Chiara Lella D Aberton - Appunti storia dell arte Pagina 1 di 5

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1 Chiara Lella D Aberton - Appunti storia dell arte Pagina 1 di 5 Monet & Renoir Monet Oscar-Claude Monet, indiscutibilmente riconosciuto come il più impressionista degli Impressioni, nasce a Parigi il 14 novembre 1840 i muore il 16 dicembre 1926 a Giverny, un piccolo e tranquillo villaggio agricolo a Ovest della capitale, nella valle della Senna. Di origini familiari assai modeste, trascorre le propria fanciullezza a Le Havre. Fin da giovanissimo si dimostra assai versato nel disegno e così gli viene data la possibilità di trasferirsi a Parigi per frequentare una scuola d arte. Nel 1859 giunge dunque nella capitale e nonostante le assicurazioni date in famiglia, egli non si iscrisse mai a regolari corsi accademici. Nel dicembre del 1862 a Parigi conosce Pissarro, Degas, Renoir e altri impressionisti e continua a preferire all'insegnamento accademico la pittura en plein air e le stimolanti di sperimentazione sulla luce e sulla percezione dei colori. Nel 1908 Monet dedica un intenso soggiorno a Venezia, città che lo entusiasmò enormemente. Adiacente alla sua casa di Giverny, nella quiete della campagna, si era fatto costruire un delizioso giardino -da lui stesso progettato- al fine di avere a portata di mano un frammento rigoglioso di natura dal quale farsi suggerire atmosfere e sensazioni sempre nuove e diverse. Parte essenziale del giardino era il laghetto delle ninfee, realizzato addirittura facendo deviare il vicino torrente Epte. Nel giardino, oggi trasformato in un ridente museo all'aperto, sono ancora visibili le stesse qualità di piante ed essenze che l artista scelse e curò personalmente, affinché non vi fosse stagione dell anno senza fioritura. Scrive al riguardo Monet in una specie di monologo sull'essenza della propria arte: Ho dipinto tante di queste ninfee, cambiando sempre punto d'osservazione, modificandole a seconda delle stagioni dell'anno e adattandole ai diversi effetti di luce che il mutar delle stagioni crea. E, naturalmente, l'effetto cambia costantemente, non soltanto da una stagione all'altra, ma anche da un minuto all altro[ ] l'acqua, essendo un soggetto così mobile e in continuo mutamento è un vero problema[ ]. Un uomo può dedicare l'intera vita a un'opera simile. Impressione, sole nascente. Fin dal celebre dipinto Impressione, sol nascente, che diede poi il nome all'intero movimento impressionista, le tematiche di Monet appaiono già perfettamente delineate. Il dipinto, realizzato nel 1872, inizialmente non aveva titolo e quando, in occasione dell'esposizione del 1874 nello studio di Nadar, gli chiesero che cosa scrivere sul catalogo è allora Monet che ricorda: dato che ovviamente non poteva passare per una vista di Le Havre, risposi: Scrivete Impressione. Non vi è alcuna traccia di disegni preparatori e dunque il colore è dato direttamente sulla tela, con pennellate brevi e veloci. Egli non vuole più descrivere la realtà ma vuole cogliere l'impressione di un attimo, diversa e autonoma rispetto a quella dell'attimo immediatamente precedente e di quello successivo. L'uso giustapposto di colori caldi (il rosso e l'arancio) e freddi (il verde azzurrognolo) rende in modo estremamente suggestivo il senso della nebbia del mattino

2 Chiara Lella D Aberton - Appunti storia dell arte Pagina 2 di 5 attraverso il cui manto si fa lentamente strada un sole inizialmente pallido, i cui primi riflessi aranciati guizzano sul mare, evidenziati con straordinaria incisività da pochi e sapienti tocchi di pennello. I papaveri Ne i papaveri, dipinto nel 1873 e oggi conservato al Musée d Orsay di Parigi, Monet vuole trasmetterci con vivace immediatezza il senso di allegria e tenerezza procuratogli dall'osservazione della moglie Camille e del figlioletto Jean che passeggiano fra l'erba alta e i papaveri. A una prima lettura vediamo un insieme di colori, ma man mano che ci si allontana l'opera prende visione in maniera concreta. Ecco allora che dal verde indistinto del campo egli fa emergere delle brillanti picchiettature di rosso che i nostri occhi interpretano subito come papaveri, conferendo al paesaggio una nota di serenità e freschezza. Donne in giardino Quest opera mette in risalto gli aspetti tipici di Monet, tra qui anche la realizzazione all aperto. Le figure femminili compaiono in diverse pose attorno all albero. Questa rappresentazione diventa un pretesto per rappresentare gli effetti di luce tanto studiati dall artista. La luce, che è filtrata dagli alberi e dagli ombrellini, per Monet è vita. Giocando con la luce e con il colore e utilizzando una tecnica basata sull accostamento dei colori puri, stesi sulla tesa con grevi tocchi di pennello, Monet crea immagini luminosissime e riesce a fermare in maniera scientifica un istante fugace, come l occhio in quel momento lo ha percepito. L artista rimase così affascinato da questi studi che punterà tutta la sua vita artistica nello studio del colore e riverserà la sua attenzione nel registrate un istante delle infinite potenzialità della visione. Cominciò a lavorare per cicli di opere cioè ritornando di continuo sullo stesso soggetto e in diverse ore del giorno e in diverse stagioni dell anno. Alcune tele della serie la cattedrale di Rouen

3 Chiara Lella D Aberton - Appunti storia dell arte Pagina 3 di 5 Tra il 1892 e il 1894 l'artista, sempre più entusiasmato dai problemi della luce e dalle sensazioni di colore, si dedica alla celebre serie di 50 tele dello stesso formato che ritraggono in maniera scientifica la facciata della Cattedrale di Rouen. Il punto di ripresa è quasi sempre lo stesso e quel che cambia sono solo le condizioni oggettive di luce, a dimostrazione di come uno stesso oggetto possa essere sufficiente a destare infinite e sempre nuove sensazioni. L'artista dipinge la facciata dalla finestra della medesima stanza d'affitto e da una bottega vicina in diverse condizioni climatiche (sole, pioggia, nebbia) e a diverse ore del giorno in due successivi soggiorni. Monet è del tutto indifferente all'arabescata struttura architettonica della costruzione gotica. Egli, infatti, si concentra esclusivamente sul gioco di luci e ombre che il sole produce sulla superficie della facciata, reso efficacemente dall utilizzo dei soli colori puri. Ogni giorno, nota stupito al riguardo, aggiungo e scopro qualcosa che non avevo ancora visto. Lo stagno delle ninfee Nello stagno delle ninfee, dipinto nel 1899, l'artista rappresenta il ponte giapponese che si era fatto costruire all'interno del giardino. La luce verdastra, schermata dalle morbide chiome dei salici piangenti, genera una sensazione di placida frescura, alla quale si somma quella originata dall'acqua dello stagno, punteggiata qua e di là dallo sgargiante affiorare di ninfee in fiore. L'atmosfera che ne deriva è quasi quella di una fiaba, nella quale la realtà non sussiste altro che come pretesto per dar voce e colore allo sconfinato mondo delle sensazioni dell artista. In ciascuna delle tele di Monet si riconosce sempre la volontà di parlare di un soggetto senza mai

4 Chiara Lella D Aberton - Appunti storia dell arte Pagina 4 di 5 descriverlo, preferendo alla fredda certezza dei contorni dell'evanescente mutabilità dell'impressione. Renoir Pierre-Auguste Renoir nasce a Limoges il 25 febbraio 1841 e muore per attacco cardiaco il 2 dicembre Il padre, modesto sarto, si trasferisce a Parigi in cerca di fortuna quando il figlioletto appena tre anni. La situazione economica della famiglia non è florida e a poco più di 13 anni Auguste viene messo a fare l'apprendista presso la bottega di un decoratore di porcellane. Ed è così che si manifesta la sua precoce attitudine artistica. Nel 1862 entra alla Scuola di Belle Arti frequentando i corsi tenuti da Charles Gleyre, un pittore presso il quale conobbe alcuni di quelli che sarebbero stati i suoi principali amici, primi fra tutti Monet, con cui avrebbe condiviso le interminabili discussioni al Café Guerbois e le prime esperienze di pittura en pein air. Non diversamente da quanto accadeva a quasi tutti gli altri esponenti del gruppo impressionista, la maggior parte delle sue opere continuava a essere preferibilmente respinta piuttosto che accettata dalle esposizioni ufficiali. Nel 1881 l'artista si reca in Italia, fino ad allora conosciuta soltanto attraverso gli artisti italiani del Louvre e le descrizioni entusiaste degli amici che l'avevano già visitata. Viaggiando tra Palermo, Napoli, Roma e Venezia, Renoir rimane profondamente colpito dalla dolce violenza dei colori mediterranei, sempre saturi e squillanti. Nei primi anni del Novecento Renoir è ormai stimatissimo e affermato anche livello europeo. Purtroppo iniziano a manifestarsi anche i sintomi di una particolare malattia reumatica che, nel giro di pochi anni, lo porterà alla paralisi completa degli arti inferiori e alla semiparalisi di quelli superiori. Se per Monet era importante l insieme delle immagini e il paesaggio, per Renoir è importante la figura. Monet usa pochi colori dati a pennellate orizzontali, individuando le zone di luce e di ombra con bruschi cambiamenti cromatici. Renoir, invece, adotta una pennellata più minuta, frammentando la luce in piccole chiazze di colore. Moulin de la Galette È un dipinto abbozzato en plein air e successivamente ultimato in atelier ritraendo tra gli altri anche amici e conoscenti che posavano per Renoir. La scena ritratta è quella di un ballo popolare all'aperto ambientato al Moulin de la Galette, un vecchio mulino abbandonato posto sulle alture di Montmartre, il pittoresco quartiere settentrionale di Parigi. All interno del mulino vi è un bar, luogo alla moda dove i giovani parigini usavano ritrovarsi. Ancora una volta ritroviamo in un quadro impressionista la tipica spontaneità ragionata, una spontaneità studiata e ricreata in atelier e quindi in un certo senso falsa. Realizzato nel 1876 fu esposto l'anno successivo alla terza esposizione impressionista, l'ultima alla quale Renoir partecipò. Dall osservazione di questa rappresentazione di un momento spensierato di vita parigina si intuiscono i rumori, i suoni, il vociare delle persone, il loro piacere per la conversazione e gli atteggiamenti dei vari personaggi. Tramite un uso nuovo e libero del colore l'artista cerca di suggerirci non solo il senso del movimento, già di per sé difficile, ma addirittura lo stato d'animo collettivo e la gioia spicciola d'un pomeriggio di festa. Forme e colori diventano così un tutt'uno. La composizione non ha un centro focale e la linea dell orizzonte è molto alta. L ambiente è occupato da tante figure che danzano sovrapposte. I molti personaggi tagliati conferiscono spazialità e spontaneità all opera. Tramite la giustapposizione di colori blu e gialli e l utilizzo di pennellate rapide e mosse Renoir ha realizzato i riflessi della luce del sole che filtrano tra le foglie degli alberi e che poi vengono riflessi da volti, vestiti, pavimento.

5 Chiara Lella D Aberton - Appunti storia dell arte Pagina 5 di 5 Colazione dei canottieri Al 1881 risale un altro capolavoro del periodo impressionista la colazione dei canottieri, forse l'ultimo prima del viaggio in Italia. Il dipinto rappresenta una colazione al ristorante La Fournaise a Chatou, un villaggio sulla Senna a poca distanza da Bougival. I frequentatori sono soprattutto sportivi che, dopo aver vogato in canoa, si concedono il meritato riposo, insieme ad amici e amiche che sono venuti ad accompagnarli. La scena è ambientata nella veranda del locale, dove i personaggi discorrono amabilmente fra loro dopo aver mangiato assieme. Quello dei canottieri è evidentemente un pretesto per l'ennesima rappresentazione en plein air, che egli abbozzò dinanzi agli stessi tavolini ancora ingombri dei resti del pranzo, fra i commenti degli amici le risate delle ragazze. La luce filtra dal tendone e inonda la scena dei riflessi rosati, ai quali fa da contrasto cromatico lo sfondo verdastro della vegetazione palustre. L'attenzione di Renoir si concentra soprattutto sui colori, dalla cui sapiente giustapposizione prendono corpo i volumi e la prospettiva. I volti delle ragazze sono tratteggiati per zone di colore: le labbra, gli occhi, il naso, i cappelli, i cappellini. Non vi è traccia di disegno, ma le forme emergono egualmente, chiare e distinte. Ad alcune notazioni di un naturalismo sconcertante (quali ad esempio le briciole di pane o il tovagliolo bianco lasciato negligentemente sulla tovaglia) si contrappongono una composizione estremamente studiata e addirittura qualche libertà artistica che nessun realista si sarebbe permesso ( la frutta è tipicamente autunnale mentre la scena è ambientata in estate). Bagnante seduta Dal viaggio italiano del 1881 Renoir torna, come si è detto, profondamente mutato. Nella bagnante seduta del 1883 l'artista mostra di voler dare i contorni della figura, tornando a quella separazione tra personaggi e sfondo che era riuscito ad unificare brillantemente in passato. Verosimilmente egli esegue dei bozzetti en plein air degli scogli e del mare che vi si infrange contro spumeggiando. Una volta tornato a Parigi sovrappone al paesaggio ricostruito impressionisticamente una figura di bagnante dalle forme tornite. La definizione del corpo femminile avviene per campiture di colore larghe e uniformi. Il gioco di luci e di contrasti cromatici rimane limitato allo sfondo, mentre la bagnante si stacca da esso vivendo quasi di vita e di colori propri.