Martina Brusori 5P 15/12/2011 Renoir-De Nittis-Zandomeneghi - Pagina 1 di 5 MONET

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1 Martina Brusori 5P 15/12/2011 Renoir-De Nittis-Zandomeneghi - Pagina 1 di 5 Renoir De Nittis Zandomeneghi Donne in giardino, Musée D Orsey MONET La celebre tela dal titolo Donne in giardino del Museo D'Orsey a Parigi è stato dipinta da Monet nel Venne eseguita all'aperto, nel giardino dell'abitazione che l artista aveva preso in affitto nella periferia parigina utilizzando come unica modella la compagna Camille in atteggiamenti diversi. La sfida è duplice: si tratta, in primo luogo di lavorare en plein air, il che richiede di scavare una buca per terra per sistemarvi la tela in modo da lavorare la parte alta mantenendo lo stesso punto di vista; in secondo luogo, l'artista si cimenta in una tela di grande formato, abitualmente riservata alle composizioni storiche. Inoltre dipinge sempre nella stessa ora del giorno per avere le stesse condizioni di luce. Sceglie una giornata serena e un momento preciso in cui tutti i colori sono esaltati al massimo dalla luce del sole: dipinge, infatti, le ombre e le luci colorate, gli squarci di sole che filtrano attraverso il fogliame, i riflessi chiari in contorni sfumati nella penombra. I giochi di ombre e gli effetti di luce particolari sono ottenuti mediante la giustapposizione dei colori e pennellate veloci le quali evidenziano anche l intensità luminosa dell opera. Lo scopo di Monet è quello di cogliere le condizioni atmosferiche e i giochi chiaroscurali. Per Monet è fondamentale l'esattezza della visione di fronte alla natura e al momento rappresentato. La novità maggiore sta proprio nella trascrizione dell'effetto della luce all'aria aperta, e nella precisione delle qualità cromatiche.

2 Martina Brusori 5P 15/12/2011 Renoir-De Nittis-Zandomeneghi - Pagina 2 di 5 I colori dominanti sono il bianco degli abiti vaporosi delle donne investiti dalla luce solare e il verde dello sfondo. La siepe fiorita di fiori bianchi collega le figure luminose intorno all'albero centrale. Il dipinto è un omaggio alla femminilità secondo i valori ottocenteschi. Con quest opera Monet vuole rappresentare momenti di vita quotidiana: mette, infatti, in evidenzia il vero. Presentato al Salon, il quadro viene rifiutato dalla giuria che, oltre all'assenza del soggetto o della narrazione, deplora la pennellata simbolo di spregiudicatezza e di imperfezione. PIERRE AUGUSTE RENOIR Renoir nacque nel 1841 a Limoges, in Francia. La famiglia da cui proviene è di umili origini e il padre lo avvia all età di tredici anni a dei corsi serali di disegno, con l intento di farlo diventare un artigiano di qualità. Nel 1862 entra alla Scuola di Belle Arti, presso la quale fece le sue prime amicizie nel campo artistico, tra cui si distinse quella con il giovane Monet. Decise poi di compiere un lungo viaggio in Italia alla scoperta delle principali città della penisola che rappresenterà l occasione della crisi dell artista per quanto riguarda il suo passato da impressionista. Morì nel Renoir, come lo stesso Monet è uno dei maggiori rappresentanti del movimento Impressionista. La sua produzione artistica è espressione di una vera e propria gioia di vivere. Infatti, per l artista, la pittura rappresentava un vero e proprio piacere e un divertimento. Nonostante le caratteristiche principali della sua pittura in età giovanile si differenzieranno molto da quelle dell età adulta, alcuni elementi rimarranno costanti, come, ad esempio: l analisi della luce e dei giochi di colori che essa sa creare, l attenzione verso il colore e l uso di pennellate brevi e veloci, semplicemente accostate su tela. Il forte legame che lo univa a Monet lo portò a prediligere inizialmente opere a soggetto paesaggistico, ma solo successivamente, si orientò in modo deciso verso il genere in assoluto da lui prediletto: il ritratto o, più in generale, la rappresentazione di soggetti umani mirabilmente inseriti nel loro ambiente. Come gli altri esponenti del gruppo impressionista, anche le opere dello stesso Renoir furono oggetto di aspre critiche, soprattutto durante la fase giovanile, in cui si accusava l artista di usare colori troppo luminosi e, pertanto, volgari, di servirsi di pennellate spregiudicate, che lasciava pensare i critici artistici che si trattasse di lavori sommari e non rifiniti secondo le giuste regole accademiche. Il suo stile si modificherà in seguito al viaggio in Italia che Renoir affronterà al fine di perfezionare le proprie tecniche e ampliare le sue conoscenze, soprattutto per quanto riguarda l uso dei colori. Infatti, essendo un grande appassionato dei colori, il viaggio nella penisola gli consente di studiare in maniera più approfondita l uso di questi ultimi da parte dei grandi maestri italiani, quali Tiziano e Raffaello. Nella fase matura Renoir effettuerà alcuni cambiamenti radicali nella forma, nella scelta dei colori, che diventeranno più densi e solidi. Ritornerà,infine, seppur in maniera marginale al tradizionale disegno preparatorio.

3 Martina Brusori 5P 15/12/2011 Renoir-De Nittis-Zandomeneghi - Pagina 3 di 5 Le Moulin de la Galette, Musée d Orsey Questa tela venne abbozzata en plein air sulla collina di Montmartre e terminata in un secondo momento nell atelier. Il mulin de la Galette era un locale popolare frequentato da giovani, artisti e non, dove si andava a ballare all aperto e venne chiamato così per la vicinanza con un vero e proprio mulino che l artista dovette frequentare per realizzare l opera. L artista ha voluto fermare un momento spensierato della vita quotidiana ricreando questa atmosfera gioiosa. La scena ritratta è infatti quella di un ballo popolare ambientato all aperto in un pomeriggio festoso. La verità dell opera è sottolineata dalla presenza di alcuni amici del pittore come il giornalista Lhote, il gruppo di pittori seduti al tavolo in primo piano in compagnia del critico Georges Rivière e il pittore spagnolo Don Pedro Vidal che danza allacciato alla giovane Margot. L artista ritrae con immediatezza figure e gruppi di persone animando i loro atteggiamenti attraverso lo scintillio intermittente della luce. La composizione risulta priva di un centro focale, la linea d orizzonte è alta e l ambiente è occupato integralmente dalle figure danzanti: i personaggi ai bordi sono tagliati, facendo sembrare che lo spazio vada al di là della tela e suggerendo la continuità dell'azione oltre i limiti della cornice. La spontaneità dell opera si percepisce dalle pennellate rapide e dai colori puri che danno luminosità all opera. Una caratteristica predominante è, infatti, l intenso gioco delle ombre, originate dalla filtrazione della luce attraverso le foglie degli alberi circostanti (caratteristica prediletta dall autore) che determinano così una vibrazione cromatica talmente accentuata da disintegrare la materialità dei corpi. Il contrasto che crea l alternarsi delle zone buie con quelle di luce e, pertanto, l alternarsi dei colori scuri e freddi con quelli caldi, pervade la scena e ne determina la profondità prospettica. Attraverso l uso attento dei colori si possono intuire, infine, i suoni, la musica di sottofondo e il parlare che caratterizzano la festa. GIUSEPPE DE NITTIS Giuseppe De Nittis è stato un pittore italiano appartenente alla corrente artistica del verismo e dell'impressionismo. Nato a Barletta nel 1846, rimasto orfano sin dall'infanzia, De Nittis, dopo il suo apprendistato presso il pittore barlettano Giovanni Battista Calò, si iscrisse all'accademia di Belle Arti ma si mostrò disinteressato alle nozioni ed esercitazioni accademiche. Si trasferisce in Toscana dove studia la pittura destinata al vero e entra in contatto con i macchiaioli. Nel 1867 si trasferì a Parigi dove conobbe Degas e Manet e sposò due anni più tardi Léontine Lucile Gruvelle, che influenzerà notevolmente le scelte sociali ed artistiche del marito.

4 Martina Brusori 5P 15/12/2011 Renoir-De Nittis-Zandomeneghi - Pagina 4 di 5 Toccò il culmine della sua fama all'esposizione Universale di Parigi del 1874 dove espose undici delle sue tele(fu l unico artista italiano a parteciparvi) Colazione in giardino,barletta L opera, una delle ultime dipinte prima della morte, risale al Si riallaccia a un tema caro alla cultura impressionista, con evidenti richiami soprattutto a Colazione sull erba di Manet. Egli ritrae la moglie Léontine e il figlio Jaqcues in una tranquilla mattina d estate, entrambi raffigurati al tavolo della colazione, nel giardino di casa, con il terzo posto - quello dell artista stesso lasciato vuoto, come accadrebbe a chi volendo fare una foto, si allontana momentaneamente dal gruppo per poi ritornarvi al più presto. La composizione equilibrata e bilanciata, presenta un controluce che risalta il verde dell erba e il candore delle anatre che gironzolano per il giardino. La moglie, riservata e materna, appare completamente in ombra, mentre osserva con attenzione e dolcezza il figliolo, ritratto invece nella fanciullesca azione di offrire qualche briciola ai volatili. La tavola imbandita, con cristalli e porcellane, accende di luce la tela e rappresenta una vera e propria dimostrazione di virtuosismo tecnico di cui è dotato l autore. Nell insieme la scena rimanda a un tranquillo immaginario di vita piccolo borghese, lontano da passioni e dalla vita moderna. Il realismo è sottolineato dai gesti semplici; al contrario, le pennellate veloci hanno lo scopo di colpire l attimo in cui si vedono i riverberi di luce sulle posate che rendono il senso dell immediatezza. FEDERICO ZANDOMENEGHI Federico Zandomeneghi è stato un pittore impressionista italiano. Figlio d arte, studia prima all'accademia di Belle Arti di Venezia e poi a quella di Milano. Si trasferisce poi a Firenze dove entra in contatto con gli esponenti della cultura pittorica macchiaiola, tra cui Fattori. Parte improvvisamente nel 1874 per Parigi. È l'anno della nascita dell'impressionismo, con l'esposizione degli "indipendenti" rifiutati al Salon nello studio del fotografo Nadar. Dei tre italiani di Parigi, (con De Nittis e Boldini), Zandomeneghi è quello che ha avuto i legami più duraturi e profondi con l ambiente impressionista e post-impressionista, partecipando ininterrottamente dal 1879 a tutte le mostre del movimento. Egli amava ritrarre figure femminili colte in momenti di privata quotidianità, le quali non sembrano neppure accorgersi di essere ritratte, ma trattate con assoluta perizia nella luce e nei dettagli degli abiti e degli ambienti. La Parigi di Zandomeneghi non è la Parigi elegante, mondana e internazionale ma si racchiude nel quartiere bohèmien per eccellenza, Montmartre. I temi privilegiati dall artista sono incentrati sulle vedute urbane poiché offrono una visione della vita popolare. Piazza d Anversa, Galleria d arte(piacenza)

5 Martina Brusori 5P 15/12/2011 Renoir-De Nittis-Zandomeneghi - Pagina 5 di 5 Questo dipinto,compiuto nel 1880, rappresenta il quartiere di Montmartre (l artista amava, infatti, raffigurare questo quartiere). Il quadro, concepito secondo un meditato impianto prospettico, definito in profondità dalle due file parallele di alberi, descrive una situazione quotidiana di piccola borghesia: in un caldo pomeriggio primaverile, mamme e bambinaie portano a spasso bambini e neonati nel giardino urbano. Il dipinto venne esposto alla sesta mostra degli impressionisti, ma non ottenne il favore della critica, che giudicò banale il soggetto e irrisolta la forma. Vi è un esplicito richiamo a Degas, per la prospettiva occidentale ottenuta mediante il taglio fotografico. Lo stile pittorico si avvicina a quello di Monet: utilizza,infatti, macchie di colori accostati in sovrapposizione. La luce, il gusto di vivere e la felicità del colore sono i veri protagonisti del quadro. La singolare meditazione delle forme sembra quasi anticipare certi aspetti del postimpressionismo, procedendo per una strada tracciata e percorsa prima di lui da Renoir. Quest opera darà inizio a una nuova corrente artistica chiamata puntinismo.