Sandro Botticelli Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi Madonne Accademia Neoplatonica Cosimo de Medici

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1 Sandro Botticelli Sandro Botticelli, vero nome Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, è stato un pittore italiano. Dal 1464 al 1467 lavorò come apprendista presso la bottega di Filippo Lippi. A quel periodo si possono ricondurre molte delle sue Madonne, uno dei soggetti privilegiati dal giovane Botticelli. Quello di Botticelli può considerarsi un talento precoce. Già a 26 anni il giovane artista riuscì a mettersi in proprio per aprire una bottega tutta sua. Negli anni Settanta del Quattrocento, Sandro Botticelli si avvicinò ai principi dell Accademia Neoplatonica, istituzione fondata da Cosimo de Medici, patriarca della storica famiglia fiorentina. L Accademia giocò un ruolo chiave nel definire la filosofia rinascimentale, con la riscoperta degli autori del mondo classico, della mitologia greca e di una rinnovata concezione dell uomo, posto nuovamente al centro dell universo. La vita di Sandro Botticelli cambiò bruscamente con la caduta dei Medici e la presa del potere del frate Girolamo Savonarola nel L artista mise da parte i soggetti mitologici per dedicarsi all arte sacra. Benché considerato dai fiorentini un artista di riguardo, negli ultimi anni di vita Botticelli cadde in disgrazia. Le sue opere persero valore, surclassate da quelle di Michelangelo e Leonardo, assolutamente innovative e rivoluzionarie per l epoca. Botticelli morì nel 1510, isolato e in povertà. I suoi capolavori vennero completamente dimenticati per oltre tre secoli, per essere riscoperti solo nell Ottocento.

2 Adorazione dei Magi L Adorazione dei Magi realizzata intorno al L opera una tempera su tavola originariamente si trovava nella chiesa di i Santa Maria Novella, in particolare nella cappella della famiglia del Lama. A commissionare l opera fu il banchiere Gaspare di Zanobi del Lama, che face realizzare anche la cappella in Santa Maria Novella. La famiglia Medici, che proteggeva sia il banchiere che il pittore, è rappresentata nell opera. I tre Magi che rappresentano le tre età dell uomo sono Cosimo il Vecchio e i suoi figli Pietro e Giovanni. Vediamo inoltre Lorenzo il Magnifico e Giuliano. Sono presenti anche altri personaggi, molto importanti per la Firenze medicea: Giovanni Pico della Mirandola, Agnolo Poliziano e Botticelli stesso, in un autoritratto, nel gruppo di persone sulla destra. L opera degli Uffizi ci mostra alcune caratteristiche stilistiche del Botticelli maturo: qui infatti, egli dimostra di aver raggiunto il tratto sciolto e vigoroso che lo caratterizza. Anche i personaggi, con la loro aria malinconica ma allo stesso tempo fiera, danno un tono di meditazione fiabesca che ritroviamo in opere più note. Botticelli introdusse nell Adorazione dei Magi la visione frontale della scena.al centro ci sono le figure sacre, che qui risultano in posizione rialzata rispetto agli altri. Ai due lati si trovano gli altri personaggi, disposti in maniera simmetrica. Tale disposizione sarà ripresa anche da Leonardo da Vinci

3 Annunciazione di Cestello L Annunciazione di Cestello è un dipinto a tempera su tavola che venne realizzato nel per la cappella della famiglia Guardi nella chiesa del monastero di Cestello in Pinti. Il quadro si trova agli Uffizi dal Nel 1986 è stato restaurato. L opera rappresenta il momento in cui l angelo arriva da Maria. Lo notiamo dal suo velo, ancora sollevato. La Madonna stava leggendo, ma si volta verso l uomo. I due si scambiano degli sguardi profondi. L angelo porge alla giovane un giglio bianco: è il simbolo della purezza. Le due figure sono rappresentate dinamicamente, entrambe colte nel corso di un movimento. La scena si svolge in un interno, che si apre su un paesaggio fortemente ispirato alla pittura fiamminga dell epoca. Sono presenti un fiume e due castelli, collegati da un ponte. Botticelli dipinse quest opera in un periodo in cui era forte in lui l influenza di Girolamo Savonarola ( ). Lo notiamo soprattutto dalla drammaticità che traspare dai due protagonisti del quadro.

4 Madonna col Bambino e santi Realizzata per la chiesa di San Barnaba intorno al Trasferita all'accademia nel Agli Uffizi nel Pala di San Barnaba Si tratta di una sacra conversazione impostata attorno all'alto trono marmoreo della Vergine col Bambino, sul quale si trova una conchiglia, simbolo di Maria/nuova Venere, e un baldacchino scostato da due angeli. Altri due li affiancano in un gioco di ritmi e simmetrie, e mostrano al Bambino i simboli della Passione, quali la corona di spine e i tre chiodi della Croce. Maria ha un'immagine dolce e affettuosa, leggermente allungata e longilinea. Si avverte una sottile tensione nei personaggi, che venne maggiormente evidenziata nelle opere successive. Più marcato è inoltre il plasticismo, delle figure, l'uso del chiaroscuro e l'espressività è accentuata. In basso, su un pavimento a dischi marmorei in prospettiva, si trovano sei santi suddivisi in due gruppi di tre. Da sinistra si riconoscono santa Caterina d'alessandria, con la ruota dentata con cui ha ricevuto il supplizio prima della decapitazione, Sant'Agostino che scrive le confessioni, San Barnaba con il ramo d'ulivo con cui pacificò i primi apostoli e il vangelo di san Matteo, san Giovanni Battista, Sant Ignazio di Antiochia riconoscibile dal cuore in mano che gli fu estratto dagli aguzzini. Spiccano per originalità la figura smagrita del Battista e quella di ideale bellezza giovanile del san Michele in armatura.

5 Allegoria della Primavera L Allegoria della Primavera è la celebre e amata opera del grande Botticelli fu dipinta tra il 1477 e il per Lorenzo di Pierfrancesco dei Medici, appartenente al ramo cadetto della potente famiglia fiorentina e cugino di Lorenzo il Magnifico. L opera è densa di significati allegorici di difficile e incerta interpretazione. Tra le ipotesi più accreditate, c è quella dell interpretazione del regno di Venere: a destra Zefiro (dal viso bluastro) insegue Flora e la feconda con un soffio. Flora si trasforma allora nella Primavera, che sparge i fiori sul mondo. Venere, al centro, rappresenta l Humanitas (cioè la benevolenza) che protegge gli uomini. A sinistra le tre Grazie danzano e Mercurio dissipa le nubi. Da un punto di vista pittorico la Primavera è un opera raffinatissima. I dettagli naturalistici del prato (si contano centinaia di tipi di fiori), l uso sapiente del colore, l eleganza delle figure, la poesia dell insieme, hanno reso giustamente celebre quest importante ed affascinante opera. A parte le varie interpretazioni possibili e proposte dai vari studiosi, rimane sicuramente il significato umanistico dell opera: Venere si identifica con l Humanitas che separa i sensi e gli amori materiali (a destra) dai valori spirituali (a sinistra). Per Humanitas si deve intendere quella particolare concezione che promuove l ideale di un umanità positiva, fiduciosa nelle proprie capacità, e sensibile ai bisogni degli altri. Tale concezione di origine antica venne fatta propria dagli umanisti rinascimentali e dal circolo neoplatonico che gravitava intorno alla corte dei Medici. La concezione del bello e dell amore ideale ed assoluto tipica del Neoplatonismo influenzò molto la cultura del tempo e lo stesso Botticelli.

6 La Nascita di Venere La Nascita di Venere è senza dubbio una delle opere d arte più famose ed amate del mondo. Dipinta da Sandro Botticelli tra il 1482 e il 1485, è diventata un simbolo della pittura del 400 italiano, densa di significati allegorici e richiami all antichità. Venere è ritratta nuda su una conchiglia sulla superficie del mare; a sinistra volano i venti con una cascata di rose, a destra un ancella aspetta la dea per vestirla. Nel prato si scorgono delle violette, simbolo di modestia e spesso usate per fare pozioni d amore. L opera si fa riferimenti alla famosa opera poetica delle Stanze di Agnolo Poliziano, massimo poeta neoplatonico della corte medicea. Vi si coglie quindi un significato filosofico legato al neoplatonismo: l opera rappresenterebbe la nascita dell Amore e della bellezza spirituale come forza motrice della vita. I Medici sono i committenti dell opera; dietro l interpretazione colta del dipinto si può leggere un ode alla famiglia fiorentina: l inizio del regno di Amore arriva a Firenze proprio grazie ai Medici e alla loro diplomazia e cultura. Eccezionali sono la tecnica e i materiali del dipinto. L opera è il primo esempio in Toscana di pittura su grande tela. Lo speciale uso di polvere di alabastro, inoltre, rende il colore luminosissimo e senza tempo.

7 Calunnia Realizzato intorno al 1495 per Antonio Segni. Agli Uffizi dal La complessa iconografia riprende fedelmente l'episodio originale, inserendolo all'interno di una grandiosa aula, riccamente decorata di marmi e rilievi dorati e affollata di personaggi. Il quadro va letto da destra verso sinistra: re Mida (riconoscibile dalle orecchie d'asino), nelle vesti del cattivo giudice, è seduto sul trono, consigliato da Ignoranza e Sospetto; davanti a lui sta il Livore (cioè il "rancore"), l'uomo con il cappuccio nero, coperto di stracci che tiene per il braccio la Calunnia, donna molto bella, che si fa acconciare i capelli da Insidia e Frode, mentre trascina a terra il Calunniato impotente e con l'altra mano impugna una fiaccola che non fa luce, simbolo della falsa conoscenza; la vecchia sulla sinistra è il Rimorso e l'ultima figura di donna sempre a sinistra è la Nuda Veritas, con lo sguardo rivolto al cielo, come a indicare l'unica vera fonte di giustizia. L'architettura mostra un ampio loggiato composto da pilastri con nicchie e archi a tutto sesto con lacunari; fregi dorati corrono sui plinti, nei lacunari, sulle basi delle nicchie e sopra di esse, con varie scene mitologiche; dentro le nicchie si trovano statue a tutto tondo di figure bibliche e dell'antichità classica: si riconoscono una Giuditta con la testa decapitata di Oloferne, dietro il trono di Mida e un cavaliere, forse Re Davide, nella nicchia centrale. Questa sintesi tra mondo classico e mondo cristiano rimanda alle meditazione umanistiche dell'accademia neoplatonica. Oltre gli archi si vede solo un cielo lontano e cristallino.