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1 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 1 di 10 Neoclassicismo Il Neoclassicismo é il nome attribuito ad un movimento artistico e culturale sviluppatosi in Europa ed, in seguito, importato in America, tra il XVIII (in particolare dalla seconda metà del Settecento) e il XIX secolo. Questa corrente artistica nasce come diretta conseguenza dell' Illuminismo, movimento culturale e filosofico del XVIII secolo, nato in Inghilterra ma sviluppatosi principalmente in Francia, fino a diffondersi in tutta Europa. Proprio in questo periodo, conosciuto come il Secolo dei Lumi, l'europa conobbe molti cambiamenti socio-culturali, frutto di un nuovo modo di pensare, basato sulla fiducia nella ragione umana e sulla fede nel progresso. L ottimismo e la fiducia nella scienza di questo periodo sono avvalorate dalle nuove scoperte in ambito meccanico; esse permetteranno di alleviare gli operai del loro pesante carico di lavoro, dando origine alla rivoluzione industriale. Sarà proprio a causa di questa rivoluzione la migrazione dalle campagne verso le città e l affermazione di un nuovo ceto sociale, la borghesia. Le idee prevalenti di questo movimento, quali la libertà, l'uguaglianza sociale, i diritti umani, il cosmopolitismo, la filantropia, la scienza e il pensiero razionale, si possono trovare nell'opera emblematica del periodo, l'enciclopedia o Dizionario ragionato delle scienze, delle arti e dei mestieri, pubblicata in Francia a partire dal Sotto la direzione di Diderot e D'Alembert, un gruppo di intellettuali quali Rousseau, Voltaire e Montesquieu scrissero questa grande opera collettiva, che comprende tutte le conoscenze in tutti gli ambiti del sapere. Oltre ad essere informativa, l'enciclopedia fu anche un importante mezzo di propaganda delle rivoluzionarie idee illuministiche; per questo motivo la sua pubblicazione incontrò l'opposizione del governo francese e della Chiesa e terminò con l'uscita clandestina dei due ultimi volumi. All interno del pensiero illuminista ricordiamo ancora Cesare Beccaria, il quale nel saggio Dei Delitti e delle Pene del 1763, denunciò l ingiustizia e l inefficacia dell amministrazione del governo dell epoca e fu il primo a scagliarsi contro la pena di morte. Importanti scrittori rinnovarono anche la letteratura: Goldoni rinnova la commedia, soffermandosi sulla caratterizzazione dei personaggi e ironizzando sui vizi della società a lui contemporanea; Parini ne Il Giorno scrive con ironia e sarcasmo della vita della nobiltà, ricca di gesti e cerimonie, ma povera di contenuti e valori; infine Alfieri introduce nelle sue tragedie il racconto della solitudine dell individuo. Anche in campo

2 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 2 di 10 musicale possiamo riscontrare importanti novità: Haydin inventa i tempi e i modi della sinfonia, mentre Mozart rielabora tutti i generi del secolo precedente con uno stile estremamente personale. Cronologia Tra le scoperte e azioni più significative a cavallo tra il XVIII e XIX secolo ricordiamo: importanti progressi della chimica: vengono scoperti idrogeno, azoto ed ossigeno Watt costruisce la prima macchina a vapore Dichiarazione d Indipendenza degli Stati Uniti d America l architetto Piermarini costruisce a Milano il teatro la Scala in più, in Inghilterra viene costruito il primo ponte in ghisa Jaques Luis David dipinge a Roma Il Giuramento degli Orazi

3 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 3 di Mozart rappresenta a Praga il Don Giovanni scoppio della Rivoluzione Francese dichiarazione della Repubblica in Francia esecuzione di Luigi XVI prima campagna di Napoleone in Italia seconda campagna di Napoleone in Italia in più, Volta costruisce la prima pila Napoleone diventa imperatore in più, J.L. David dipinge l'incoronazione di Napoleone

4 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 4 di 10 in più, Beethoven compone la Sinfonia Eroica spedizione di Napoleone in Russia Il termine Neoclassicismo viene coniato in senso dispregiativo a metà del XIX secolo per indicare uno stile sviluppatosi a partire dalla metà del 700 ed esauritosi nei primi decenni dell 800. In particolare i romantici, con questo termine, vollero sottolineare la rigidità, la freddezza e la mancanza di originalità di questo stile. Il neoclassicismo, distaccandosi dalle soluzioni enfatiche e coinvolgenti del Barocco e dalle frivolezze del Rococò, si caratterizza per una riscoperta e ripresa dei valori ideali e formali dell antichità classica. Rappresentando un mondo antico puro e incontaminato, questa arte aveva lo scopo di trasmettere un messaggio morale e sociale, ossia condurre l uomo verso le virtù del mondo greco e romano; da qui derivò, quindi, il disprezzo per il virtuosismo fine a se stesso e per l arte mondana. Dopo un epoca di caos l uomo aveva esigenza di regole che potessero ristabilire l ordine sociale, regole spesso illustrate in arte attraverso il mito. La riscoperta dei valori dell antichità è alimentata anche dagli scavi che avvengono ad Ercolano e Pompei, che portarono alla luce una notevole ricchezza artistica. Il movimento neoclassico ebbe come sede Roma e fu teorizzato dal tedesco Winckelmann ( ), nel primo libro di storia dell arte antica, Pensieri sull imitazione dell arte antica nella pittura e nella scultura, in cui per la prima volta la storia dell arte è ordinata per cronologia ed estetica. Il massimo interprete di questo libro fu Antonio Canova. Antonio Canova Antonio Canova ( ) fu uno dei maggiori esponenti del Neoclassicismo europeo ed è considerato l ultimo degli scultori. Nacque a Possagno, nella provincia di Treviso, iniziò il suo apprendistato da giovanissimo a Venezia e in particolare frequentò la scuola del nudo nell Accademia delle Belle Arti, in cui ebbe l opportunità di studiare i calchi di una collezione privata del mecenate Filippo Fassetti. Dopo gli anni di studio a Venezia, si stabilì a Roma, città nella quale poté perfezionare il suo linguaggio artistico ed essere maggiormente in contatto con le opere dei sui maestri: Policleto, Donatello, Michelangelo, Bernini. Ebbe incarichi prestigiosi dalla nobiltà veneta e romana, da Napoleone, dall aristocrazia russa ed inglese, dallo Stato Pontificio, dagli Asburgo e dai Borbone. Canova fu nel 1802 Ispettore generale delle Belle Arti nello Stato Pontificio e anche ambasciatore al congresso di Vienna nel 1815 per ottenere le opere sottratte da Napoleone allo stato della Chiesa. Ebbe il grande merito artistico di far rivivere nelle sue opere l antica bellezza e soprattutto la grazia delle statua greche, una grazia non più intesa nell accezione sensuale del Rococò ma come una qualità, che può essere rappresentata con il giusto equilibrio, senza violente passioni e gesti esagerati, solo con l aiuto del controllo della ragione, da parte dell artista.

5 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 5 di 10 Nelle sue sculture era solito adoperare il marmo bianco e riusciva a modellarlo con tale plasticità e grazia, che le sue figure sembravano quasi avere un proprio movimento. Un'altra caratteristica particolare del suo talento era la levigatura delle opere, sempre raffinata al massimo, grazie alla quale i suoi lavori avevano uno speciale effetto di lucentezza che ne accentuava la naturale e splendida bellezza. Infine, è interessante notare come avviene la creazione di ogni opera di Canova. Egli, infatti, affida ai suoi aiutanti la sbozzatura del marmo, intervenendo soltanto quando mancano pochi strati all immagine definitiva. Teseo sul Minotauro autore: Antonio Canova titolo: Teseo sul Minotauro data: ubicazione: Londra, Victoria and Albert Museum Nell opera, la prima che Canova realizzò giunto a Roma, l artista riprende le figure mitologiche di Teseo e del Minotauro per evidenziare il valore classico della ragione, la sola virtù che può sconfiggere la brutalità e l irrazionalità. La scena è quella successiva allo scontro: l eroe, seduto sul corpo del mostro ucciso, non mostra nessun segno di affaticamento, ma anzi ogni passione è spenta ed egli appare tranquillo e in sintonia con il corpo. L essere semiumano, simbolo della ragione vittoriosa sull irrazionalità bestiale, siede sul Minotauro come un cacciatore su una preda; egli è riverso su una roccia in una posizione a s rovesciata e si appoggia ad una gamba del nemico. Canova, oltre allo scopo etico di cui è già stato detto, ha uno scopo estetico: il raggiungimento della bellezza ideale, realizzata dai greci ed ammirata dal Rinascimento. A tale bellezza, che può essere solo ideale e quindi non è presente in nessuna delle creature naturali, si può pervenire tramite la massima padronanza della tecnica scultorea e l imitazione della scultura classica. In particolare, il corpo di Teseo risulta ancora più bello e divino grazie al fatto che egli possiede intelligenza e ragione, le due risposte alle necessità che conseguirono dopo le rivoluzioni in tutti i campi a fine 700. Abbiamo un ulteriore richiamo all arte classica nell uso del panneggio, che copre in parte il corpo di Teseo e che accentua maggiormente la sua bellezza, dona luminosità e slancio alla figura. Il rigore compositivo è accentuato dall attenzione nel riprodurre con grande precisione le parti anatomiche (in questo modo notiamo anche gli studi che Canova fece nell ambito dell anatomia). Essendo una figura a tuttotondo, non viene trascurato nessun particolare ed è proprio questo che caratterizza tutte le opere dell artista. Amore e Psiche Amore e Psiche sono i due protagonisti di una nota storia narrata da Apuleio, all'interno della sua opera Le Metamorfosi.

6 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 6 di 10 Psiche è la più giovane di tre sorelle, figlie di un re; ella è venerata per la sua bellezza a tal punto che viene paragonata a Venere. La divinità della bellezza, invidiosa, incarica il figlio, Eros, di suscitare amore nella fanciulla verso un uomo vile che non la ricambi. Psiche è molto triste, viene adorata e trattata come una dea, la sua bellezza è apprezzata in ogni dove ed è ammirata come fosse una splendida statua, ma nessun uomo chiede la sua mano. La giovane ne è addolorata ed il padre, vedendola scontenta, decide di interrogare l oracolo di Mileto e, con preghiere e sacrifici, chiede al dio un matrimonio felice per la figlia. Nel responso della divinità, al re viene consigliato di portare la bella figlia in cima ad una rupe, perché si congiunga poi ad un mostro, temuto addirittura da Giove. Psiche viene quindi condotta sul colle dove, sconfortata e sola, viene sospinta dal lieve alito di vento che Zefiro le offre per trovare la giusta via. La ragazza giunge in uno splendido palazzo, invaso da luce che fa luccicare i muri d oro e comprende di trovarsi in un luogo divino; solo un dio poteva essere capace di tanta magnificenza. La giovane viene accolta da misteriose voci che la guidano e la servono, le mostrano la sua nuova dimora, mentre durante la notte, ella può congiungersi con il suo sconosciuto amante di cui ancora non conosce l identità, e se ne innamora. Psiche riesce a convincere Amore, questo il nome del compagno, a far giungere le due sorelle nel suo palazzo, ma queste, cariche d invidia verso la sorella fortunata, la inducono a chiedere al marito di farsi vedere alla luce, cosa che non le era concessa date le sue divine sembianze. Servendosi di una lampada ad olio per fare luce, rimane folgorata dalla bellezza del Dio e prende a baciarlo, ma uno schizzo d olio bollente proveniente dalla lampada ferisce Amore che, sentendosi tradito per il gesto di Psiche, fugge sull Olimpo. Venere viene a conoscenza del fatto che Amore non ha eseguito l incarico affidatogli e si infuria per il comportamento del figlio. Psiche, privata di Amore, vaga alla ricerca dell amante. Dopo vari incontri con divinità e diverse prove a cui l incantevole fanciulla è sottoposta, viene assolta dagli dei e Zeus le dona l immortale vita divina per rimanere eternamente al fianco di Amore. titolo: Amore e Psiche, anno: , ubicazione: Parigi, museo del Louvres

7 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 7 di 10 L artista rappresenta l episodio della favola di Apuleio in cui Amore sta cercando di rianimare Psiche, svenuta dopo aver aperto un vaso ricevuto nell Ade da Proserpina. Canova ha fermato nel marmo un attimo: il dio contempla, ricambiato con medesima intensità, l amata ognuno rapito dalla bellezza dell'altro; i corpi si sfiorano soltanto con sottile erotismo, ma non vengono rappresentati nell atto di stringersi e di baciarsi. È proprio la scelta di scolpire l attimo prima del bacio che sottolinea che l amore ideale inteso dall artista è quello vero, passionale ma allo stesso tempo non materiale. La visione frontale dell opera consente di cogliere la geometria compositiva del gruppo statuario, formata da due archi che si intersecano (costituiti dal corpo leggermente sollevato di Psiche, la gamba destra e le ali tese di Amore) e due cerchi intrecciati (formati dalle braccia degli innamorati). Come per tutte le sculture di Canova, una visione esclusivamente frontale non sarebbe efficace per comprendere la bellezza dell opera: i rapporti reciproci fra i due corpi mutano continuamente girando attorno al gruppo scultoreo, perciò da ogni prospettiva si possono individuare elementi nuovi e significativi. Ebe autore: Antonio Canova titolo: Ebe data: ubicazione: San Pietroburgo, Ermitage Ebe fu scolpita in quattro opere leggermente differenti tre loro, con scopo ornamentale ed usate come decorazione per le case di collezionisti; noi prenderemo in considerazione la seconda in ordine di tempo. Ebe, figlia di Giove e Giunone, è dea della giovinezza, il cui compito è di versare il nettare nel bicchieri degli dei, durante i banchetti dell Olimpo. La divinità è scolpita su di una nuvole, il suo busto è nudo, mentre la parte inferiore della figura è coperta da une veste leggerissima dalle mille pieghe, che aderisce perfettamente ad essa ( effetto bagnato ) mostrando ogni curva. Ogni particolare della figura di Ebe tende alla grazia: il suo corpo è giovane, il viso perfetto, con delicatezza tiene in mano la

8 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 8 di 10 coppa e l anfora, il corpo è leggermente teso in avanti, il busto, invece, leggermente incurvato all indietro. In questo modo Canova vuole esaltare la bellezza, conciliata con il movimento, con la calma e la compostezza. Le prime due versioni della scultura subirono gli aspri pareri dei critici, che rimproverarono a Canova di non avere inserito l espressione nel volto della divinità. L artista, in risposta affermò: mi sarebbe stata cosa assai facile di dargliela; ma certamente, alle spese di essere criticato da chi sa conoscere il bello, l Ebe sarebbe diventata una baccante. Una baccante era una popolana e, inoltre, se l artista avesse aggiunto l espressione a quel viso, l armonia dell opera si sarebbe spezzata. In questo modo Canova intendeva ribadire la sua aderenza ai principi dell arte classica e il desiderio di voler esprimere soltanto il bello ideale, con l eliminazione delle forti passioni (come, tra l altro, Winckelmann scrisse). Oltre all uso del marmo notiamo anche l inserimento di colore grazie all aggiunta di una patina dorata e cera per la coppa e l anfora. Nella quarta versione dell opera abbiamo, invece, l utilizzo del bronzo dorato per scolpire questi due oggetti insieme a una collana e un nastro per i capelli. Paolina Borghese autore: Antonio Canova titolo: Paolina Borghese data: ubicazione: Roma, Galleria Borghese Dei rapporti dell artista con Napoleone sono testimonianza numerose sculture eseguite per lui e per i suoi familiari. L esempio in questione è la scultura di Paolina Borghese, sorella di napoleone e moglie del principe romano Camillo Borghese.

9 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 9 di 10 La donna è raffigurata come se fosse Venere vincitrice: è, infatti, rappresentata con in mano il pomo della vittoria donato da Paride alla dea. Il busto, sollevato e appoggiato ai due cuscini del triclinio romano si cui è adagiata, è nudo fin quasi all inguine, mentre le parte inferiore del corpo è celata da un drappo, che rende la figura ancora più carica di erotismo. A partire dallo splendore del volto, l intera figura di Paolina risulta divinizzata e fuori dalla realtà terrena; l unico elemento che la restituisce al mondo umano è costituito dal colore roseo dell incarnato, ottenuto spalmando una cera rosata sul marmo. Il ritratto della sorella di Napoleone è stato evidentemente realizzato con il linguaggio neoclassico: pur mantenendo la somiglianza con la nobildonna, Canova riesce a divinizzare la sua bellezza e ad accostare a questa bellezza estetica la passione, l emozione e le virtù del mondo classico. Il triclinio su cui la donna è adagiata, nasconde un ingranaggio che permetteva alla scultura di ruotare e quindi di essere apprezzata da tutte le possibili angolature. Monumento funebre a Maria Cristina d Austria autore: Antonio Canova titolo: Monumento funebre a Maria Cristina d Austria data ubicazione: Vienna, Augustinnerkirche laterale della chiesa agostiniana che la ospita, si presenta con una piramide, all interno della quale una mesta processione porta le ceneri della defunta. Il medaglione in cima alla struttura riporta il bassorilievo della defunta, portata in volo dalla Felicità Celeste. Tutto attorno alla piramide, la donna è onorata dalle sue virtù: la Fortezza, infatti, è rappresentata dal leone (a destra), la Beneficenza dalla donna che guida l infermo (a sinistra); infine, il genio alato posato sul leone rappresenta la tenerezza del suo sposo (sempre a destra). Elemento centrale di questo Il monumento celebrativo fu commissionato a Canova dal duca Alberto di Sassonia per ricordare sua moglie, l arciduchessa Maria Cristina, nel La composizione, che si trova all inizio della navata

10 Francesca Marchetti 5P 23/09/2011 NEOCLASSICISMO Pagina 10 di 10 corteo, che si muove su due gradini, è costituito dall allegoria della pietà, che porta l urna con le ceneri dentro l edificio, circondata da due bambine. Il corteo avanza su un drappo molto leggero con la funzione di risaldare ed illuminare i personaggi; lo stesso drappo ha un ulteriore funzione di passaggio tra l entrata e lo spazio esterno e, quindi, tra la vita terrena e l aldilà. Il vero intento di Canova, oltre alla celebrazione di Maria Cristina, è quello di sollecitare la meditazione sulla fatalità della morte: mantenendo intatti tutti gli schemi classici, l artista riesce ad inviare un messaggio conforme alla sua epoca, ossia una visione della morte laica, che non prevede una continuità dopo la vita, ma intravede nel ricordo dei propri cari l unico espediente per garantire la sopravvivenza.