno di una istituzione multidisciplinare dedicata all architettura, al design, alle arti, permette di realizzare una proposta culturale innovativa che arricchirà l offerta culturale di Milano. Claudio De Albertis, Presidente della Triennale di Milano LA TRILOGIA DELLE ISOLE: TEMPÊTE! L ÎLE DES ESCLAVES UNE ODYSSÉE Irina Brook IL COLORE DEI GESTI Sinfonia Mediterraneo Studio Azzurro blenddrumstheater Leonard Eto MURMURES DES MURS Aurélia Thierrée Victoria Thierrée Chaplin NEWS & PREVIEWS Kodò One Earth Tour 2014 Legend Giovanni Sollima 100 violoncelli Roberta Torre Il colore è una variabile dell infinito Peter Greenaway Atomic Bombs Alkaest / Lab121 compagnie in residenza Housemates.3,.4,.5,... CRT MILANO IN TOUR Marco Garzonio / Felice Cappa Martini: il Cardinale e gli altri Robert Wilson / Mikhail Baryshnikov / Willem Dafoe The Old Woman 06 CRTMILANO TEATRODELLARTE ottobre - novembre - dicembre

5 20 OTTOBRE Robert Wilson in L ULTIMO NASTRO DI KRAPP di Samuel Beckett ROBERT WILSON OPENING opening Ho avuto l onore di ricevere una visita di Samuel Beckett in camerino in occasione di uno dei miei primi spettacoli, A letter for Queen Victoria. Si complimentò con me per il testo frammentato e non sequenziale. Quando Eugene Ionesco recensì il mio primo spettacolo, Deafman Glance, scrisse: Wilson è andato più lontano di Beckett., quindi quando finalmente lo incontrai ne fui molto intimidito. Ho sempre sentito una certa affinità con il mondo di Beckett. Per alcuni versi l ho sempre sentito vicino al mio lavoro, ma solo adesso, dopo trentacinque anni, ho deciso di accettare la sfida e confrontarmi con lui. Quando dirigo uno spettacolo creo una struttura nel tempo. Solo nel momento in cui tutti gli elementi visivi sono al loro posto viene creata una cornice che gli attori devono riempire. Se la struttura è solida, allora si può essere liberi al suo interno. In questo caso la struttura è data per la maggior parte dal testo e spetta a me trovare la mia libertà all interno della struttura di Beckett. Egli descrive minuziosamente come appare la scenografia, quali sono i movimenti, ecc. Tutto è scritto nero su bianco. Robert Wilson Lucie Jansch L ultimo nastro di Krapp, atto unico di Samuel Beckett, debutta il 28 ottobre 1958 al Royal Court Theatre di Londra, per la regia di Donald McWhinnie con Patrick Magee. Krapp, un uomo anziano, è seduto da solo nella sua stanza a notte fonda. È il suo settantesimo compleanno. Si prepara a fare una registrazione su bobina delle sue considerazioni rispetto all anno trascorso, così come ha fatto ogni anno il giorno del suo compleanno sin da quando era giovane. Gli eventi registrati su ciascun nastro sono annotati meticolosamente in un enorme registro, che gli consente di accedere facilmente ai ricordi del suo passato. Nel prepararsi alla nuova incisione, ascolta una registrazione che aveva inciso circa trenta anni CRTMILANO TEATRODELLARTE L ULTIMO ottobre NASTRO - novembre DI KRAPP - dicembre Robert Wilson

6 prima. Sente la voce dell uomo fiducioso e speranzoso nel fiore degli anni, e stenta a riconoscersi. Ride con ironia nel risentire le sue vecchie ambizioni e i suoi sogni di gioventù. In particolare c è un passaggio che riascolta più volte, nel quale il giovane Krapp parla in modo calmo e filosofico della fine della relazione con una donna che potrebbe chiamarsi Effi. Ai tempi della registrazione il giovane Krapp vedeva la rottura come inevitabile e pregustava nuove conquiste e trionfi. Ora, guardando indietro, si rende conto che quella donna è stata l ultimo grande amore della sua vita, e nel rinunciare a lei ha perduto, tanti anni prima, la possibilità di essere felice. Truccato in bianco, clownesco, quasi cadaverico, Krapp salta e barcolla, si mette in posa e fa le smorfie: beffardo, umano, tragico. È un esercizio di stile e potenza. Financial Times ll New York Times ha definito Robert Wilson una pietra miliare del teatro sperimentale mondiale e un innovatore nell uso del tempo e dello spazio in palcoscenico. Wilson, nato a Waco in Texas, è tra i più importanti artisti visivi e teatrali al mondo. Il suo lavoro si serve di diverse tecniche artistiche integrando magistralmente movimento, danza, pittura, luce, design, scultura, musica e drammaturgia. I suoi spettacoli sono di un altissima intensità estetica e di grande potenza emotiva e gli hanno procurato il consenso del pubblico e della critica in tutto il mondo. Dopo gli studi all Università del Texas e al Pratt Institute di Brooklyn, alla metà degli anni 60, Wilson fonda a New York il collettivo artistico The Byrd Hoffman School of Byrds con cui elabora i suoi primi originali spettacoli, Deafman Glance Lo sguardo del sordo (1970) and A Letter for Queen Victoria ( ). Nel 1976 firma con Philip Glass Einstein on the Beach, performance che cambia la concezione convenzionale dell opera come forma artistica. Negli anni ha stretto collaborazioni con autori e musicisti del calibro di Heiner Müller, Tom Waits, Susan Sontag, Laurie Anderson, William Burroughs, Lou Reed e Jessye Norman. Con il suo stile inconfondibile ha riletto capolavori come L ultimo nastro di Krapp di Beckett, Madama Butterfly di Puccini, Pelléas et Melisande di Debussy, L opera da tre soldi di Brecht/Weill, Woyzeck di Büchner, Le favole di la Fontaine e l Odissea di Omero. Disegni, dipinti e sculture di Wilson sono stati esposti in centinaia di mostre collettive e personali, e fanno parte di collezioni private e musei in tutto il mondo. Ha ricevuto numerosi premi e onorificenze, tra cui la nomination per il Premio Pulitzer, due premi Ubu, il Leone d Oro per la scultura alla Biennale di Venezia e il premio Laurence Olivier. È stato nominato all Accademia Americana di Arti e Lettere e Commandeur des arts et des lettres in Francia. Wilson è il fondatore e il direttore artistico del Watermill Center, un laboratorio creativo dedicato alle arti, con sede a Watermill, Long Island. ROBERT WILSON in L ULTIMO NASTRO DI KRAPP di Samuel Beckett regia, scena e ideazione luci Robert Wilson costumi e collaborazione alle scene Yashi Tabassomi lighting design A.J. Weissbard sound design Peter Cerone e Jesse Ash collaborazione alla regia Sue Jane Stoker assistente alla regia Charles Chemin direttore tecnico Reinhard Bichsel supervisione luci Aliberto Sagretti ingegnere del suono Guillaume Dulac direttore di scena Thaiz Bozano capo macchinista Violaine Crespin make up Claudia Bastia assistente personale di R. Wilson Julian Mommert coordinamento di produzione Laura Artoni un progetto di Change Performing Arts commissionato da Grand Théâtre de Luxembourg, Spoleto52 Festival dei 2 Mondi prodotto da CRT Milano Centro Ricerche Teatrali spettacolo in inglese con sottotitoli in italiano durata 70 minuti 10 CRTMILANO L ULTIMO NASTRO TEATRODELLARTE DI KRAPP Robert Wilson ottobre - novembre - 20 dicembre ottobre 2013 Lucie Jansch ROBERT WILSON OPENING ROBERT WILSON 09 11

7 HOUSEMATES Progetto di coesistenza teatrale 23 OTTOBRE 17 NOVEMBRE HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE HOUSEMATES HOUSEMATES è un primo esperimento di cohousing teatrale tra alcuni dei gruppi più vivaci e innovativi della sperimentazione. Tre compagnie per volta sono chiamate a condividere gli spazi del Teatro dell Arte, in un esperienza orientata a far convivere autonomia creativa e benefici di un ambiente e di uno spazio comuni. Il Teatro dell Arte si trasforma in un percorso inusuale e gli spettatori sono chiamati a visitarne le tappe, muovendosi tra ambienti diversi, come fra le stanze di uno stesso appartamento. Un esperienza singolare che riunisce in un unica serata tre incontri con fatti e realtà teatrali differenti. 12 CRTMILANO HOUSEMATES TEATRODELLARTE ottobre 23 - ottobre novembre 17 - novembre dicembre

8 23 OTTOBRE 03 NOVEMBRE mar > ven sab dom HOUSEMATES.1 KONYA Santasangre DER TEUFEL LEISE, FAUST Il Diavolo Sottovoce Quiet Ensemble SPORT Gruppo nanou HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE Il ravennate Gruppo nanou presenta Sport, uno spettacolo teatrale e un progetto site specific, che ricostruisce nei minimi dettagli la dimensione di solitudine, privata e collettiva assieme, dell atleta nell attimo di sospensione che precede il volo. Santasangre è un collettivo romano che da sempre indaga la possibilità di un equilibrio sincretico tra i diversi media espressivi. Konya è un esibizione audiovisiva, creata partendo dalla tradizione sufista e dalle suggestioni offerte dalla pratica dei Dervisci. Manuela Meloni Quiet Ensemble, giovanissimo gruppo romano, presenta Der Teufel leise, Faust (il diavolo sottovoce), una composizione sonora senza musicisti né strumenti, in cui il Teatro, con il suo equipaggiamento, è sia la fonte che il prodotto, uno strumento virtuale che determina la performance stessa. 14 HOUSEMATES CRTMILANO TEATRODELLARTE ottobre 23 - ottobre novembre 17 - novembre dicembre

9 Alessandro Rosa KONYA Santasangre ideazione Diana Arbib e Dario Salvagnini performer vocale Monica Demuru violoncello Luca Tilli corpo Annamaria Ajmone elaborazione audio Dario Salvagnini elaborazione video Diana Arbib video designer Alessandro Rosa organizzazione e cura Giulia Basaglia produzione Santasangre co-produzione Kollatino Underground HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE Santasangre è un progetto di ricerca artistica che nasce a Roma alla fine del 2001 dall incontro di Diana Arbib, Luca Brinchi, Maria Carmela Milano, Pasquale Tricoci. Nel 2004, con l ingresso di Dario Salvagnini e Roberta Zanardo, raggiunge la formazione attuale. É espressione di un collettivo artistico eterogeneo per formazione e personalità e inizia il suo percorso mettendo insieme quello che rappresentava la formazione di ogni componente: la body art, il linguaggio video, le installazioni meccaniche e sonore. In risposta all esigenza di un silenzio e di un vuoto più profondo da occupare, sposta il suo lavoro all interno del luogo teatro. E qui che si realizza in maniera più concreta il progetto di ricerca artistica direzionato verso la possibile frattura linguistica e formale. La necessità che diviene il motore del lavoro di Santasangre si sottrae a ogni settorialità, all esperienza complementare per concretizzarsi in un azzardo di linguaggi ampliati e sincretici, in cui i processi di contaminazione avvengono lungo un asse trasversale capace di toccare i più significativi linguaggi artistici e performativi come il video, la musica, il corpo e l estetica degli ambienti. La linea che sempre distingue la progettualità di Santasangre si articola in una direzione di interferenza con il presente attraverso le infinite possibilità che il linguaggio artistico possiede. durata 35 minuti Konya (Iconium), capitale dei turchi selgiuchidi dal XII al XIII secolo, fu uno dei più grandi centri culturali della Turchia. Durante questo periodo di espansione artistica, politica e religiosa, il mistico Mevlana Celaleddin Rumi fondò l Ordine Sufico, ben conosciuto nell ovest con il nome di Dervisci Ruotanti o Danzanti. L esibizione audio-visiva Konya della compagnia Santasangre indaga il significato di amore attraverso lo studio della tradizione sufista e della pratica dei Dervisci: la preghiera, la meditazione, il respiro, la danza roteante e in particolar modo la pratica dello dhikr (ricordo di Dio), basata sulla ripetizione dei Nomi Divini, sono gli strumenti principali usati dai Dervisci per ricercare una connessione diretta con Dio. Konya attraverso una visione laica e contemporanea fa dialogare sulla scena dimensione sonora, visiva e corporea dando allo spettatore la possibilità di farsi trasportare in una atmosfera astratta, in un susseguirsi di eventi che ne trascendono il controllo. (Santasangre) 16 HOUSEMATES CRTMILANO TEATRODELLARTE Santasangre ottobre 23 - ottobre novembre 03 - novembre dicembre

10 Manuela Meloni DER TEUFEL LEISE, FAUST Il diavolo sottovoce Quiet Ensemble un progetto di Quiet Ensemble insieme a Matteo Marangoni post-produzione audio Gianclaudio Hashem Moniri consulenza tecnica noidealab video di Manuela Meloni project management e distribuzione Claudio Ponzana HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE NUOVE DRAMMATURGIE produzione Quiet Ensemble co-produzione Centrale Fies durata 35 minuti In questa versione del Faust il teatro, con il suo equipaggiamento, diventa lo strumento che determina la performance stessa. Quiet Ensemble nasce nel 2009 dall incontro tra esperienze professionali ed espressive differenti; Fabio Di Salvo si dedica alla sperimentazione e l ideazione di opere video interattive utilizzando moderni software di manipolazione audiovideo, Bernardo Vercelli si laurea in scenografia teatrale in Norvegia e successivamente lavora come light designer a Copenhagen. Insieme sviluppano un interesse rivolto alla contaminazione di modalità espressive differenti osservando il rapporto tra tecnologia e natura, l unione tra l immaginario concreto ed astratto e l equilibrio tra casualità e controllo, dando vita a soggetti composti dal perfetto connubio degli elementi, spostando l attenzione su aspetti insignificanti e meravigliosi, come il movimento di una mosca o il suono degli alberi. L azione è orchestrata dalle apparecchiature dello spazio e le sonorità sono determinate dalle funzioni tecniche delle stesse, simultaneamente all atto di creazione dell opera. Il teatro come spazio di rappresentazione si mostra al pubblico privo dei sistemi rappresentativi vitali e fondamentali. Le luci illuminano il vuoto, il palco accomoda l assenza dell attore, le casse audio rendono udibile il proprio silenzio e l assenza dell anima viene rappresentata dalla carcassa dello spazio ormai svuotata dalla propria umanità. (Quiet Ensemble) 18 HOUSEMATES CRTMILANO TEATRODELLARTE Quiet Ensamble ottobre 23 - ottobre novembre 03 - novembre dicembre

11 Laura Arlotti Gruppo nanou nasce a Ravenna nel luglio del 2004 come luogo di incontro dei diversi linguaggi e sensibilità che caratterizzano la ricerca artistica di Marco Valerio Amico, Rhuena Bracci e Roberto Rettura. In questo contesto corpo, il suono e l immagine trovano un linguaggio comune nella coreografia, dando vita ad un opera organica. Le produzioni nate da quest unione sono: Namoro (2005) progetto vincitore del concorso GD A-Giovani Danz Autori 04/05 dell Emilia Romagna; Desert-Inn (2006), coprodotto da ERT - Fondazione Emilia-Romagna Teatri; Sulla conoscenza irrazionale dell oggetto (2007/2008), progetto vincitore del bando Moving Movimento 2007 e vincitore del bando 4 Cantieri per Fabbrica Europa; progetto Motel (2008/2011) Trilogia composta di tre stanze. La prima stanza è vincitrice del bando Fondo Fare Anticorpi 2008; Interno (2010), progetto realizzato in collaborazione con l artista Letizia Renzini; Sport (2011) lavoro selezionato per il progetto europeo Miniatures Officinae Marseille (F); Progetto Dancing Hall (2012/2013), progetto modulare, selezionato per NID platform. SPORT Gruppo nanou di Marco Valerio Amico e Rhuena Bracci con Rhuena Bracci suono Roberto Rettura scene in collaborazione con Città di Ebla cura Chiara Pirri un ringraziamento particolare a Fabio Sajiz Produzione L Officina-atelier marseillais de production (Marsiglia, Francia), Gruppo nanou co-produzione L animal a l esquena e Crap s (Spagna), Indisciplinarte (Italia), El Teatro (Tunisia), Haraka (Egitto) Miniatures Officinae (European Commission within the program Culture Cooperation with the Third countries ) con il contributo di MIBAC, Founds Roberto Cimetta, Regione Emilia-Romagna Assessorato alla Cultura e con il sostegno di Città di Ebla, PimOff durata 35 minuti Portiamo in scena un atleta, colta nell intimità dei preparativi per l esecuzione dell elemento ginnico, per esporre un corpo nella sua fragilità e diametralmente opposta forza. L attimo prima del volo. Il momento di sospensione, di tutte le possibilità di cambiamento, di tutte le potenziali direzioni. Cogliere il pensiero dell atleta prima della vertigine per capirne il silenzio. Sonorizzare una soggettiva, che non sia quella privata dell atleta ma una nuova, che ha sicuramente a che vedere con quella solitudine, ma che accoglie anche la visione, individuale e collettiva allo stesso tempo, degli spettatori. (Gruppo nanou) HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE 20 HOUSEMATES CRTMILANO TEATRODELLARTE Gruppo nanou ottobre 23 - ottobre novembre 03 - novembre dicembre

12 06 NOVEMBRE 17 NOVEMBRE mar > ven sab dom HOUSEMATES.2 JUST INTONATION Masque Teatro ANIMAL SPIRIT Concept store Mali Weil XX, XY Primo studio nella tragedia di Amleto Opera HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE Mali Weil apre per la prima volta a Milano il proprio concept store, interamente dedicato al mindstyle Animal Spirit, offrendo al visitatore la possibilità di un esperienza immersiva, capace di potenziare la spinta individuale all azione. Opera è un giovane gruppo che approfondisce l incontro tra differenti arti in relazione al teatro. In questo contesto presenterà XX XY, primo studio sull Amleto, in cui lo spettatore sarà chiamato a entrare letteralmente nella materia dell Amleto, attraverso un dettaglio. Mali Weil Masque, gruppo storico della ricerca teatrale, presenterà il suo lavoro Just Intonation, affascinante espressione di una puntuale ricerca sul rapporto tra suono e movimento. Just intonation è corpo sonoro. 22 HOUSEMATES CRTMILANO TEATRODELLARTE ottobre - novembre novembre dicembre

13 Lorenzo Bazzocchi JUST INTONATION Masque Teatro ideazione e regia Lorenzo Bazzocchi con Eleonora Sedioli physical computing, suono e luci Lorenzo Bazzocchi elettronica Matteo Gatti co-produzione Mood Indigo produzione Masque teatro durata 30 minuti HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE Masque Teatro nasce nel La forza visionaria del loro teatro si esprime nel complesso dialogo che la compagnia sviluppa tra il discorso filosofico, la creazione di prodigiose architetture sceniche e il fondamentale ruolo della Figura. Alcuni spettacoli hanno aperto una possibilità che identifica non solo una cifra stilistica ma una nuova modalità produttiva ed una innovata relazione con il pubblico. Prigione detto Atlante (Myfest-Glasgow, 1994), Coefficiente di Fragilità (Triennale di Milano, 1998), Omaggio a Nikola Tesla (Bitef Festival, Belgrado 2003), Materia cani randagi (Nobodaddy-Ravenna 2009) e Just Intonation (Orestiadi di Gibellina 2012) rappresentano le punte di una ricerca che trova la sua ragion d essere nella produzione di simulacri, eventi dove materiale e virtuale si fondono per dar vita a originali creazioni. Nel 1997 ricevono il Premio Gabbiano d argento al Festival Anteprima Cinema Indipendente Bellaria e il Premio Produzione al Festival Riccione TTV. Nel 2000 ricevono l Ubu premio speciale della giuria per il progetto Prototipo e nel 2002 il Premio Francesca Alinovi all attività artistica. Dal 1994 sono ideatori e organizzatori del festival Crisalide. Il lavoro parte dalla ricerca del rapporto tra suono e movimento, dalla necessità di mettere a punto un sistema di autogenerazione del suono, di produzione di masse sonore complesse, formate da glissandi, di frequenza ed intensità. Just intonation è corpo sonoro. Ci si allontana dalla orizzontalità melodica, in favore dell armonia e di lunghi periodi di silenzio. Il corpo-donna diviene segreto senza nascondere niente, a forza di innocenza e precisione, persino a costo di una spaventosa tecnicità. Il progetto trae la sua origine da due polarità solo apparentemente distanti: da una parte l interesse manifestato da Kafka per la pura intensa materia sonora, in un costante rapporto con la sua abolizione, dall altra l affezione di La Monte Young per un suono concepito come atomizzato, evento singolare con vita a se stante, indipendente dall esistenza umana. (Masque Teatro) 24 HOUSEMATES CRTMILANO TEATRODELLARTE Masque ottobre - novembre novembre dicembre

14 Mali Weil ANIMAL SPIRIT Concept store Mali Weil concept e realizzazione Mali Weil interior e product design Liviana Osti sound design Elettra architectural design Luca Bertoldi project management Anna Kalbhenn produzione Mali Weil co-produzione Centrale Fies Durata 35 minuti HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE Dal 2008 Mali Weil è l identità collettiva di Elisa Di Liberato, Lorenzo Facchinelli e Mara Ferrieri. Vive e lavora tra Trento e Berlino. Realizza progetti transmediali che incrociano experience design, multimedia storytelling, performance e installazione. Privilegiando set up partecipativi, Mali Weil crea esperienze aporetiche e macchine relazionali per sottrarsi all attuale logica economica e innestare nuovi immaginari. I suoi lavori hanno un estetica temporary e sono spesso human e site specific. Ogni uomo ha in sè una forza innata che lo spinge ad agire. Nel corso dei secoli, a seconda delle culture e delle mitologie, è stata chiamata in molti modi. Noi lo chiamiamo Animal Spirit. Mali Weil apre per la prima volta a Milano il proprio concept store, interamente dedicato al mindstyle Animal Spirit, offrendo al visitatore la possibilità di un esperienza immersiva, alla scoperta del proprio dark heart. Con un anima temporary, lo store inaugura uno spazio al limitare tra territorio animale e umano, un mondo night wearing che richiama apertamente lo stile military e l esperienza della battuta di caccia. La sfida che si propone è diffondere una linea di prodotti iniziatici, che fondono elementi primordiali e immaginario pop, capaci di potenziare la spinta individuale all azione. I prodotti in vendita sono realizzati da una crew di giovani designer ai quali Mali Weil ha chiesto di interpretare il mindstyle animal spirit. Tra questi gli space toys disegnati da Luca Bertoldi, le linee The Armour e Instinct di Liviana Osti, e i sounds Imaginaries for the hunt di Elettra. (Mali Weil) 26 HOUSEMATES CRTMILANO TEATRODELLARTE Mali Weil ottobre - novembre novembre dicembre

15 Andrea Messana XX, XY Primo studio nella tragedia di Amleto Opera cura della visione e regia Vincenzo Schino performer Emiliano Austeri, Marta Bichisao coreografia Marta Bichisao suono Federico Ortica drammaturgia Letizia Buoso scenografia Emiliano Austeri scultura Vito Sabini / Leonardo Cruciano Workshop cura Marco Betti produzione Opera in coproduzione con Fondazione Pier Lombardo / Teatro Franco Parenti con il sostegno di Terni Festival, Associazione Demetra, Stefano Romagnoli Durata 35 minuti HOUSEMATES PROGETTO DI COESISTENZA TEATRALE Opera è un gruppo di ricerca artistica nato nel 2006 da un progetto di Vincenzo Schino (attore, regista, scenografo). Il gruppo è formato da Marta Bichisao (danzatrice e coreografa), Gaetano Liberti (attore e videomaker), Riccardo Capozza (attore), Marco Betti (organizzatore), Emiliano Austeri (scenografo e costruttore), Pierluca Cetera (artefice e pittore), Letizia Buoso (dramaturg) e Federico Ortica (musicista e compositore). Il suo luogo di lavoro è il teatro. Il gruppo si chiama Opera dal titolo del loro primo spettacolo e approfondisce con la propria ricerca tutte le problematiche che riguardano il teatro in relazione alle altre arti. Consideriamo Amleto come un dispositivo per la visione. In Amleto la realtà viene messa in crisi e modificata attraverso il gioco della rappresentazione. Il confine tra finzione scenica e fenomeno reale, la moltiplicazione di senso attraverso la relazione di arti e linguaggi diversi ha da sempre costituito un punto di partenza importante per ogni nostro lavoro. Non narreremo le vicende dei personaggi, ma entreremo letteralmente nella materia attraverso un dettaglio. I performer sono due, un uomo e una donna. Alto e basso, maschile e femminile, xx e xy. I linguaggi in relazione tra loro: la scultura e la danza. (Opera) 28 CRTMILANO HOUSEMATES TEATRODELLARTE Opera ottobre - novembre novembre dicembre

16 21 NOVEMBRE 08 DICEMBRE LA TRILOGIA DELLE ISOLE Irina Brook TEMPÊTE! L ÎLE DES ESCLAVES UNE ODYSSÉE IRINA BROOK LA TRILOGIA DELLE ISOLE Laura Ferrari Tre storie di vendetta, perdono, amore e libertà In un pirotecnico percorso da Omero a Shakespeare e Marivaux, la compagnia giovane e multietnica di Irina Brook si avventura di isola in isola in un viaggio teatrale che reinventa completamente tre classici della letteratura. Ogni isola è un mondo diverso, ma nella leggerezza del gioco teatrale si ritrovano gli stessi interrogativi profondi sulla nostra condizione umana. CRTMILANO TEATRODELLARTE ottobre - novembre - dicembre

17 Laura Ferrari 21 NOVEMBRE 07 DICEMBRE mar > ven sab dom TEMPÊTE! Irina Brook tratto da William Shakespeare ideato, adattato e diretto da Irina Brook con Hovnatan Avedikian, Renato Giuliani, Scott Koehler, Jeremias Nussbau e Ysmahane Yaquini aiuto regia Geoffrey Carey responsabile di compagnia Renato Giuliani scenografie Noëlle Ginefri-Corbel ingegnere suono Samuel Serandour ingegnere luci/direttore tecnico Thibault Ducros costumista/assistente scenografo Philippe Jasko segretario di produzione Angelo Nonelli coordinamento di produzione Virginia Forlani IRINA BROOK LA TRILOGIA DELLE ISOLE Figlia d arte (il padre è il regista Peter Brook e la madre l attrice Natasha Parry), Irina Brook nasce a Parigi e cresce tra l Inghilterra e la Francia. A diciotto anni si trasferisce a New York per studiare recitazione con Stella Adler e comincia a recitare in produzioni Off-off-Broadway. Recita poi a Parigi e a Londra in diversi film, produzioni televisive e numerosi spettacoli teatrali, fino a realizzare che la sua vera vocazione è la regia. Moltissime sono le produzioni teatrali da lei dirette in Europa e nel mondo fin dalla sua prima creazione a Londra nel 1996, A Beast On The Moon di Richard Kalinoski, la cui versione francese del 1998, prodotta dal Théâtre de Vidy-Lausanne, presentata poi in una tournée internazionale, e infine al Théâtre de l Oeuvre a Parigi, riceve cinque premi Molière (compreso Miglior Regia e Miglior Spettacolo). In seguito ai numerosi successi, decide di creare La Compagnie Irina Brook grazie alla collaborazione di Olivier Peyronnaud e della Maison de la Culture de Nevers et de la Nièvre. Nel 2013 la compagnia diviene Irina s DreamTheatre, avviando una collaborazione con i produttori e agenti letterari parigini Marie Cècile Renauld e Marie-Astrid Perimony. Irina Brook ha realizzato anche diverse regie d opera. Nell aprile 2014 dirigerà, di Donizetti, L Elisir D Amore per il Berlin Deutschesopera, e nell aprile 2015 il Don Pasquale all Opera di Vienna. Oltre ad aver ricevuto diversi premi internazionali, nel 2002, Irina Brook è stata nominata Chevalier des Arts et des Lettres dal Ministro della Cultura francese. Con il progetto della Trilogia al Festival di Spoleto prende avvio una collaborazione produttiva anche con CRT Milano. Recentemente Irina Brook è stata nominata alla direzione del Theatre National di Nizza produzione CRT Milano Centro Ricerche Teatrali in collaborazione con Irina s Dreamtheatre Parigi e Spoleto56 Festival dei 2Mondi in lingua francese con sottotitoli in italiano consigliato alle famiglie spettacolo inserito in Invito a Teatro durata 105 minuti Con Tempête! andiamo a naufragare sull isola di Prospero: un luogo all apparenza magico, dove regnano musica e incantesimi. Ma vi si può intuire un lato oscuro. L isola è sotto il potere di un potente tiranno: l esoterico mago-chef Prospero. Gli unici abitanti di questo reame sono sua figlia Miranda, il mostro Calibano e uno spirito dell isola, Ariel, giovani che condividono, ciascuno a suo modo, un unico sogno: sfuggire al potere patriarcale di Prospero, per conquistare infine l indipendenza e la libertà. Quest isola suscita degli interrogativi sugli aspetti più profondi dell animo umano: come possiamo lasciare che le persone che amiamo siano libere? Permettergli di essere sè stesse? In che modo usiamo o abusiamo del nostro potere sugli altri? E in ultimo, riusciamo a perdonare e a sciogliere questi legami? 32 CRTMILANO TRILOGIA DELLE TEATRODELLARTE ISOLE Irina Brook ottobre 26 novembre dicembre

18 23 NOVEMBRE 24 NOVEMBRE sab dom L ÎLE DES ESCLAVES Irina Brook di Pierre Marivaux ideato, adattato e diretto da Irina Brook con Hovnatan Avedikian, Jeremias Nussbaum, Augustin Ruhabura, Isabelle Townsend e Ysmahane Yaquini aiuto regia Geoffrey Carey responsabile di compagnia Renato Giuliani scenografie Noëlle Ginefri-Corbel ingegnere suono Samuel Serandour ingegnere luci/direttore tecnico Thibault Ducros costumista/assistente scenografo Philippe Jasko segretario di produzione Angelo Nonelli coordinamento di produzione Virginia Forlani produzione CRT Milano Centro Ricerche Teatrali in collaborazione con Irina s Dreamtheatre Parigi e Spoleto56 Festival dei 2Mondi in lingua francese con sottotitoli in italiano spettacolo inserito in Invito a Teatro durata 105 minuti IRINA BROOK LA TRILOGIA DELLE ISOLE Laura Ferrari L île des esclaves è senza dubbio un isola utopica governata da principi ideali di giustizia e di uguaglianza, ispirati al pensiero e agli scritti dell Età dei Lumi. Questo è il luogo dove si sperimenta un nuovo modello di società per il bene comune. Qui troviamo il misterioso governatore Trivelin, un ex schiavo che ha fatto dello studio del comportamento umano la sua missione di vita: quando padroni e schiavi approdano sulla sua isola, li mette alla prova invertendone i ruoli sociali nella speranza che questo esercizio possa guarirli dal loro egoismo. Su quest isola possiamo sognare un mondo in cui la gentilezza, la generosità, la compassione e il perdono contano più d ogni altra cosa. CRTMILANO TEATRODELLARTE LA TRILOGIA ottobre - novembre DELLE ISOLE - dicembre Irina Brook

19 29 NOVEMBRE 08 DICEMBRE ven sab dom UNE ODYSSÉE Irina Brook tratto da Omero ideato, adattato e diretto da Irina Brook con Renato Giuliani, Scott Koehler, Jeremias Nussbaum e Ysmahane Yaquini aiuto regia Geoffrey Carey responsabile di compagnia Renato Giuliani scenografie Noëlle Ginefri-Corbel ingegnere suono Samuel Serandour ingegnere luci/direttore tecnico Thibault Ducros costumista/assistente scenografo Philippe Jasko segretario di produzione Angelo Nonelli coordinamento di produzione Virginia Forlani produzione CRT Milano Centro Ricerche Teatrali in collaborazione con Irina s Dreamtheatre Parigi e Spoleto56 Festival dei 2Mondi in lingua francese con sottotitoli in italiano consigliato alle famiglie spettacolo inserito in Invito a Teatro durata 65 minuti IRINA BROOK LA TRILOGIA DELLE ISOLE Laura Ferrari In Une Odyssée seguiamo Ulisse nelle sue avventure mitiche, nel tentativo di fare ritorno a casa. Nel suo cammino lo vediamo sfuggire all insidia inebriante dei Lotofagi, vincere in astuzia il sanguinario Ciclope, resistere ai richiami delle Sirene, e quasi soccombere al fascino ammaliante della maga Circe, prima di riuscire finalmente a ritrovare la sua amata famiglia a Itaca. Un viaggio che coinvolge i sensi, fatto di arguzie, di ardue sfide e di passioni. Con un finale senza alcuna pietà per i pretendenti di Penelope. Non c è perdono. Solo vendetta. CRTMILANO TEATRODELLARTE LA TRILOGIA ottobre - novembre DELLE ISOLE - dicembre Irina Brook

20 23 NOVEMBRE 12 GENNAIO mar > sab > dom e festivi > IL COLORE DEI GESTI sinfonia Mediterraneo Studio Azzurro STUDIO AZZURRO IL COLORE DEI GESTI Nel corso dei viaggi attraverso il mare nostrum per la ricerca che ci ha portato alle installazioni interattive del ciclo Meditazioni Mediterraneo, abbiamo filmato numerosi artigiani durante il loro lavoro: liutai, pescatori, sellai, fonditori, vetrai, cesellatori, vasai, tessitori, raccoglitori di olive, vinai, costruttori di barche, restauratori, bambolai, rilegatori, maniscalchi, conciatori Ciascuno di essi, ripreso nel proprio ambiente, attraverso il primo piano delle mani intreccia un racconto di quei gesti e di quei suoni che danno letteralmente forma ai manufatti. Tutti insieme hanno composto nella nostra memoria un grande affresco che da tempo avevamo intenzione di rendere visibile in forma di installazione sonora oltre che visiva. Una riscrittura musicale di suoni e rumori generati dall incontro tra la materia modellata e quei gesti che si ripetono attraverso i secoli come il ritmo cardiaco dell intero territorio rivolto verso il mare Mediterraneo. È con in mente Paolo, il suo intimo amore per il mare e per la rivelazione quotidiana del bel gesto, che sentiamo giunto il momento di svelare per la prima volta questo affresco che più volte avevamo immaginato insieme. Studio Azzurro CRTMILANO TEATRODELLARTE IL COLORE ottobre - DEI novembre GESTI - Studio dicembre Azzurro