digital magazine ottobre 2013 n. 108

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1 digital magazine ottobre 2013 n. 108 Alias non alias

2 sommario turn on p. 4 Fennesz Anna Calvi tune in p. 8 Jackson C. Frank Raime Factory Floor Virginiana Miller Nancy Elizabeth Watain His Clancyness drop out p. 36 Nine Inch Nails The Smiths recensioni p. 80 rubriche p. 148

3 #108 ottobre Direttore Edoardo Bridda Ufficio Stampa Alberto Lepri Coordinamento promo Gaspare Caliri, Stefano Pifferi Progetto grafico e realizzazione Nicolas Campagnari A questo numero di Sentireascoltare hanno contribuito: Stefano Pifferi, Nino Ciglio, Stefano Solventi, Edoardo Bridda, Giulia Antelli, Marco Braggion, Tommaso Iannini, Enrica Selvini, Mario Ruggeri, Giulia Cavaliere, Fabrizio Zampighi, Andrea Forti, Teresa Greco, Antonio Laudazi, Antonio Pancamo Puglia, Daniele Rigoli, Massimo Rancati, Riccardo Zagaglia, Luca Barachetti, Luca Falzetti, Alessandro Liccardo, Alessandro Rabitti, Stefano Gaz, Diego Ballani, Marco Boscolo, Giulio Pasquali, Gaspare Caliri, Gianluca Carletti, Ilario Galati Copertina His Clancyness Guida spirituale Adriano Trauber ( ) SentireAscoltare // online music magazine Registrazione Trib.BO N 7590 del 28/10/05 Editore: Edoardo Bridda Copyright 2013 Edoardo Bridda. Tutti i diritti riservati. La riproduzione totale o parziale, in qualsiasi forma, su qualsiasi supporto e con qualsiasi mezzo, è proibita senza autorizzazione scritta di SentireAscoltare.

4 Un nuovo progetto unisce tre musicisti che non hanno certo bisogno di presentazioni come David Sylvian, Stephan Mathieu e Christian Fennesz. In esclusiva per SA, il chitarrista di Endless Summer ce ne racconta nascita e caratteristiche in occasione del tour italiano. Testo di Edoardo Bridda Fennesz The Kilowatt Hour Raggiungiamo Christian Fennesz prima via mail e poi al telefono per comprendere cosa dobbiamo aspettarci da The Kilowatt Hour, un neonato progetto che lo vede protagonista in trio assieme ad amici e collaboratori di lunga data come David Sylvian, uno che non ha certo bisogno di presentazioni e tantomeno di riferimenti al suo periodo neo romantico, e Stephan Mathieu, musicista eletroacustico piuttosto affermato e già culto tra gli appassionati del settore. La creatura è veramente nuova: il trio ha provato nei giorni immediatamente precedenti e suonato per la prima volta assieme al Festival norvegese Punkt lo scorso 7 settembre. Ed è la prima cosa con la quale dobbiamo fare i conti vista la labilità di confini e di dinamiche ancora tutte da tracciare e definire. Figuriamoci se il progetto è poi di quelli per loro natura aperti, avvolgenti, dronici e ambientali e grossa parte dell interazione tra i tre è affidata all improvvisazione. Difficile pertanto, anche solo conoscendo il chitarrista austriaco, aspettarci grandi discorsi filosofici. Soprattutto via mail dove Christian, che è una delle persone più affabili al mondo, probabilmente assorbito dalla seconda assoluta del progetto il 18 settembre alle Officine Grandi Riparazioni di Torino, non ha intenzione d investire molto tempo. Decidiamo quindi di sentirlo al telefono, già che lo abbiamo conosciuto e intervistato tanti anni fa (era il 2004) a Bologna prima dello show al Link in via Fioravanti, per scavare più in profondità e conoscere quanti più dettagli possibili riguardo allo stato delle cose del The Kilowatt Hour. Innanzittutto si tratta di un progetto che ancora non ha finalità di pubblicazione alcuna. E ancora troppo presto per pensarci ma sicuramente se le cose procederanno bene come stanno procedendo questa sarà la più logica delle conseguenze afferma il chitarrista, che così evade la domanda più ovvia e classica in questi casi. Lo incalziamo sul nome dato al progetto dato che il Kilowatt-hour è di fatto un unità di misura. Avete per caso utilizzato formule o equazioni matematiche gli chiedo? E lui non proprio e poi il mio approccio è troppo intuitivo per una 4

5 cosa del genere. Niente teorie o concetti dunque. Qui si suona e semmai le energie le potrà misurare l audience sentendo l estemporanea interazione sonica dei tre più che scafati musicisti. Il trio baserà la performance su un unica traccia di circa un ora e un quarto, apprendiamo. Stephan si prende cura delle frequenze più basse creando una base di atmosfere aperte per il piano di David Sylvian e le elettroniche e le mie parti di chitarra afferma l austriaco. Quindi un approccio che, mail alla mano, democraticamente si gioca un 50/50 tra improvvisazione e parti preparate. La domanda è retorica ma la faccio ugualmente. E il canto? David non canta ma ci sono degli spoken word registati che compariranno nel flusso. Sono basati su poesie e scritti di Franz Wright. Inoltre ci sono dei visuals, immagini concrete e/o astratte presentate grazie a un maxi schermo di cui il trio è piuttosto soddisfatto. Chiedo a Christian della strumentazione, anche se la sua già la conosciamo da anni (chitarra, laptop e pedali). Stephan invece si presenta con zither, e-bow, mixer e laptop. David Sylvian, infine, è al piano e al laptop. E quanto basta per creare una grossa massa avvolgente, per dirla nelle parole di uno Stephan Mathieu recentemente intervistato dal Punkt Festival. L aspetto interessante che apprendiamo dalla nota stampa ufficiale è che Sylvian parla di un ritorno a Plight and Premonition e Flux and Mutability, ovvero ai suoi dischi con il Can Holger Czukay. Fennesz trova che entrambi i progetti abbiano un approccio simile, anche se è innegabile, dal suo punto di vista, la differente natura del sound, anche soltanto per l interazione in trio piuttosto che in duo. Di sicuro, il prodromo di quest avventura è Wandermude, un album pubblicato a inizio anno sull etichetta personale di Sylvian, Samadhi Sound, al quale hanno lavorato sia l ex Japan, sia Stephan Mathieu con cameo, nell ultima traccia, da parte di Fennesz stesso. Eppure, specifica il chitarrista, quel progetto, che è un re-work dell album Blemish, è nato e si è sviluppato per corrispondenza. Dal vivo, veramente, i tre hanno provato nei quattro giorni precedenti alla prima assoluta al Punkt, festival di settore, di grandi fan dei nostri specifica Christian, dove i musicisti hanno attivato dinamiche inedite e avventurose che il chitarrista ha definito, nel comunicato apparso sul sito ufficiale dedicato al progetto, come tuffarsi nell acqua gelata. La serata del robot festival (24 settembre), che con The Kilowatt Hour inaugura la sesta stagione e conclude il tour di cinque date iniziato alle Officine Grandi Riparazioni di Torino (Mito Festival), e proseguito all Alcatraz di Milano, al Teatro Massimo di Pescara (21 settembre) e all Auditorium Parco della Musica di Roma (22 settembre), sarà probabilmente quella che presenterà lo stato più avanzato dell affiatamento di questi splendidi musicisti. Chiudiamo al telefono con Christian chiedendogli del nuovo lavoro solista. Ci sta lavorando dice. Ha suonato recentemente proprio con Mahieu nel ruolo inedito di batterista, lui che come batterista ha iniziato la carriera per poi dedicarsi a quel mix di elettroniche e analogiche che lo hanno reso famoso nell ambiente elettronico. Sicuramente vuol tornare a collaborare con Steven Hess, ospite nel suo ultimo EP Seven Stars, primo lavoro a introdurre le percussioni in una sua produzione. Sto lavorando con alcuni batteristi ma non sono sicuro che finiranno nel mio prossimo lavoro. Quello che ti posso dire è che uscirà per Editions Mego nel E che non ci saranno grossi stravolgimenti. E sempre importante assorbire nuove influenze ma per me è giunto anche il momento di concentrarmi sui miei fondamentali e scavare ancora più a fondo. 5

6 La songwriter Anna Calvi, in occasione della data milanese al Teatro Franco Parenti, ci racconta la genesi di One Breath. Testo di Enrica Selvini Anna Calvi L amore per gli estremi Roger Deckker La incontriamo nella hall dell albergo dove alloggia in vista del concerto, ma anche delle sfilate della settimana della moda milanese. Minuta, senza età, con un velo di trucco e i suoi classici pantaloni a vita alta, Anna Calvi è tanto garbata quanto timida e schiva: l unica cosa che l accomuna con la carismatica songwriter che da lì a poche ore apprezzeremo sul palcoscenico del Teatro Franco Parenti di Milano è il suo magnetismo naturale, unito a un aria enigmatica, sognante, a tratti distaccata. Non è difficile intuire che, nonostante si sforzi di farlo al meglio, questa non è la parte del lavoro che più la fa sentire a suo agio. Sono passati poco più di due anni dall omonimo esordio, che l ha consacrata astro nascente della musica d autore indipendente europea. One Breath è il suo secondo album, nato sotto la supervisione di John Congleton e registrato in poche, intense settimane presso i BlackBox Studios, in Francia; un lavoro, questo, che si affida a meno collaborazioni eccellenti, fatta eccezione per John Baggott (Portishead) alle tastiere. A tarda sera, dopo aver assistito allo show, i presenti tra cui Giorgia Poli, un tempo bassista per Scisma e ora alle prese con John Parish, e un rapito Umberto Maria Giardini non potranno che convenire sul fatto che questo nuovo ingresso abbia aggiunto un tassello importante in quello che si presenta come uno dei live più attesi degli ultimi tempi, accolto con incredibile calore dal pubblico in sala. Sapresti dirmi quali sono, secondo te, le maggiori differenze tra il tuo primo album e il nuovo One Breath? Ho voluto sperimentare diverse trame sonore nel nuovo disco, con più forza rispetto al passato. Ho fatto in modo che la chitarra rappresenti, 6

7 a tratti, il culmine emotivo della canzone. C è più incisività, credo, anche nell uso della mia voce: ho capito di poterla usare in modi molto diversi per sottolineare le emozioni che si nascondono dietro ogni canzone, così da rendere le atmosfere il più particolari possibile. Amo gli estremi. Suoni sgraziati, e poi sublimi, rumore e melodia. A proposito delle atmosfere, si è detto che è stato un album ispirato dalla depressione, eppure emana una grande forza Quello è stato un fraintendimento di NME. Sicuramente la scrittura del disco è coincisa con un periodo terribile della mia vita. Non si tratta di depressione, ma volevo che questo disco esprimesse, in parte, quelle sensazioni di disperazione e rabbia, ma anche di liberazione. È come ti ho detto, mi piacciono gli estremi. Cosa cambia nel nuovo tour? Sarà la stessa band che è sempre stata, con Mally Harpaz ad harmonium e percussioni e Daniel Maiden-Wook alla batteria, ma avremo un tastierista con noi sul palco. È stato Brian Eno a suggerirti John Baggott per gli arrangiamenti di tastiera in studio? Com è andata? Brian mi ha suggerito un paio di nomi che potevano essere in linea con la mia musica. Ho scelto John perché amo molto le atmosfere dei Portishead; devo dire che ha funzionato molto bene. Per quanto riguarda la fase di scrittura, come avete lavorato? Ho scritto e arrangiato i brani, c è voluto molto tempo. Poi, quando siamo andati in studio, c è stata una ricerca molto intensa sulle atmosfere e sui suoni. Volevo che ruotasse tutto intorno alle atmosfere. Lavorare insieme non è sempre semplice, devi mostrarti di buon umore e accettare suggerimenti e modifiche. Però credo di esserci riuscita e quello è stato il momento più divertente. Parliamo della tua amicizia con Brian Eno è corretto dire amicizia? Si, assolutamente. Brian è stata la prima persona che ha avuto in mano tutto il primo disco, che mi ha aiutato a scegliere un produttore, che mi ha incoraggiato ad andare avanti, che si è seduto ad ascoltare il lavoro completo, brano dopo brano. È stato incredibile, per me. Come ti ha scovata? Ho suonato nel locale di un suo amico e lui gli ha parlato di me. Pensi che ci sia una qualche affinità tra la tua musica e la sua? Più in generale, negli articoli che ti riguardano si parla spesso del tuo amore per grandi artisti del passato, da Edith Piaf a Maria Callas e Debussy. Qual è la connessione che senti, se c è, tra il tuo lavoro e quello dei tuoi artisti di riferimento? Vedi, quando penso alla musica dei grandi, è come vedere una fessura, una porta aperta, e subito dopo un muro enorme. Credo che la connessione tra qualsiasi genere di musica siano le emozioni, quello che una canzone ti fa sentire. Artisti che hanno una personalità tale da riuscire a trasmetterla alla loro musica, come Edith Piaf o Maria Callas. Ecco, si, credo che la musica debba saper trasmettere emozioni che trascendano i testi, o almeno questo è quello che mi interessa. La Mer di Debussy, per esempio, non si limita a parlare del mare è il mare. PJ Harvey, Siouxsie, e mi verrebbe da aggiungere la prima Goldfrapp. Sono molte, e brave, le musiciste donne a cui sei stata associata. Ti senti vicina a qualcuna di loro in particolare? È buffo. Mi accomunano a moltissime grandi artiste ma molte di loro non le ho praticamente mai ascoltate. Come spenderai il tuo tempo a Milano? Andrò ad alcune sfilate. La prossima è Gucci. Amo molto l Italia e, forse a causa delle mie origini, quando vengo qui o a Roma mi sento a casa. Credo che mi rilasserò un po. 7

8 Ascesa e caduta di Jackson C. Frank, uno dei migliori folk-singer dimenticati degli anni '60. Testo di Giulia Antelli. Jackson C. Frank Blues Run The Game Di artisti sepolti dall inesorabile polvere del tempo è piena la Storia. La lista è lunga, ma basta poco per vedere che, a volte, il destino restituisce almeno un po di quello che si è preso. Altre volte, invece, succede che il mito e la leggenda si creino negli anni a venire, quando la sorte beffarda decide di consegnare direttamente ai posteri la fama e il successo mai goduti in vita. Giusto per fare un paio di esempi, potremmo citare due personaggi il cui percorso ha finito per tracciare eccezionali parabole musicali ed umane, ovvero Sixto Rodriguez e Nick 8

9 Drake, entrambi simboli di quel gioco spietato che, spesso, fa in modo che la musica diventi il risultato tanto delle logiche commerciali quanto dell amara ironia dell esistenza. Tuttavia, ci sono altre vite, altri musicisti, altri uomini, che, semplicemente, sono stati toccati soltanto dall oblio, e allora può volerci solo il caso o la fortuna per fare in modo che si possano riscoprire fantasmi perduti. Ed è qui che entra in scena il protagonista di questa storia, Jackson C. Frank, the most famous folksinger of the 1960s that no one has ever heard of. Catch a boat to England, maybe to Spain Jackson Corey Frank nasce il 2 marzo 1943, nella gelida cittadina di Buffalo, stato di New York. Dopo aver trascorso l infanzia in Ohio e dopo aver mosso già da bambino i primi passi nel mondo del canto, si trasferisce assieme alla famiglia di nuovo nella periferia suburbana di New York, questa volta a Cheektowaga. È qui che, a soli undici anni, comincia la vicenda umana e musicale del cantautore, segnata tanto dalla tragedia quanto da un amore profondo e incondizionato per la musica folk. A scuola, durante una lezione di musica, avviene un esplosione all interno di una delle aule, che uccide gran parte dei compagni e ustiona Jackson su oltre il cinquanta per cento del corpo. Costretto a passare i mesi successivi su un letto d ospedale, è qui che avviene il primo, salvifico, incontro con la chitarra acustica, che lo porterà ad avvicinarsi al rock and roll, in particolare ad Elvis Presley. Leggenda vuole che il Re in persona, alcuni anni dopo, abbia guidato il giovane musicista alla scoperta di Graceland, anche se è già presente in Frank una grande passione per il folk, in particolare per l old time music e i vecchi traditional della Guerra di Secessione. Poco tempo dopo, con il ragazzo al college e ormai deciso a lasciar perdere la carriera di musicista, accade qualcosa un ennesimo scherzo del destino che stravolge gli eventi. Dopo dieci anni, infatti, Frank riceve il risarcimento per l incendio di Cheektowaga: oltre 100 mila dollari, una somma più che ingente anche per l epoca il 1964 che gli permette, appena ventunenne, di saltare su una nave diretto verso l Inghilterra. Il viaggio, per molti versi, segnerà in modo irreversibile non solo la carriera, ma anche tutta l esistenza del cantautore: è qui che, a bordo della Queen Elizabeth, nascono la melodia e le parole di Blues Run The Game, il suo pezzo più celebre. Un brano che lui stesso descrisse come un racconto sulla mia vita e il mio stato d animo di quel periodo : in altre parole, la storia di un ragazzo troppo giovane intrappolato nel suo passato e con molti soldi in tasca, ma anche uno dei capolavori più sottovalutati della tradizione folk anni 60. Arrivato in Inghilterra nel pieno della Swingin London con mezzi economici praticamente illimitati, Frank si inserisce immediatamente nella scena musicale del periodo. Dopo poche settimane, avviene l incontro che, musicalmente parlando, gli cambia la vita. Grazie ad un amica in comune, conosce un duo folk newyorchese di stanza a Londra, il cui album di debutto, Wednesday Morning, 3 A.M., uscito appena un anno prima, è stato essenzialmente un flop. Si tratta di Paul Simon e Art Garfunkel. Il successo planetario di Sound Of Silence sarebbe arrivato qualche mese dopo, ma a quell altezza i due erano, allo stesso modo di Jackson, giovani musicisti che tentavano di far fortuna nella terra madre del folk. Dopo aver ascoltato una manciata di canzoni, Simon decide immediatamente di produrre l esordio del ventiduenne di Cheektowaga. Registrato in meno di tre ore nei CBS Studios di New Bond Street, Jackson C. Frank segna il punto di partenza, ma anche di arrivo della carriera del cantautore: dieci canzoni inserite perfettamente nella tradizione del 9

10 classic folk inglese, dove minimalismo acustico e crepuscolarismo blues si fondono per dare vita ad un disco che, in poco più di trenta minuti, si trasforma in una sorta di testamento non solo musicale, ma anche e soprattutto umano. Dall archetipo folk di Blues Run The Game, passando per i toni di protesta di Don t Look Back ispirata, pare, a un omicidio a sfondo razzista nell Alabama di quegli anni e gli echi traditional di Kimbie, Jackson C. Frank si colloca, suo malgrado, all interno di un genere che esprimerà tutte le sue potenzialità solo negli anni a venire (pochi, per la verità). A ben guardare la situazione dell epoca, infatti, l Inghilterra si trova nel pieno della Beatles-mania e non stupisce che il pubblico, ancora, non sia pronto per le pacate atmosfere acustiche che caratterizzeranno il resto del decennio. Scarno, lirico ed essenziale come pochi altri lavori, il qui presente è un album diviso tra due culture, quella americana e quella inglese, debitore tanto alla lezione dei vecchi menestrelli blues ascoltati durante l infanzia, quanto alla poetica ineluttabilità del folk britannico. La stessa che avrebbe influenzato un altro capolavoro del genere, Pink Moon. Pare che Nick Drake conoscesse molto bene il lavoro di Frank, tanto da riprenderne alcuni brani, e, a suo modo, anche lo stesso genio disperato e la stessa tragica esistenza. Un percorso che li accomunerà sotto molti punti di vista, anche se per Drake la sorte sarà un po più benevola, benché solo dopo la sua morte: se Pink Moon è la pietra miliare che tutti conosciamo oggi, forse è anche grazie all esordio eponimo di Frank, grazie a quella scrittura sempre tesa nel tentativo di esorcizzare i propri fantasmi, di curare, inutilmente, le proprie cicatrici. Le stesse che, fin da bambino, Jackson cercava di cancellare dal corpo e dall anima, con brani che riflettono sia la desolante quiete della disperazione (I Want To Be Alone), sia l amara consapevolezza per la fine di una relazione (You Never Wanted Me). Ai tenui arpeggi della chitarra si accompagna una voce profonda, quasi baritonale, e tuttavia in grado di esprimere una disincantata innocenza, come ad esempio nel blues spettrale di My Name Is Carnival o nell armonia non-sense di Just Like Anything. Un debutto che, inconsapevolmente, costituirà per il musicista inizio e fine di una carriera mai davvero cominciata, ma allo stesso tempo incredibile e senz altro degna di una accurata riscoperta. The blues are all the same Sul cammino musicale del personaggio, si può aggiungere poco altro. Assieme a un paio di ristampe Jackson C. Frank Again del 1978 e la raccolta Blues Run The Game del , gli esiti commerciali della breve discografia di Frank si riducono all apprezzamento di un pubblico fin troppo ristretto, o meglio, quasi inesistente. Tutte le uscite, debut compreso, sono accolte da una generale indifferenza, anche se, a Simon And Garfunkel, si aggiungono altri ammiratori illustri tra cui Sandy Denny, Bert Jansch, John Renbourn, Roy Harper e Al Stewart. In pochissimo tempo, inoltre, gli insuccessi professionali portano Frank al declino personale: la morte del figlio, prima e il conseguente divorzio dalla moglie Elaine Sedgwick (cugina, peraltro, della più nota Edie) poi, lo riducono nel giro di qualche anno all ombra di se stesso, talmente disperato da decidere di tornare a New York nel vano tentativo di ritrovare Paul Simon e finendo invece a dormire sulle strade di Manhattan. Si aggrava anche la depressione che lo perseguita fin dall incidente di Cheektowaga, al punto da essere ricoverato in un centro psichiatrico con la diagnosi di schizofrenia paranoide. In sostanza, una lunga parabola discendente, che culminerà, nel 1994, con la perdita dell occhio sinistro, a causa di un colpo partito da una pistola ad aria compressa usata da un gruppo di ragazzini. 10

11 Legacy A quattordici anni dalla morte, avvenuta per arresto cardiaco il giorno dopo il suo cinquantaseiesimo compleanno, Jackson C. Frank può ancora essere considerato come uno dei miglior cantautori dimenticati degli anni 60. Se nel corso degli anni, schiere di musicisti hanno riscoperto e rivalutato la sua musica giusto per fare qualche nome, basti pensare a Mark Lanegan, Robin Pecknold dei Fleet Foxes e Laura Marling, ma perfino a degli insospettabili Daft Punk, che hanno riutilizzato I Want To Be Alone nel film musicale del 2006 Electroma -, ad oggi l eredità che lascia è per molti ancora nascosta, e, per certi versi, oscura. Per il 17 settembre è prevista una ristampa del vinile del primo disco, fino ad ora praticamente introvabile, tramite l etichetta 4 Men With Beards, mentre per la primavera 2014 è atteso un box set contenente brani inediti e demo, via Ba Da Bing. Unico erede legale di tutto il materiale di Frank è Jim Abbott, un uomo residente nell area di Woodstock che, a metà anni 90, scoprì il nome del musicista grazie ad una dedica fattagli su un disco da Al Stewart - To Jackson, all the best, Al Stewart. Abbott ha ritrovato Frank in uno dei momenti peggiori della sua vita e ha cercato di rilanciarne la carriera facendolo emergere dalle nebbie della depressione: l incontro tra i due è un altro esempio di come tutta la vita del musicista sia stata scandita da continui momenti di ascesa e caduta, da perenni tentativi di risalire la china dell insuccesso. A differenza di Nick Drake, però, il Nostro non è riuscito a far sì che il mondo si accorgesse del suo immenso talento, nemmeno dopo la sua morte: vale perciò la pena raccontare la storia di un artista che, con un solo album, ha ridefinito i canoni di un genere, anticipando di diversi anni ciò che il pubblico avrebbe accolto solo in seguito. Un mito avvolto in egual misura dalla leggenda e dall oblio, un eroe byroniano che lascia dietro di sé un capolavoro purtroppo ancora dimenticato, ma senz altro imprescindibile. 11

12 Hanno suonato live lo scorso giovedì 5 settembre 2013, alla Sala Vanni, all'interno dell'atteso Nextech Festival fiorentino i due produttori Joe Andrews e Tom Halstead in arte Raime. Per l'occasione abbiamo scambiato due parole sulla loro musica, sul futuro e sull'importanza del live. Testo di Stefano Pifferi Raime Coldest Ever Cold Sarà un caso, ma uno dei primi risultati in italiano appena si googla il termine Raime è il sito di una società campana che si occupa di refrigerazione industriale. Simpatica coincidenza se si considera l alto potenziale del duo inglese, le cui composizioni raffreddano sino alla stasi algida una elettronica visionaria, isolazionista e post-industriale che sulle prime sembra essere in linea con questa nuova moda da dancefloor alternativo. Nelle musiche di Joe Andrews e Tom Halstead c è però la negazione del ritmo, c è la dilatazione e la frammentazione della wave più oscura e post-punk i Cabaret Voltaire, influenza dichiarata, ma anche i misconosciuti (ma non a SA) Ike Yard, non a caso remixati proprio dai due e l uso evocativo e disturbante di una elettronica che sfrutta le frequenze basse per impor- 12

13 re stati di alterazione e proporre visioni distopiche della realtà contemporanea (vedi anche alla voce Throbbing Gristle). Ad una triade di EP che creò l attesa facendo crescere il nome anche al di fuori dei confini di genere e a un album, Quarter Turns Over A Living (per la Blackest Ever Black), che li ha confermati maestri nel materializzare incubi metropolitani a forti tinte soundtrack nutriti con materico dubstep ed elettronica di stampo dark-industrial e rivomitati in forme disossate e scheletriche, ha fatto seguito una intensa attività live. Non solo dj-set, stando a quanto si dice nella chiacchierata che segue, ma veri e propri concerti in cui la densità del suono Raime si manifesta nelle sue forme più disturbanti e occlusive, tanto che chi ha avuto modo di vederli ne parla come di esperienze totalizzanti in cui industrial, dub, ambient, drone, minimalismo tribale ed echi (ecatombi) jungle trovano la loro applicazione rigorosa e insieme devastante. In occasione del live fiorentino al Nextech (giovedì 5 settembre 2013, ore 21.15, alla Sala Vanni), abbiamo scambiato due parole con Joe Andrews e Tom Halstead. La vostra musica è cinematica e visionaria, anche se oscura e minacciosa. Sembra la versione notturna del Michael Douglas de Un giorno di ordinaria follia. L ordinario che mostra il suo lato inquieto, la minaccia che giace sul rovescio della medaglia della quotidianità. Quanto c è di cinematografico nella musica dei Raime? Quando componiamo musica pensiamo all ambiente. Arriviamo sempre ad un punto in cui ci domandiamo quali atmosfere un certo pezzo arriverà a creare e, in quel momento, c entra molto il descrivere le cose in maniera fisica, tangibile. Anche la letteratura è importante per noi, perciò il cinema ci rientra in qualche modo. Abbiamo avuto molti feedback da persone che descrivono la nostra musica come visiva perciò non ho dubbi che ci sia qualche suggestione simile. Ovviamente questo sta a significare che la musica tocca la gente in molti modi. Cosa ci dite dei vostri film preferiti? E delle relazioni tra il cinema e i vostri gusti musicali? Entrambi amiamo i film che vadano oltre i tradizionali livelli di lettura, che è un po ciò che accade con la musica. Anche se i nostri gusti sono abbastanza ampi, un film che ci ha molto colpiti è stato The Piano Teacher di Micheal Haneke. Questa nuova onda di musica eletronica sembra essere molto più affine all isolazionismo anni 90 che al classic 4/4, più industrial-oriented che basicamente techno. Voi avete sorpreso un po tutti col vostro suono disidratato e minimale. C è e, se c è, qual è il futuro per questo tipo di sonorità? Credo che il futuro stia nel continuare a creare relazioni tra l avanguardia e la dance music. È un momento positivo per questo tipo di musica underground. Questa combinazione tra strutture astratte e quelle più pratiche della dance music sta aprendo molte possibilità e opportunità per forme nuove e per nuove modalità espressive, per la tensione che questo clash riesce a creare. Che poi è la tensione tra caos e ordine. Siete fan di gruppi come Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire e Pan Sonic. Che ruolo hanno avuto nel vostro background musicale? Certo che siamo fan di queste band, soprattutto i CV. Torniamo a ciò che dicevamo sopra: esse sono la perfetta combinazione di caos e struttura. Non sono le uniche ad averci influenzato, ma alcune delle tante. Non fate ricorso ad un immaginario pagano o esoterico come alcuni dei prime movers dell area grigia o come band come Demdike Stare fanno oggi. La vostra musica è urbana, le sensazioni umane, eppure lo spaesamento creato è così estremo Credo che l ambito urbano sia quello che ci 13

14 ha sempre ispirati, non perchè lo preferiamo all occulto ma soltanto perché è ciò che ha contribuito a creare le atmosfere più stimolanti in musica. La freddezza e il distacco generati dall immaginario urbano sono forse per noi più minacciosi poiché riflettono la natura della realtà, piuttosto che il terrore del soprannaturale. La realtà circostante ci è sempre sembrata più impressionante. Da dove viene questa nuova, vecchia, fascinazione per il dancefloor? Noiser e artisti postindustrial sembrano aver scoperto un nuovo mezzo di espressione. Questi due ambiti si stanno riavvicinando perchè utilizzano entrambi simili idee, soltanto espresse in forme diverse. Internet ha contribuito a cambiare il modo in cui le persone usano e consumano la musica e ha offerto una incredibile circolazione delle idee. Ciò è avvenuto anche in passato, ma mai con tale portata. È normale oggi scoprire e ascoltare così tanti tipi diversi di musica che i gusti si stanno allargando, tanto che la musica prodotta è altrettanto nuova. Sembra molto più naturale che le idee diventino reti di relazioni, piuttosto che elementi esclusivi. Cosa mi dite delle basse frequenze? E delle connessioni con alcuni stati della mente? Credo che le basse ferquenze offrano una esperienza più meditativa, che ci affascina perchè cerchiamo sempre di sviluppare le cose lentamente. La natura del nostro materiale potrà cambiare in futuro, ma non credo che abbandoneremo i sub. Sono terribilmente soddisfacenti. Sappiamo che date molta importanza alla differenziazione tra dj-set e live. Parlateci del live al Nextech: strumentazione, synth, visuals. I visuals sono molto importanti nelle vostre musiche Sì, i visuals sono parte fondamentale nel nostro lavoro e ci teniamo a curarli con attenzione. Una cura che va di pari passo con la ricerca musicale, 14

15 tanto che speriamo che la sinergia audio-video funzioni e venga ben recepita dalla audience. La società che ha girato il film, la Dakus Films, ha lavorato molto e il risultato ci sembra ottimo. Abbiamo avuto una parte importante nel processo creativo, che è stato un grosso impegno, anche se avevamo ben chiaro cosa volevamo rendere visivamente. Direzioni future? Qualche interesse per reiterazioni e modulazioni alla, per fare un nome caldo, Factory Floor? Beh, non vorremmo rivelare troppo. Diciamo che stiamo cercando un modo per svilyppare il nostro suono e le nostre idee. Ti anticipo che ciò potrebbe significare usare il ritmo in maniere diverse. Stiamo per rientrare in studio e cominciare a sperimentare, poi vedremo quel che succederà. 15

16 Tre art rocker da North London riprendono in mano l'eredità DFA e la attualizzano con sperimentazione, synth ed elettroniche metronomico kraut, rimpolpando il vuoto che si era creato in questi ultimi anni nella scena dance rock. Un esordio che potrebbe aprire molte porte. Testo di Marco Braggion Factory Floor Factory come Warhol. Floor come dance C è una nuova via rock al ballo, nei festival internazionali, per sconfiggere la melancolia di XX, Weeknd o Blake? Un po di sano sballo post-punk electro minimalista? La risposta giusta sembrano averla in tasca tre ragazzi di North London, che rispondono al nome di Factory Floor e il cui esordio lungo è sembrato, con il passar degli anni (alla faccia dell hype), una vera e propria chimera. Il primo embrione del gruppo nasce nel 2005, in pieno disorientamento Noughties. Inizialmente formata da Gabriel Gurnsey e Mark Harris, la band britannica si consolida con l arrivo di Dominic Butler. Dopo poco Harris esce e viene sostituito da Nik Colk (aka Nik Colk Void), già nei KaitO. Gabe alle ritmiche, Dom ai synth e la Colk alla voce e chitarra. Una macchinetta da guerra che sforna poche uscite, ma che ad ogni tassello del mosaico aumenta l hype. I primi due singoli sono di marcata derivazione new wave (Bipolar e Planning Application del 2008), come pure il primo mini Talking On Cliffs (2009). Poi l ingaggio con la Blast First (nella collana Blast First Petite) per qualche 12 pollici e altre 16

17 chicche in formati underground sparse qua e là aumentano l hype e cambiano il suono facendolo virare sul lato dancey machine. Il prosieguo è già storia contemporanea. Il gruppo manda infatti un CD a Stephen Morriss (Joy Division / New Order) con la richiesta di un remix. Dopo aver trattato Wooden Box, il guru dark-synth si mette a produrre le loro uscite. La notorietà sale quando escono su Optimo (con R E A L L O V E) e sulla mitica DFA con Two Different Ways. Per chiudere il lungo biglietto da visita, le collaborazioni con Chris Carter e Cosey Fanni Tutti dei Throbbing Gristle, con Mark Stewart (ex Pop Group), la residency al prestigioso Institute for Contemporary Arts di Londra e l EP Beachcombing con il compositore americano Peter Gordon (amico del compianto Arthur Russell). Lo stile dei tre musicisti si rifà all eredità industriale britannica, all art rock e al post punk e mescola tutto questo magma con la musica da ballo chic della DFA, pur mantenendo un identità mutante che prescinde e nel contempo attinge dalla Storia in maniera intelligente, restando sempre a un passo di distanza dal plagio. Il 9 settembre è uscito il loro primo album omonimo: ritmiche ossessive, pezzi lunghi (dai 6 agli 8 minuti) creati con synth, 808 e altre drum machine che aiutano a costruire una formula ipnotica, fatta di echi, pad acidi e suoni che ricordano il sampling midi d oltreoceano, illuminato dalle estetiche minimaliste, dalla prima rivoluzione technoide di Detroit e dalle frequentazioni arty degli artisti newyorchesi (no wave in primis). Un ponte Londra-NY che si rivela fruttuoso, ricco di idee semplici ma efficaci e che dal vivo non può che trovare la sede privilegiata. La loro musica si connette senza sbavature con il macchinico mitteleuropeo kraftwerkiano, inserisce la qualità della sperimentazione, prova a sfondare su palchi diversi dal dancefloor (ricordiamo la performance alla Tate londinese) e buca sorprendentemente un panorama dance-rock che ha detto poco di nuovo dopo Juan MacLean. Una rivoluzione? Potrebbe essere Ci potete raccontare brevemente come vi siete incontrati? Ci siamo incontrati a Londra e abbiamo capito di avere un approccio simile nel comporre musica. La prima volta che abbiamo provato, abbiamo realizzato di aver acceso qualcosa di interessante. Il vostro album di debutto è influenzato da molte fonti. A mio avviso, le più significative sono il minimalismo americano (Steve Reich e Arthur Russell, specialmente nei loop di percussioni e nella traccia vocale di One) e le texture jack/house/acid. Vi piacciono questi suoni? Li avete presi come punto di riferimento o avete considerato altro, all inizio? Siamo tutti fan di Arthur Russell e degli artisti coinvolti in quella scena, come Peter Gordon, Lizzy Mercier e Laurie Anderson. Ci piacciono i suoni che usavano e gli elementi ritmicodance dei loro pezzi. Inconsciamente abbiamo preso qualcosa dal feeling di quei brani come punto di partenza. Lasciando perdere le macchine, un altra influenza grossa è il suono dark dei Joy Division e dei Cure. Perché avete utilizzato quelle atmosfere? Come vi siete connessi a Stephen Morris? L elemento dark della nostra musica viene dal fatto che volevamo inserire suoni primitivi e molti dei suoni che finiscono nei nostri pezzi sono istintivi, quindi non sono propriamente dark. Li definirei più primitivi. Ho letto che l album è stato registrato nel vostro spazio a North London, su un banco mixer che è stato usato anche per registrare le hit degli Eurythmics. Cosa ne pensate della mossa retrò dei Daft Punk? Non abbiamo una connessione con i Daft Punk, né con il loro approccio alla musica, né con il loro suono. Le influenze dal passato sono inevi- 17

18 tabili quando componi musica. Il fatto è che devi imparare dal passato, portando le idee più in là e non semplicemente riproponendole. Siete stati mixati da Timothy Q Wiles, un produttore losangeliano che ha collaborato con VCMG, Erasure e Afrika Bambaataa. Com è stato farsi mixare da un produttore esterno al gruppo? Vi è piaciuto il risultato finale? Non abbiamo mai incontrato Q di persona. Prima di sentire le tracce eravamo un po nervosi, ma lui ha capito totalmente il nostro suono e ha dato spazio a tutti e tre i componenti del gruppo nel mix. Quando abbiamo sentito il mix finale, siamo stati entusiasti. Ho sentito una connessione forte (non chiedetermi il perché) anche con i Velvet Underground, forse per qualche affinità con la voce di Nico e subito dopo ho pensato che questo album, magari in futuro, potrà essere usato come installazione nei musei e nelle gallerie d arte. Avete mai pensato di suonare in luoghi d arte (ho letto che avete già suonato al The Tanks, uno spazio sotto la Tate Modern)? Nik e Dom hanno un legame forte con i VU e Nik è un fan di Nico, quindi sicuramente la connessione c è. Suoniamo in spazi artistici (come abbiamo fatto per la nostra ICA residency), nei club e nei festival. Il nostro suono sembra poter trascendere le tipologie di spazi e luoghi e questo è un altro modo di sperimentare. In uno spazio artistico siamo più liberi di sperimentare, ma l energia dei festival e delle folle danzanti ci da comunque feedback per quello che facciamo. Più di qualcuno sta ipotizzando che questo sentiero arty sia il nuovo modo di promuovere gli album e la musica. Penso, ad esempio, all ultimo video di Lady Gaga (Applause) e all aumento di interesse che suscitano le mostre d arte sugli artisti pop. Pensate che il problema fondamentale, per gli artisti contemporanei, sia la politica del vendere musica? O è ancora un modo per parlare di qualcosa di diverso dalla qualità musicale? Non c è motivo che i confini tra arte e musica non debbano essere poco definiti. Almeno per lasciare possibilità di innovazione alla musica! La musica e il suono sono solo medium diversi. Se sono creati e suonati in modo onesto e sono importanti per uno spazio artistico, perché non proporli in quel contesto? Ma se gli artisti usano il crossover fra arte e musica come specchietto per le allodole, per noi sono falsi. Avete collaborato anche con componenti dei Throbbing Gristle e Cabaret Voltaire, e con artisti visual come Haroon Mirza e Hannah Sawtell. Com è stato lavorare con artisti così diversi? Siamo stati disponibili alla collaborazione fin dall inizio. Ogni incontro è stato come aprire una porta in una nuova stanza, dove puoi sperimentare e aggiungere qualcosa in più al tuo bagaglio di conoscenze. Ci è piaciuto molto lavorare con queste persone. È un modo per imparare nuove discipline, serve ad espandere gli orizzonti. Restando un attimo su Throbbing Gristle e Cabaret Voltaire, quanto siete indebitati con la cultura e i suoni industrial? I suoni industrial sono quello che tutti sperimentiamo ogni giorno! Passano inevitabilmente nel subconscio. Il disco è in qualche modo una meditazione sul ritmo. È costruito con tracce brevi che si incollano a quelle più lunghe. È un concept album su arte e ballo? Pensavo a tutto questo dopo aver riletto il vostro nome: Factory (come lo studio di Warhol) e Floor (come dancefloor). È un modo stupendo di interpretare il nostro nome! E hai perfettamente ragione. Non abbiamo iniziato a scrivere il disco con l idea di renderlo concettuale. Volevamo solo costruire 18

19 un album che riflettesse il nostro amore per la sperimentazione sonora e la volontà di far ballare la gente! Ci potete dire qualche nome di artisti che vi piacciono e che state ascoltando? Fuck Buttons, East India Youth, Daniel Avery, Forward Strategy Group, Land Observations. Suonerete in Italia o in Europa? Sì, abbiamo in programma un breve tour europeo dal 9 ottobre. Ci piace molto venire in Italia e ci torneremo. Ci siamo divertiti molto lo scorso anno. Si dice che stiate lavorando ad un nuovo album Ci piacerebbe lavorare a un nuovo disco, ma prima dobbiamo promuovere questo dal vivo e spingere sul suono. Nessuno sa come suonerà il prossimo. 19

20 La band toscana, che è appena tornata con Venga il regno, sesto album di inediti di una storia discografica lunga e importante, ci racconta del regno che verrà, del passato perduto e delle grandi bellezze che sono proprio dietro l'angolo. Testo di Giulia Cavaliere Virginiana Miller Sous les pavés, la plage. Ancora. Franco Catalucci Nell ultimo anno abbiamo sentito parlare di loro soprattutto per l ultimo film di Paolo Virzì tratto da La generazione, primo romanzo del loro frontman Simone Lenzi, autore, insieme al resto della band, del brano omonimo per la colonna sonora Tutti i santi giorni, vincitore del David di Donatello per la Miglior canzone originale. Dopo un secondo libro uscito per Contromano Laterza in maggio (Sul lungomai di Livorno) Lenzi, insieme ai suoi Virginana Miller, ha scritto un nuovo disco pronto ad uscire in settembre a distanza di tre anni dall ultimo ottimo Il primo lunedì del mondo. Ascoltiamo il nuovo album Venga il regno nel centro esatto dell estate, in quel momento i primissimi giorni di agosto che precede la fuga generale e che si consuma in giorni afosi, umidi, asfittici. Lo ascoltiamo prevalentemente quando la notte si fa mattina, su un balcone o camminando per strada tornando a casa, nel vuoto totale della 20