The Square di Ruben Östlund recensione di Enrico Carli

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1 The Square di Ruben Östlund recensione di Enrico Carli Genere: commedia Durata: 142 min. Cast: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary Paese: Svezia/Germania/Francia/Danimarca Anno: 2017 Siamo tutti invitati a entrare nella piazza. Solo che a differenza di quanto recita la targhetta dell installazione (un invito alla solidarietà e alla fiducia), potremmo trovarci all interno di un quadrato nel quale i virtuosi sono lasciati soli a se stessi come chiunque altro. Il regista svedese Ruben Östlund, che in Forza maggiore aveva invertito l ordine delle priorità (il titolo, più che alla valanga, si riferisce alla fifa del protagonista), con sguardo distaccato e una buona dose di sarcasmo, preferisce inquadrare le risibili piccinerie della specie. La maniera con cui si mercanteggia sempre qualcosa, ivi compresi i buoni propositi, come manifesto della fumosità delle intenzioni e del loro disvelamento. La risata è quasi intertestuale, anziché rimandare però a un testo letterario rimanda al contesto dell arte contemporanea, e, pur essendo lo stesso Östlund l autore dell opera che nella finzione viene attribuita a un artista argentina (l opera The Square è permanente nella piazza di Värnamo), il regista sembra voler ammiccare a tutti coloro che guardano con sospetto all arte relazionale e al suo corredo simbolico. Non lo fa fino in fondo: perché l ingenuità con cui il curatore protagonista vuole crederci è probabilmente anche la sua, che è autore della sceneggiatura, eppure così come Christian annaspa tra le contraddizioni (che diventano virali per tramite della cattiva pubblicità e del cicaleggio che ne deriva) Östlund si rifugia nel grottesco per trasporre cinematograficamente una contemporaneità autoreferenziale che non potrebbe darsi altrimenti. Al di là della misantropia con cui questo genere guarda al mondo, c è forse un rigore morale svilito dalla stessa critica che pone a un etica frustrata e assurda quanto i suoi attori sociali. Che siano padri che smettono il ruolo di genitore con tutta l urgenza del panico (Forza Maggiore), o baby-gang che invertono i ruoli accusando il soggetto della rapina (Play), il condizionamento sociale e il suo intempestivo rilascio sono al centro dello sguardo dell autore, e in The Square la mostra d arte contemporanea mette proprio l accento su quest ultima parola. Che cos è il

2 contemporaneo? In alcune riflessioni intitolate proprio con questa domanda il filosofo Giorgio Agamben provava a darci una risposta: [ ] contemporaneo è colui che percepisce il buio del suo tempo come qualcosa che lo riguarda e non cessa di interpellarlo, qualcosa che, più di ogni luce, si rivolge direttamente e singolarmente a lui. Contemporaneo è colui che riceve in pieno viso il fascio di tenebra che proviene dal suo tempo. Ma facciamo un passo indietro: Christian (l ottimo attore danese Claes Bang), il curatore della mostra di arte contemporanea allestita presso il Palazzo Reale di Stoccolma, subisce un furto nei caotici giorni della première. Nel tentativo di recuperare gli oggetti perduti s imbarca in un impresa dai risvolti tragicomici, e trascura così il suo ruolo di supervisore, il lancio pubblicitario della mostra fa scandalo e lui non se ne avvede. Intanto il giorno dell inaugurazione si avvicina. Il focus sul mondo dell arte contemporanea si presta dunque non solo allo spaccato di elitarismo e denaro che gli gravita intorno, contrapposto a quello dagli onnipresenti mendicanti in cui Christian s imbatte in centro (ignavi e pretenziosi quanto i ricchi borghesi) e al quartiere criminale dov è situato il palazzo in cui va in cerca del suo cellulare, ma anche a un discorso che sconfina al di là del museo coinvolgendo la piazza di cui ognuno fa parte. La pubblica opinione, di fronte a dei valori diventati un mucchietto di polvere e macerie come i cumuli esposti in una sala del museo, più che respingere il provocatorio spot di lancio della rassegna (che ricorda molto da vicino quello delle merendine-meteorite di cui si è discusso in Italia), potrebbe forse fare ammenda delle sue stesse esplosive contraddizioni (anziché quadrato all interno della presunta integrità da cui guarda al resto del mondo). Il video lancio, infatti, spopola su internet, e poco importa della malafede degli ideatori che sopperiscono alle poche idee con la dissacrazione, la regola promozionale del bene o male, purché se ne parli è onorata. L opinione pubblica crea e distrugge, e spesso fa le due cose simultaneamente. Ma per fortuna Östlund non è esplicito, preferisce semmai svagarsi mentre il racconto si prende la libertà di diramare senza farsi sermone, alternando tensioni interiori (e conseguenti tentativi di riscatto) a siparietti corrosivi sulla commedia umana. Nel suo metodo di ripresa europeo c è tutta la distanza stilistica e ideologica dal campo e controcampo americano. Con l occultamento di alcune reazioni ottiene tensione e realismo, e alla maniera del nostro Sorrentino Östlund inserisce musiche elettroniche stilose (Justice, Fedde Le Grand) come commento musicale diegetico alla storia. Tra gli attori, oltre al già citato Claes Bang, sono degni di nota l americana Elisabeth Moss (la Peggy Olson di Mad Men) e lo scimmione Terry Notary, protagonista di una scena madre da antologia, costruita nella precedente riproposizione maxischermo dell antenato che darà una scossa di animalesca autenticità agli ingessati evoluti. Palma d oro al Festival di Cannes.

3 La ragazza nella nebbia di Donato Carrisi recensione di Enrico Carli Genere: thriller Durata: 127 min.

4 Cast: Toni Servillo, Alessio Boni, Lorenzo Richelmy, Galatea Ranzi, Michela Cescon, Lucrezia Guidone, Greta Scacchi, Jean Reno Paese: Italia/ Francia/ Germania Anno: 2017 Lo scrittore Donato Carrisi, alla sua prima regia, traspone il suo romanzo omonimo del 2015, e il risultato è buon prodotto di genere capace di avvincere lo spettatore nella sua fitta trama ricca di contenuti e sorprese. Convince di meno (anche questa è una sorpresa) Toni Servillo, che qui e là si fa prendere la mano e carica il suo personaggio con una recitazione drammatica poco naturale, soprattutto all inizio, quando lo vediamo a colloquio con lo psichiatra interpretato da Jean Reno. L agente speciale Vogel, incaricato di ritrovare la ragazzina Anna Lou, scomparsa nel paese di montagna Avechot, ha un metodo d indagine tutto suo, che consiste nel coinvolgere nel caso i media, con l intenzione di creare lo scompiglio necessario a spingere il responsabile del rapimento a commettere sciocchezze. E così, al di là del suo metodo, ci viene in mente la cronaca nera televisiva nazionale cui abbiamo assistito nel corso di questi anni, con tanto di ricostruzione in plastico (ce n è uno anche nel film) del luogo del misfatto e i molti opinionisti a riempire il palinsesto. Perché si sa, se c è l incidente ci si ferma a vedere, e questo atteggiamento umano è quello che sfruttano i media per l audience. Tematiche non nuove ma sempre attuali. Vogel è in questo senso un personaggio originale, si muove benissimo nell ambiente dello spettacolo e lo usa, e sul suo comportamento grava sempre l ombra del dubbio, mettendo lo spettatore nel ruolo di giudice morale che non sa se assolverlo o condannarlo (se il mondo va così, è davvero un male che si sappia come muoversi all interno dello show must go on?). E questa oscurità di fondo è nascosta in tutti i personaggi, dalle presunte vittime ai presunti colpevoli, anche con un guizzo da meta-racconto, quando il personaggio del professore Loris Martini (ben interpretato da Alessio Boni) dice in classe che i veri cattivi, in letteratura, sono tutti ambigui. Abbiamo tutti gli ingredienti e le atmosfere del buon noir, la critica sociale e, se non proprio l azione, un modo di procedere coinvolgente, con continui cambi di prospettiva tra l ispettore e il presunto colpevole, in modo da empatizzare con entrambi. Abbiamo una storia che inizia a cose già avvenute e un punto in cui tornare prima del balzo in avanti. Molti ingredienti stravisti nel cinema di genere, di rado tutti insieme. Carrisi è molto abile, e prima come ideatore della storia, nel tessere questa tela che ci acchiappa, nel creare delle atmosfere un po sospese, e nel rivestire gli spazi oltre la ragnatela con carta da parati un po retrò, che si rifà, come è stato ampiamente notato, a certo cinema americano, dai Coen a Lynch. Se qualcosa a lungo andare non funziona, nella maniera in cui questi richiami sono poi sviluppati nella trama, è uno strano assembramento di due modelli di thriller, quello italiano (il poliziesco di denuncia) e quello americano (l indagine sui generis killer-chesfidano-la-legge).

5 È anche percepibile, a livello tematico, la giusta volontà dell autore di creare, sempre per tramite del personaggio del professor Martini, dei cattivi riconoscibili, che hanno delle motivazioni inedite, più o meno recondite, più o meno indagate nel film, che siano il vizio della pesca o un venale peccato di sostentamento. Carrisi costruisce con cura e anche poesia questi retroterra, senza smettere di chiedersi, come i migliori detective visti al cinema e con la consapevolezza di quelli, cos è che conduce un uomo a commettere delitto. La passione, era la bellissima risposta che dava al quesito un personaggio del thriller argentino Il segreto dei suoi occhi, che La ragazza nella nebbia ricorda per la capacità di creare delle psicologie convincenti all interno di un disegno tutto sommato convenzionale. Come accennavamo sopra, il miscuglio, potenzialmente vincente, di thriller di genere europeo e hollywoodiano, giocato nell epilogo coi ritmi un po troppo sbrigativi di quest ultimo, accelera inverosimilmente un film che si era guadagnato la sua lentezza, lasciando alcune sequenze all immaginazione (spesso un bene, ma raramente in un meccanismo di questo tipo) per lo sfarzo di inanellare colpi su colpi di scena. Del resto oggi perfettamente adeguati a quella serialità che vuole concedersi l opportunità e il tornaconto di farlo ancora.

6 Blade Runner 2049 di Denis Villeneuve recensione di Enrico Carli Genere: fantascienza Durata: 163 min. Cast: Ryan Gosling, Harrison Ford, Robin Wright, Jared Leto, Ana de Armas, Dave Bautista Paese: USA Anno: 2017 Cominciamo da una supposizione facile (tanto più col senno di poi): nel proporre, dopo 35 anni, il sequel di un capolavoro di science fiction di questo calibro, è dato presumere che gli ideatori avessero ben poco da concedere all aggiornamento di velocità più azione richiesto dal pubblico odierno, trovando controproducente non solo scontentare i molti fan dell originale, ma anche tradire lo spirito del cult dell 82. Anche se pur sempre di affari si tratta, bisognava comunque usare un po di riguardo (il massimo del tatto sarebbe stato ovviamente non pensarci nemmeno, a un seguito). È dunque ragionevole supporre che, chiunque avesse dovuto prendere in mano il sequel del film di Ridley Scott (stavolta nelle vesti di produttore), sarebbe dovuto essere un regista con all attivo un curriculum che avesse convinto sia pubblico che critica, che si fosse già misurato con la fantascienza, e che l avesse

7 fatto con intenti seri. Chi meglio di Denis Villeneuve per rifare Blade Runner? Questa lunga premessa vuole portarci a una breve considerazione: il sequel di Blade Runner non avrebbe potuto essere che così. Senza voler attribuire più meriti di quelli che abbia a questo nuovo capitolo, ciò non significa che il sequel di Blade Runner non avrebbe potuto essere meglio di così. E non perché, necessariamente, fosse lecito aspettarsi di più (le aspettative sono per chi vuole che le cose rimangano come sono, appena appena aggiornate), ma perché Villeneuve sembra puntare a non offendere nessuno più che a riaggiornare un film che non aveva alcuna necessità (perlomeno artistica) di essere riproposto quasi sulla copia carbone del precedente. In maniera molto simile a un altro recente sequel come T2 Trainspotting che rifà qui la scena di Renton-sul-cofano, là rimanda, remixata, Born Slippy BR 2049 impiega troppo tempo a citare il già fatto piuttosto che a sviluppare tematiche e personaggi che avrebbero meritato un trattamento meno schematico e furbo. Come se non potesse darsi un sequel a ricambio generazionale che tralasci di riprendere scene e musiche iconiche del genitore. In un ottica priva dei filtri della nostalgia o meglio, della moda della nostalgia si potrebbe immaginare ben altro dispiegamento di forze creative, che mirano ad aumentare l universo fantascientifico di riferimento piuttosto che riproporne il modello. Più che di ossequioso rispetto, operazioni del genere sanno un po troppo di facile ammiccamento. Non erano necessarie le ambientazioni, il ritmo lento del noir fantascientifico, certe tematiche replicant-esistenzialiste, l androide ultima generazione cacciatore di androidi obsoleti e il tutto sommato buon soggetto di partenza per conseguire il mirabile intento di non replicare? È dunque parso necessario che i compositori (J. Jòhannsson, H. Zimmer e B. Wallfisch) riecheggiassero i Vangelis, che ogni tanto qualcuno, intenzionalmente o meno, sfondasse qualche parete (come dimenticare lo scontro attraverso le pareti di Rick Deckard e Roy Batty in BR di Ridley Scott), che manufatti in legno sostituissero gli origami, che qualche personaggio indossasse il guardaroba di qualcuno del film precedente e, non da ultimo, che sequenze madri fossero sulla falsariga di quelle già viste, con affine intento poetico. Omaggi dei quali si poteva fare a meno tanto più che, inseriti in una sceneggiatura che fa già del suo meglio per ricalcare i tempi e l incedere della precedente (lo script è del redivivo Hampton Fancher), abbondano e eccedono di tutto il peso della caduta di stile. Il talentuoso regista canadese osa ben poco, non corre il rischio di deludere fan, cinefili e grande pubblico, che in larga misura sa, anche se non l ha visto, che BR è un film di fantascienza lento. Si prende un paio di belle libertà d autore, organizzando i suoi spazi metafisici e riproponendo in altro universo finzionale quelle che in Arrival erano le maxi-navicelle aliene e che qui (stessa forma, stesso colore nero opalino ma mini dimensioni) sono una specie di hardware ad uso del produttore di replicanti Niander Wallace. Purtroppo quest ultimo è, anche se lo

8 vediamo incidere un addome nel presentarci la sua crudeltà, un cattivo ben poco incisivo (i suoi monologhi non aiutano ma anche Jared Leto lavora in maniera un po scontata), come anche la sua assistente che mena calci marziali e utilizza lame taglienti così come vuole il copione standard del perfetto braccio destro coi tacchi. Invece Ryan Gosling, qualificatosi in ruoli dove è richiesta la minima capacità espressiva, ogni tanto strafà e mostra una collera che si addice meno a lui che al replicante cui dà il volto. La sorpresa è invece il wrestler Dave Bautista, capace di dare profondità al suo personaggio nella sola sequenza in cui appare. Al netto dei suoi difetti e preso in sé (se fosse possibile farlo) Blade Runner 2049 non è un film insoddisfacente sul piano dell intrattenimento e della realizzazione. Come è stato ormai ampiamente detto, puntando unitamente a reggere il confronto col cult movie anni ottanta viene meno la sua necessità di essere.

9 Mother! di Darren Aronofsky recensione di Enrico Carli Genere: drammatico Durata: 120 min. Cast: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer Paese: USA Anno: 2017 Mother! arriva in sala con l eco dei fischi del pubblico del festival di Venezia. Darren Aronofsky sembra esserci abituato, Tutti i film di Darren sono stati fischiati ai festival ai quali sono stati presentati, dichiara in un intervista Jennifer Lawrence. E se alcuni si scandalizzano dello scandalo altrui, ne sono in seconda battuta più che soddisfatti e gridano al capolavoro; altri si uniscono al coro dei fischi e bocciano la deriva neobiblica del regista, che l abbiano capita o meno. I più moderati stanno sempre in mezzo: o si ama o si odia. Questo il panorama intorno all ultimo discusso film del regista di The Wrestler e Il cigno nero. Questa volta l autore fa ammenda della versione hollywoodiana vecchio stampo del diluvio universale (Noah, sua penultima fatica) e attualizza il vecchio testamento. Ma procediamo per ordine, la trama: un poeta di successo in crisi creativa sta cercando di ritrovare l ispirazione nella sua vecchia dimora andata in fiamme e in corso di ristrutturazione da parte della giovane moglie tuttofare. La casa è in una radura in mezzo al bosco, lontana da tutto e tutti, ma ecco che arriva un ospite inatteso (e poi un altro, e poi ) a portare nella storia qualche scossone e il quasi sempre benvenuto ulteriore mistero: chi sono i nuovi venuti, che cosa vogliono? (Tra parentesi, il mistero di partenza era: siamo nella veglia o nel sogno? Giacché la vicenda, dopo le veloci, enigmatiche sequenze introduttive che comprendono fiamme, corpi bruciati e auto-rigeneramento delle pareti della casa, inizia con la donna che si sveglia da sola nel letto). Se si potesse filmare il subconscio durante una notte particolarmente agitata e rivederlo da svegli, avremo più o meno il procedere di Mother! In questo senso il film è riuscito: è intenso come una di queste notti da incubo; ma purtroppo l autore insiste troppo sul piano allegorico, come se Freud o chi per lui stesse lì a spiegarci le situazioni contenute nel sogno mentre assistiamo alla registrazione (e un po come quando nei dvd si guarda il film col commento del regista). E siccome

10 quest incubo che codifichiamo non è in questo caso il prodotto del nostro sonno, la cosa può non risultare particolarmente interessante è risaputo che i sogni siano la cosa più barbosa da ascoltare, anche se chi li racconta ne prova evidentemente un certo gusto. Aronofsky dirige comunque bene, il suo incubo è più teso che tedioso, come già ne Il cigno nero si incolla alla soggettiva della protagonista per invischiare lo spettatore nelle percezioni liminali di una donna che sta avvertendo lo sconvolgimento in atto. Il film vuole infastidire e disturbare ma riesce in questo intento programmatico solo a metà, l altra metà soffre invece della ripetitività delle situazioni irritanti, esasperando così la visione più per l appesantirsi delle reiterazioni che per l effetto drammatico che queste vorrebbero ottenere. Si pensi ad altri inferni femminili, per esempio quelli di Von Trier (che segue da sempre il teorema ferradini prendi una donna trattala male), dove però la prospettiva di realtà non si riduce a quell unico personaggio mentre tutti gli altri sono strambi e sopra le righe (e devono sempre correre da qualche altra parte quando gli viene chiesta spiegazione dei loro atteggiamenti a dir poco bizzarri), ma anzi laddove è proprio la forte potenza (e violenza) della volontà altrui a far sì che le sventurate si ritrovino ad essere vittime sempre più inermi e lo spettatore, anch esso impotente di fronte alla sequenza di disgrazie cui assiste, patisca per e con loro. I grandi autori hanno sempre avuto il desiderio di prendere a cazzotti il pubblico, ma non è affatto facile tirare colpi così efficaci da lasciare il segno. Il ricorso continuo e ridondante al simbolo biblico, come si è detto, di cui Aronofsky fa un uso fin troppo didascalico, è un altro di quei motivi che portano il colpo alla cintola piuttosto che al volto e, per rimanere nella metafora pugilistica (trasgredendo così l articolo delle stesse obiezioni che muove ma guadagnandoci in stile), se il pubblico fischia non è perché gli arrivano schizzi di sangue dal ring, ma perché il colpo risulta un po troppo basso rispetto alla cintura che si era precedentemente meritata il campione. Le stesse interpretazioni degli attori risultano ingessate in questa struttura straniante, la Lawrence misuratamente attonita per quasi tutto il corso del film, Bardem ambiguo/diabolico come molti dei suoi villain seduttivi. Ed Harris e Michelle Pfeiffer si limitano a portare il loro carisma a due personaggi invasivi originali quanto lo erano i nostri più remoti antenati (originali in quanto i primi, ma dalla notte dei tempi a nulla serve vietare qualcosa, l uomo si caccerà sempre nel peggiore dei guai per la sua Eva). E, a proposito di costole, vale la pena notare che la Lawrence ha dichiarato di essersene incrinata una mentre giravano una scena del film. Viene da domandarsi se Aronofsky, suo partner nella vita, si sia preso la rivincita sul genere, oppure se la provvidenza divina gli abbia reso il favore originario. In ogni modo una strana coincidenza o un ennesima, smaccata allegoria. Di lancio.

11 Mektoub, My Love: Canto Uno di Abdellatif Kechiche recensione di Alessandro Faralla Presentato in concorso ufficiale alla 74. Mostra d Arte Cinematografica di Venezia In un film come Mektoub, My Love: Canto Uno dove la carnalità, la sensualità sono il filo che lega un racconto di vita lungo tre ore, la sola scena di sesso e nudo è quella che vediamo nel prologo tra Toni e Ophélie. Abdellatif Kechiche (La vita di Adele, Venere Nera, Cous Cous) porta al lido l estate di Amin, giovane aspirante sceneggiatore, tornato per le vacanze dalla frenetica Parigi nella sua cittadina natale, nel sud della Francia. La sequenza citata vede coinvolti, Toni, il cugino di Amin mentre Ophelìè è un amica

12 di infanzia che tradisce il compagno arruolato sulla portaerei Charde de Gaulle. Tra ragazze conosciute in spiaggia, visite al ristorante di famiglia, bevute al bar con amici e parenti, Amid attirerà su sé l attenzione di numerose ragazze, attratte dal suo essere disincantato e quasi insensibile ai piaceri della gioventù. Appagato dalla quiete e dalla purezza del paesaggio mediterraneo, Amin trascorre le sue giornate aspettando l ispirazione per i suoi scatti fotografici e bramando intimamente un esperienza di appagamento totale. Chi non è mai sazio è invece Toni, il cugino che morde la vita come un frutto dagli infiniti sapori. E sembrano non cessare mai le serate di un film che segue i propri personaggi sempre da vicino, elevando di rado la camera al di sopra delle loro teste, come se l orizzonte in realtà fosse il presente da vivere, da liberare osservando e glorificando la fisicità, la bellezza di corpi che si lasciano andare, ballano, si bagnano e sudano. Altrove il desiderio di un uomo, lo zio di Amin, verso ragazze poco più che ventenni avrebbe stonato, in Canto Uno non c è volgarità nel fotografare l impeto di accarezzare i capelli, di vedere giovani fanciulle sedersi con disinvoltura sulle gambe di un uomo maturo. Il mondo ritratto da Kechiche è circolare: i luoghi, le facce, i dialoghi sono sempre gli stessi. L ambientazione temporale, siamo agli inizi degli anni 90, permette alla visione di percepire una naturalità diffusa, non schiava del tempo e dell artificio che si sposa ad una convivialità che è contaminazione di suoni, colori ed sensazioni. Il ritratto del corpo, di entrambi i sessi, in Mektoub, My Love: Canto Uno non è vezzo edonistico, al contrario è un inno alla passione, all amore, al desiderio di calore, e di vita. Kechiche un po come Linklater osserva il quotidiano rispettandone gli umori, gli sguardi e le parole così che un momento di vita può essere seguito per più di venti minuti non dovendo invadere quell istante, o renderlo altro da ciò che è. È un flusso vitale, dove l immediatezza attende un destino il cui canto non è decifrabile, gli si può solo andar incontro vivendo quasi sempre nel bagliore della luce calda delle albe e dei tramonti d estate.

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