L ESPRESSIONE DELLE EMOZIONI NELL ARTE Parte prima di Daniela Simoni

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1 L ESPRESSIONE DELLE EMOZIONI NELL ARTE Parte prima di Daniela Simoni Non esiste in realtà una cosa chiamata arte. Esistono solo gli artisti: uomini che un tempo con terra colorata tracciavano alla meglio le forme del bisonte sulla parete di una caverna e oggi comprano i colori e disegnano gli affissi pubblicitari per le stazioni della metropolitana, e nel corso dei secoli fecero parecchie altre cose. Così esordisce la Storia dell Arte scritta da Ernst Gombrich, sottolineando come sia importante conoscere la vicenda esistenziale degli artisti, indagare come è stato per loro l essere nel mondo le loro opere, senza tuttavia rinunciare alla fondamentale prospettiva storica. Se le pitture rupestri preistoriche nascono con una prepotente, immediata carica espressiva ed hanno una funzione magico-propiziatoria, con la nascita delle grandi civiltà del mediterraneo l arte inizia ad essere portatrice di valori sacri, politici, estetici, ha una funzione celebrativa. Per arrivare alla rivendicazione di una libertà di espressione soggettiva, al concetto di opera d arte come prodotto dell individualità, come esternazione del proprio sentire, intrinsecamente legato al proprio vissuto, si dovrà giungere all Ottocento, al Romanticismo, quando nasce l immagine moderna dell artista connotato da genio e sregolatezza, figura alternativa nel contesto sociale borghese. Prima del Romanticismo comunque già incontriamo alcune figure di artisti che attraverso le loro opere hanno espresso in modo chiaro le proprie emozioni. Il primo è Michelangelo, vissuto a lungo, dal 1475 al 1564; già le sue opere giovanili sono velate da pensosità, da tristezza, dall idea della morte e riflettono un infanzia infelice, segnata dalla precoce morte della madre, dall ambiente familiare di nobiltà decaduta alle prese con difficoltà economiche. L uomo Michelangelo aveva un carattere forte, capace di tenere testa ai suoi committenti che erano signori e papi, era incline alla depressione, alla solitudine, afflitto dalla gotta, aveva scelto di non farsi una famiglia perché riteneva che la sua compagna fosse l arte. L umanità eroica, titanica che scolpisce e dipinge riflette il suo modo di essere e la poetica del non finito se da un lato è portatrice dei valori neoplatonici promossi dalla corte medicea, dall altro rappresenta visivamente la lotta con la materia, la fatica esistenziale, la forza d animo necessaria per affrontare le difficoltà e la precarietà della vita.

2 Michelangelo, Atlante Il secondo artista è un altro Michelangelo, il Merisi detto Caravaggio; vissuto solo 39 anni a cavallo tra 500 e 600 rivoluziona l arte facendole compiere una netta svolta verso la rappresentazione della realtà, una realtà drammatica, cruda. Caravaggio è il primo bohémien della storia dell arte, un artista maledetto per il quale vita ed arte sono indissolubilmente intrecciati. L infanzia e la giovinezza sono segnate da una serie di lutti familiari, il carattere rissoso gli procura spesso guai con la giustizia fino alla condanna alla decapitazione per omicidio che lo costringe a fuggire da Roma e a riparare prima a Napoli e poi a Malta dove dipinge la più tragica delle sue opere, La decollazione del Battista, che rappresenta la concretizzazione delle sue paure. Lo spazio claustrofobico, l oscurità, l impotenza della vittima, la violenza del carnefice, tutto rimanda alla vicenda autobiografica. Il dipinto inoltre è l unico firmato dall artista nel rivolo di sangue a terra.

3 Caravaggio, Decollazione di San Giovanni Battista (particolare) La prima donna che incontriamo nel nostro percorso è una caravaggesca, si tratta di Artemisia Gentileschi, figlia del pittore Orazio: nella sua vasta produzione artistica c è un dipinto che in particolare racconta la sua storia personale ed è Giuditta e Oloferne. Il biblico delitto viene narrato in tutta la sua evidenza, le presenze femminili sono due e la giovane Giuditta, alias Artemisia compie il gesto con una freddezza quasi chirurgica, come scansandosi ha notato Roberto Longhi per non sporcarsi il vestito di seta gialla. Tutta questa crudeltà descrittiva sarebbe dettata dal desiderio femminile di rivalsa rispetto alla violenza sessuale subita a 18 anni (1611) da parte di Agostino Tassi, pittore collaboratore di Orazio nella decorazione ad affresco di Palazzo Pallavicini Rospigliosi a Roma.

4 A. Gentileschi, Giuditta e Oloferne Una funzione decisamente catartica ha l arte per Francisco Goya, personalità inquieta, passionale. Nel 1792, a causa di una gravissima malattia, era diventato sordo e questo comportò una profonda crisi esistenziale fatta di ricordi angoscianti, di ossessione di morte: cercò salvezza nell arte e nell amore intrecciando un intensa relazione con la giovane duchessa d Alba, nota nella corte spagnola per la sua bellezza e per la sua bizzarria, legata alla moda del Majismo. Per esprimere il groviglio di emozioni che lo attanagliavano scelse la modalità espressiva dell acquaforte unita all acquatinta e iniziò la serie più famosa delle sue incisioni, i Capricci, di cui fa parte Il sonno della ragione genera mostri. L artista si raffigura dormiente assalito da una folla orrenda di uccel-

5 lacci notturni, gufi, civette: il tema è quello della dialettica tra razionalità e irrazionalità, tra illuminismo e romanticismo. Nel 1802 l amante di Goya morì prematuramente e l artista scivolò in un lungo periodo di crisi, non più solo individuale ma di portata storica, legata anche alla fine del vecchio regime e all invasione napoleonica, e ancora una volta la pittura lo salvò dal baratro. Nel 1819 acquistò una casa sulle rive del Manzanarre, la Quinta del sordo e vi realizzò ad olio l impressionante ciclo delle pitture nere, scene di stregoneria, esorcismi, riti oscuri: sono riflessi dei più nascosti turbamenti dell inconscio, fatti con bianchi spettrali, neri spessi, rossi che sembrano grumi di sangue. F. Goya, Il sonno della ragione genera mostri

6 F. Goya, Il sabba delle streghe (particolare) Nella fase Romantica, gli artisti rappresentarono attraverso diverse tematiche la propria interiorità: si afferma la pittura di paesaggio nella quale esprimevano il sentimento della natura, ossia le emozioni suscitate dalla visione del dato naturale. Un esempio emblematico è costituito da Viandante sul mare di nebbia di Caspar Friedrich, dipinto paradigmatico di quella categoria che Kant definisce il sublime, ovvero l emozione e la riflessione che scaturiscono quando l artista si trova di fronte alla grandiosità, alla potenza della natura. Il pensiero corre oltre la dimensione contingente e contempla l infinito, ovvero l immensità dello spazio e l eternità del tempo provando un senso di vertigine e insieme un sottile piacere all idea di perdersi in questa immensità: Leopardi esprime questi concetti nell Infinito, «e sovrumani silenzi, e profondissima quiete io nel pensier mi fingo, ove per poco il cor non si spaura» «Così tra questa immensità s annega il pensier mio» «E il naufragar m è dolce in questo mare». Con dipinti come La tempesta di neve Turner è artefice di un profondo rinnovamento nello stile e nella tecnica pittorica che apre la strada all Impressionismo. Turner esprime le sensazioni provate a bordo della nave Ariel, quando si era fatto legare all albero durante una tempesta, e le condivide nel dipinto con l osservatore.

7 C. Friedrich, Viandante sul mare di nebbia

8 W. Turner, La tempesta di neve L altra categoria del paesaggio romantico e il pittoresco inteso come sentimento della natura che rimane però all interno dello spazio del vissuto umano, senza sfondare verso l infinito: il paesaggio è filtrato attraverso la gioia, la malinconia, la nostalgia, ecc. E il caso dei dipinti di Constable come Il mulino di Flatford che hanno come soggetto quasi esclusivamente la terra nativa, la campagna inglese che l artista rappresenta esprimendo l affetto per quei luoghi e insieme una nuova attenzione per i valori atmosferici che verranno poi ripresi dagli Impressionisti.

9 J. Constable, Il mulino di Flatford Sempre in ambito Romantico si diffondono le tematiche della visionarietà, del sogno: agli inizi dell Ottocento incredibilmente moderna è la pittura di Johan Heinrich Füsslie, una pittura fantastica, densa di pathos e di suggestioni. Coglie gli elementi che sprigionano emozioni vibranti e commosse, gesti violenti e atmosfere magiche, spesso tratti dagli episodi più visionari delle grandi opere poetiche, precorrendo alcuni temi dell'espressionismo e del Surrealismo come ne L incubo.

10 J. H. Füssli, L incubo Esclusi da questo percorso sono gli impressionisti perché le loro vedute realizzate en plain air avevano come scopo la ricerca pittorica, la resa immediata della percezione visiva, è insomma più una pittura retinica che emotiva. Degas è un artista impressionista sui generis e il suo dipinto L assenzio (1875/76) costituisce la rappresentazione di uno stato esistenziale. La scena si svolge nel Café de la Nouvelle Athènes a Parigi: i soggetti dipinti sono l'attrice Ellen Andrée e l'incisore Marcellin Desboutin, inebetiti dal consumo di assenzio, un distillato ad alta gradazione alcolica molto diffuso tra la popolazione europea del tempo, poi proibito in molti paesi. Degas mette in evidenzia l'intorpidimento della coppia, consumata dall'effetto del distillato e rappresenta due solitudini che non si incontrano, nemmeno con lo sguardo. Anche l'atmosfera dà un senso di oppressione, di pesantezza.

11 E. Degas, L assenzio Cinquant anni dopo, nel 1927, il pittore del realismo americano Edward Hopper, poeta della solitudine contemporanea, dell immobilità del tempo dipinge Automat: una donna sola, assorta nel fissare la tazzina di caffè, in un anonimo tavolo di un locale. Un invito alla riflessione sulla condizione esistenziale contemporanea.

12 E. Hopper, Automat Caso emblematico del rapporto tra genio e follia e dell identificazione arte-vita è costituito da Vincent Van Gogh, l olandese post impressionista la cui arte costituisce una delle radici dell Espressionismo. La sua vicenda esistenziale segnata da una grave malattia mentale è difficile tutt oggi da definire: periodi di crisi, di prostrazione, di delirio a cui reagiva con violenza anche autolesionista si alternavano a fasi in cui stava meglio ed era perfettamente in grado di scrivere, disegnare e dipingere. In realtà dipingeva con una foga espressiva incredibile: le quasi 800 tele e il migliaio di disegni sono stati realizzati da Van Gogh nell ultimo decennio della sua vita, tra il 1880 e il Lavoro come un vero posseduto, ho più che mai un sordo furore di lavoro scriveva l artista al fratello Theo che lo seguì, lo finanziò e lo sostenne nella sua opera. Tutte le opere di Van Gogh nella sostanza pittorica, nell intensità del gesto creativo, nella consistenza materica, nella trasfigurazione soggettiva del dato reale sono intrise del suo difficile essere nel mondo. Particolarmente significativo è il Campo di grano con corvi. Questo dipinto è stato realizzato da Van Gogh pochi giorni prima di togliersi la vita a 37 anni sparandosi un colpo di pistola proprio in un campo dove si recava a dipingere. Tutto è presagio di morte: la stesura materica e vibrante del colore, il campo di grano come un mare in tempesta, il cielo livido travolto da un movimento vorticoso e funestato dal volo dei corvi, l orizzonte alto, claustrofobico verso il quale si dirigono le strade tortuose, divergenti, disorientanti. C è il delirio ma al contempo la consapevolezza di non avere una via di scampo. Van Gogh ha la capacità di rendere terribilmente tragico, spento il colore che per antonomasia evoca la solarità, ovvero il giallo e ciò è evidente anche nella serie dei Girasoli.

13 V. Van Gogh, Campo di grano con corvi In ambito proto espressionista incontriamo un altro pittore segnato da un percorso esistenziale ed artistico complesso, Edvard Munch ( ). Malattia e pazzia furono gli angeli custodi della mia culla è una dichiarazione dell artista sulla sua infanzia: vide morire di tubercolosi la madre quando aveva cinque anni e poco dopo perse allo stesso modo la sorella; il padre, un medico ossessionato dalla religione, morì lasciandolo solo al mondo poco più che adolescente. Munch non volle mai costruirsi una famiglia, sostenendo che non avrebbe voluto passare ai figli la tendenza familiare alla malattia fisica e mentale. Quanto ai temi affrontati da Munch, egli cercò di descrivere le proprie emozioni in modo da generalizzarle, adattandole alla vita interiore di qualsiasi uomo. E quello che fa anche nel suo dipinto più noto, Il grido del 1893, riferito ad un esperienza vissuta dall artista e da lui descritta nel suo diario: «Camminavo per strada con due amici e cominciavo a sentirmi avvolto da un senso di malinconia. A un tratto il cielo si fece rosso sangue. Mi fermai, mi appoggiai stanco morto ad un recinto. Sul fiordo nero-azzurro e sulla città c'erano sangue e lingue di fuoco. I miei amici continuarono a camminare. Io rimasi inchiodato in piedi, tremante di paura e udii un grido forte e infinito trafiggere la natura.» Questa identificazione tra sensazioni individuali e natura sembra veramente la descrizione dell attacco di panico, della mancanza di punti di riferimento, lo smarrimento, la solitudine anche quando si è tra gli altri e la proiezione fobica di questo forte disagio interiore all esterno.

14 E. Munch, Il grido L Espressionismo è l avanguardia artistica che, per certi versi riprendendo alcuni aspetti del Romanticismo, esalta l interpretazione soggettiva della realtà, l espressione dell interiorità, l identificazione tra arte e vita. L'impressionismo rappresentava una sorta di moto dall'esterno all'interno, cioè era la realtà oggettiva a imprimersi nella coscienza soggettiva dell'artista; l'espressionismo costituisce il moto inverso, dall'interno all'esterno: dall'anima dell'artista direttamente nella realtà, senza diaframmi. Diversi sono i filoni dell Espressionismo: quello inquieto, tragico dell Europa centro-settentrionale, ovvero tedesco e austriaco e quello solare, mediterraneo, positivo francese. La realtà tedesca dei primi anni del secolo è quella amara della guerra, di contraddizioni politiche, di perdita di valori ideali, di aspre lotte di classe, e proprio questi furono i temi principali e dolorosi

15 E. Kirchner, Autoritratto come soldato degli artisti espressionisti del gruppo Die Brücke (nato a Dresda nel 1906) che polemizzano contro la società borghese, contro l'alienazione del mondo del lavoro, contro la visione positivistica della realtà. Figura di spicco del gruppo è Ernst Kirchner, appassionato, impetuoso, infaticabile ricercatore, soggetto a gravi crisi depressive, particolarmente intense dopo l esperienza del fronte durante la Prima Guerra Mondiale. Nell Autoritratto del 1915 l'artista si rappresenta con colori violenti e innaturali, forme essenziali, tratti angolosi e marcati, tipici dell'espressionismo tedesco. Veste la divisa del 75 reggimento di artiglieria, la sua mano destra appare mozzata, a simboleggiare la propria mutilazione interiore di artista e di uomo. Si tolse la vita nel 1938, un anno dopo che le sue opere erano finite alla mostra di Arte degenerata voluta da Hitler e sottopose al pubblico ludibrio.