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1 5I, 7 novembre 2011, Pagina 1 di 8 Il Romanico, ripasso Movimento artistico sviluppatosi in Francia nella seconda metà del sec. XIX, l'impressionismo è teso a rendere più libera la sensibilità dell'artista in opposizione all'arte accademica. Se volessimo attribuire una data precisa di inizio al movimento impressionista dovremmo scegliere quella del 15 Aprile del 1874, quando, a Parigi, alcuni giovani artisti, le cui opere erano state rifiutate ripetutamente dalle principali e prestigiose esposizioni ufficiali, i Salons, decisero di organizzare una mostra alternativa dei loro lavori. Organizzata nello studio fotografico di Felix Nadar, vennero esposte più di 200 opere con la partecipazione di 30 artisti tra i quali ricordiamo nomi poi divenuti celeberrimi di Claude Monet, Edouard Manet, Alfred Sisley, Paul Cézanne, Auguste Renoir ed Edgar Degas. La mostra si risolse però, in un vero fallimento. L'unica nota positiva fu che, il gruppo, da tale esposizione, ebbe alfine il nome con il quale sarebbe poi passata alla storia. Venne definita La Exposition Impressioniste dal critico Leroy, che coniò questo neologismo di tono dispregiativo dal titolo di un quadro di Monet, in cui era rappresentata una città marittima francese, che l autore battezzò : Impressione: sole nascente. La breve stagione impressionistica si concluse nel 1866, anno dell'ottava ed ultima esposizione. Che l'impressionismo non fosse un movimento destinato a durare a lungo, del resto, era chiaro fin dall'inizio, stanti i suoi presupposti. Tutti gli artisti del gruppo ne avevano consapevolezza, poiché ognuno di loro imprimeva nelle proprie opere qualcosa di profondamente personale e soggettivo, rendendole interessanti non tanto per quel che raccontavano ma per come lo raccontavano, rifiutando al tempo stesso una linea tematica comune. L'impressionismo, infatti, si sviluppa in modo completamente differente e per certi versi anomalo rispetto a tutti i movimenti artistici precedenti: -in primo luogo è privo di una base culturale omogenea, in quanto i vari aderenti provenivano da esperienze artistiche e da realtà sociali differenti, alle quali non rinunciavano nell'aderire al movimento. Ne deriva inevitabilmente una disorganizzazione e un'aggregazione spontanea senza manifesti o teorie che ne spiegassero le tematiche e le finalità -se a metà dell 800 in Francia ed in Europa in generale, era diffusa la pittura di derivazione neoclassica, i pittori impressionisti, accomunati dallo stesso desiderio di rompere con gli schemi accademici, rifiutavano sia i temi storici, che quelli fantastici e romantici, preferendo l'immediata rappresentazione della realtà -sebbene già il Realismo intraprendesse una pittura che rispecchiava la realtà, perchè davanti alle condizioni di vita misere e depravate dei ceti popolari più bassi il pittore non sembra potersi più nascondere, fuggendo nel mondo incantato della mitologia o dello storicismo romantico, tale esigenza negli impressionisti viene meno e sostituita da un diverso modo di porsi con la realtà stessa. Nel momento in cui l'artista dipinge non rappresenta più la realtà ma le sensazioni che essa suscita dentro di lui. È per questo motivo che egli deve essere il più rapido possibile nell'esucuzione, al fine di evitare che le condizioni che determinano in lui tali sensazioni vengano meno. Motivo per il quale era indispensabile lavorare all'aria aperta ( en plain air) rifiutando pertanto gli atelier, entro cui si rifugiavano i pittori accademici Cio' che più conta in ogni rappresentazione è dunque l'impressione che un determinato stimolo suscita nell'artista il quale, partendo dalle proprie sensazioni, opera una sintesi sistematicamente tesa ad eliminare il superfluo per arrivare a cogliere la sostanza delle cose e delle situazioni, che sono l'espressione di una giustapposizione di varie pennellate,rapide per veloci tocchi virgolati, per trattini, e per morbide picchiettature, di colore puro, tendenti a darci l'idea complessiva del soggetto, più che a descrivercelo minuziosomante. Nella trasposizione della realtà sulla tela nulla potrà più essere definito con un disegno netto e meticoloso o con linee che contornano gli oggetti definendo i volumi. (Già in precedenza alcuni pittori (Scuola di Barbizon) avevano studiato dal vero la varietà dei fenomeni naturali, i giochi di luce, il cambio delle stagioni, ma era uno studio realizzato attraverso degli schizzi, degli studi preliminari, che servivano per dipingere l opera definitiva in studio). Il colore, che diventa la componente espressiva principale, verrà privato di forti contrasti chiaroscurali e si risolverà nei semplicei accostamenti di colori puri, dissolvendo il colore locale. La luce, è oggetto di molti studi perchè è il fattore che ralmente determina in noi la percezione dei vari colori. Il colore, infatti, ci appare più o meno scuro in relazione alla quantità di luce che lo colpisce in aggiunta alla presenza,o meno, di altre tonalità che ne esaltino o smorzino la vivacità. L'estrema variabilità dei colori è l'espressione della molteplice natura delle sensazioni. I temi preferiti erano i paesaggi, i ritratti, le nature morte, i bar, le scene di vita quotidiana; e prediligevano la

2 5I, 7 novembre 2011, Pagina 2 di 8 rappresentazione di foglie, acqua, nubi o fumo, perchè erano elementi in cui più si manifesta il tremore della luce e del senso di mobilità delle cose, per la quale la realtà è soggetta a un'evoluzione continua e non costituisce uno stato definitivo e acquisito ma, al contrario, un continuo e fantastico divenire Gli Impressionisti lavoravano in stretto rapporto con la fotografia, invenzione del secolo, soprattutto nel taglio dell inquadratura. La conoscenza e l uso della fotografia suggeriscono inquadrature rivoluzionarie: alto, basso, e diagonale, portando lo spazio oltre i limiti della cornice, dando l illusione della continuità della scena. All'affermarsi delle teorie impresionistiche, infine, non è stata estranea anche la diffusionel a partire dalla seconda metà dell'ottocento, delle stampre giapponesi. EDUARD MANET ( ) vita: Nasce a Parigi il 25 Gennaio 1832 da una famiglia benestante. Personaggio colto e frequentatore della vita intellettuale parigina, fu il protagonista di una rivoluzione pittorica di vastissima portata: dalle sue opere Le déjeuner sur l'herbe e Olympia si suole infatti datare l'inizio dell'arte moderna. Figlio di un alto magistrato, la sua vocazione artistica incontrò la viva resistenza della famiglia, tanto che a sedici anni lo fece imbarcare su un mercantile, compiendo un lungo viaggio nei Mari del Sud. Al suo ritorno, però alla famiglia non resta che assecondare la passione di Eduard, visto lo scarso interesse per la vita di bordo. Negli anni successivi al 1874 inizia a soffrire di frequenti crisi depressive e, a partire dal 1878, appaiono i primi sintomi di atassìa, una progressiva e dolorosa paralisi degli arti inferiori dovuti all'evoluzione maligna della sifilide. Nonostante questo Manet continua a dipingere senza posa fono alla morte, avvenuta nel Formazione artistica: incomincia nel 1850 presso Thomas Couture, un pittore accademico allora molto quotato.il giovane allievo però mostra ben presto una forte insofferenza per l'arte del maestro tanto che ne 1856 ne lascia l'atelier per intraprendere viaggi di studio, fondamentali per la sua formazione. ammira soprattutto i grandi coloristi del passato: da Tiziano a Rembrandt, da Tintoretto a Velasquez. e per i contemporanei invece, la sua attenzione si sofferma soprattutto su Delacroix, al fine di studiarne e comprenderne meglio la tecnica dei colori nello stesso 1856 aprì il proprio studio e cominciò a formarsi uno stile personale. Nel 1861 conosce Degas con il quale stringe una profonda amicizia, che costituirà il nucleo fondamentale attorno al quale si aggregheranno i giovani artisti frequentatori del Cafè Guerbois. negli anni successivi, realizza anche i primi quadri en plain air, ma nonostante la fama ormai raggiunta gli consenta di vendere alcuni suoi dipinti anche a cifre elevate, deve sempre combattere contro le giurie accademiche dei Salons che alternativamente ammettono ma, soprattuto, rifiutano le sue nuove opere. Ma Napoleone III, con una decisione del tutto inaspettata, decretò l apertura di un Salon de Refusés, dove gli artisti potevano mostrare, facoltativamente, le opere rifiutate dalla giuria. Nonostante non volesse essere considerato un rivoluzionario, partecipò all esposizione con il famoso 'Colazione sull erba' che suscitò enorme scandalo, sia per il soggetto, francamente moderno, sia per la rivoluzionaria tecnica pittorica. Nonostante gli insuccessi, continuò imperterrito la strada intrapresa, portando a termine un nudo femminile destinato a diventare uno dei nudi più celebrati dell'arte: l' Olympia dal 1874 Manet si avvicinò alle convinzioni degli impressionisti, frequentò il gruppo assiduamente e partecipò alla loro prima esposizione allestita presso lo studio parigino del fotografo Nadar. Nel 1882, finalmente, una sua opera fu ammessa in un Salon ufficiale: Il bar delle Folies-Bergeres, ultima realizzazione importante dell'artista. Manet pur non avendo lasciato una scuola ne' degli allievi, aveva comunque aperto la strada alla pittura contemporanea. Elementi caratterizzanti della sua pittura (in sintesi. la analizzeremo meglio nelle diverse opere) -amore realistico per il quotidiano -gusto per la natura morta -dipinge ciò che si vede, senza idealizzare i protagonisti e senza disegni preparatori. -uso di colori piatti, senza fluidità e chiaroscuro, ai quali sostituisce ampie zone di colore uniforme, accostate e contrastanti, stesi con pennellate veloci, giustapponendo colori caldi e fredd (ciò destò forti critiche. E verrà accusato di non sapere modellare i corpi con il chiaroscuro e di usare i colori in modo primitivo e pasticciato) Dopo aver approfondito a lungo opere che appartenevano:

3 5I, 7 novembre 2011, Pagina 3 di 8 -alla cultura 500entsca, quindi Rinascimentale, -agli antichi coloristi della pittura tonale veneta il cui promotore è Giorgione seguito da Tiziano -a coloristi spagnoli del passato quali, Velasquez e Goya e al francese Delacroix Manet dipinse la 'colazione sull'erba' Olio su tela, 208 x 264 cm Parigi, Musèe d Orsay Composizione: In primo piano, due uomini conversano accanto a una donna nuda, mentre un altra donna, in secondo piano, si bagna in un ruscello. Le figure sono disposte a piramide, e spiccano per via dei nitidi contrasti cromatici con cui è composto il quadro. Il ridotto senso di profondità è dato anche dalla sovrapposizione per piani paralleli degli alberi e dei cespugli. Altri elementi in evidenza sono la natura morta in primo piano, con la colazione che giace sull erba. Caratteristiche: il linguaggio non è propriamente impressionistico perchè la luce non è naturale e non c'è fusione con il paesaggio. Mentre il crudo Realismo è rappresentato dai signori in primo piano che indossano i vestiti alla moda francese dell epoca, con bastone in mano, cravatta e berretto nero. Il pittore usa come modelli il cognato ed un suo amico scultore olandese. La fanciulla nuda è la modella prediletta di Manet, Victorine Meurent, e non mostra nessun interesse verso i due giovani protagonisti. Il suo sguardo è rivolto verso lo spettatore, che ne rimane quasi intimidito. Realizzazione, aspirazione e critiche: Il quadro è tra i più noti, se non il più famoso in assoluto, e inizialmente intitolato Il Bagno fu esposto al Salon des refusés proprio per le massicce critiche che arrivarono dai sostenitori della tradizione, mosse per il soggetto, definito sconveniente dallo stesso Napoleone III, e dalla Parigi benestante che rimase indignata per il crudo realismo con il quale l'artista aveva realizzato il nudo femminile, spoglio di quelle allusioni simboliche e quei canoni mitologici, che erano i soli a consentire la realzzazioni di nudi femminili. Assenti nelllo sguardo della ragazza, volto allo spettatore che non mostra nussun interesse verso i due giovani. L'aspirazione classica, nella citazione del lnguaggio accademico attraverso il nudo, il ritratto e la natura morta, non limita la critica solamente al soggetto, per il quale posò Victoure Maurent, la modella preferita, ma cio' che disturba così tanto il pibblico è, soprattuto, la tecnica esecutiva messa abbondantemente in ridicolo. Si accusava, infatti, Manet di non aver saputo usare ne' la prospettiva ne' il chiaroscuro, cioè i due strumenti principali dei quali ciascun pittore avrebbe dovuto servirsi per considerarsi tale. Alla tradizionale fluidità del colore e ai i passaggi chiaroscurali, sostituisce ampie zone di colore uniforme, accostate e contrastanti, stesi con pennellate veloci, giustapponendo colori caldi e freddi, mentre lo sfondo è appena accennato da macchie di colore. Ciò determina un impressione di assenza di volume e consistenza. L obbiettivo di Manet è dipingere ciò che si vede, senza idealizzare i protagonisti e senza disegni preparatori. Il contrasto tra i colori dona al dipinto un atmosfera squillante e fresca, rendendo Manet un pittore di sensazioni, e non di allegorie o personaggi. Non c è più distinzione tra i corpi solidi e lo spazio che li contiene: nell immagine non vi sono elementi positivo o negativi, tutto si da alla vista mediante il colore. Figure e spazio formano perciò un contesto solo. Nella realizzazione del dipinto Manet concorrona anche esempi rinascimentali. Il tema trattato è dunque la conversazione già affrontato soprattutto da Tiziano ne 'Concerto campestre' e da Raffaelloi nel 'Giudizio di Paride'.L'utilizzo di queste opere per lo studio dell'equilibrio compositivo lo portarono alla trasformazione del suo quadro in 'colazione sull'erba' a sucitare ulteriori scandali è la presentazione di 'olympia' al Salon del 1865, con la quale Manet torna alla ribalta artistica Parigina riaffermandosi portavoce indiscusso dell'antiaccademismo Olio su tela, 130 x 190

4 5I, 7 novembre 2011, Pagina 4 di 8 - Parigi, Musèe d Orsay composizione rappresenta un nudo femminile semidisteso su un letto disfatto, La protagonista è al centro e la luce è puntata su di lei. In secondo piano è dipinta una donna di colore che regge il mazzo variopinto di fiori, Sul lato destro in fondo al letto compare un gatto nero, caratteristiche e tecnica esecutiva: Da un punto di vista formale si può notare come Manet prediliga una visione tendenzialmente priva di profondità, dove il senso della prospettiva è dato dagli accostamenti di colore, piuttosto che dal disegno, così come i volumi dei corpi. Le forme sono ampie, rotondeggianti e appiattite per via dei colori e del nitore dei contorni scuri che rinviano alle stampe giapponesi dove dominavano le tinte piatte. L attenzione, che Manet rivolge ai colori ricorda anche la pittura fiamminga. Il quadro è costruito sul contrasto netto tra tinte chiare e scure, come il color avorio della pelle di Olympia che si staglia sullo sfondo scuro, o l'opposizione cromatica tra la veste rosata della serva e il colore scuro della sua pelle. I colori freddi sono accostati a quelli caldi, come nel bouquet di fiori dalle tinte bianche, azzurre e rosse,rappresentato con una tecnica già del tutto impressionista. Infatti, è costruito su macchie indefinite di colore, stese con rapide e piccole pennellate. Solo osservato in lontananza, il mazzo acquista un grande effetto realistico. Il realismo continua poi a percorrere Il corpo sgraziato della ragazza, per la quale posò anche Victorine Maurent, che appare privo delle morbide sinuosità con le quali i pittori accademici caratterizavano i nudi femminili di eroine storiche o dee della mitologia. Questo un realismo quotidiano, ritenuto non degno di una rappresentazione artistica. Molti sono infatti iparticolari che concorrono a creare nello spettatore un vago senso di disagio, suscitanto così l'effetto esattamente opposto che l'arte accademica se prefiggeva. La cruda nudità della ragazza viene sottolineata ulteriormente dal nastrino rosso al collo, mentre lo sguardo è quasi di sfida e la mano sinistra premuta sul ventre. Aspirazione, simbologia e critiche: riprendendo l impostazione generale della Venere di Urbino di Tiziano. Ma, se, agli occhi dei suoi contemporanei, il nudo di Tiziano rappresentava una bellezza dolce e pudica, vista all'interno di un palazzo rinascimentale, l'olympia si impone schietta e glaciale in un ambiente simile a quello di una casa di tolleranza. Infatti, è il ritratto di una prostituta, come suggeriscono alcuni elementi rappresentati nella scena: il mazzo di fiori di uno spasimante, il nastrino nei capelli, i bracciali, le scarpe col tacco, ma anche lo stesso nome Olympia, usato da donne di facili costumi. Infatti, lo scandalo fu, anche in questo caso, duplice. In primo luogo si criticò la scelta del soggetto, da tutti ritenuto volgare e sconveniente in quanto si trattava di una prostituta rappresentata, come qualcuno malignò, sul posto di lavoro. In secondo luogo, poi, si torno ad attaccare la tecnica pittorica di Manet accusandolo di non sapere modellare i corpi con il chiaroscuro e di usare i colori in modo primitivo e pasticciato. Infine Il gatto nero probabilmente rappresenta la libertà, l emancipazione che la donna iniziava ad ottenere in quegli anni, a differenza del cagnolino nella Venere di Urbino di Tiziano, simbolo di fedeltà l'ultimo dipinto al quale lavora Monet è 'il bar delle Folies-Bergeres', accettato al Salon del 1882, l'anno precedente alla precoce morte dell'artista. 1881/1882- Olio su tela, 96x130 cm - Londra, Courtauld Institute of Art

5 5I, 7 novembre 2011, Pagina 5 di 8 composizione una donna in primo piano è la cameriera che fissa l'osservatore con occhi mest, alle cui spalle troviamo un grande specchio. È proprio attraverso quello specchio che Manet riesce a mostrarci anche il vasto salone delle Folies-Bergeres, un locale molto alla moda tra la borghesia parigina del tempo, gremito di dame inguantate e gentiluominicon la tuba. Tecnica esecutiva e caratteristiche ricorrenti in esso sono ripresi tutti gli elementi caratterizzanti della sua pittura: -dall'amore realistico per il quotidiano (la cameriera biondiccia e l'avventore che si riflette nello specchio alle sue spalle) -al gusto per la natura morta (le bottiglie, la fruttiera di cristallo e il bicchiere con le rose) - rapidi tocchi di colore che osservati da vicino paiono frantumarsi in unaccostamento senza senso, ma ossewrvati alla giusta distanza ricostruiscono non solo la descrizione della sala gremita di dame inguantate e gentiluominicon la tuba, anche la sua atmosfera chiassosa, inondata dalla luce dei grandi lampadari -l'immiedatezza della visione, la chiarezza della luce e la semplicità disincantata del soggetto -dall'uso dei colori piatti e sesenza chiaroscuro alla suggestione delle luci riflesse nel grande specchio dietro al bancone con quest'ultimo quadro Manet diventa definitivamenteil punto di riferimento per l'intera generazione degli Impresionisti, ma anche per le generazioni successive che a lui devono il coraggio di aver spezzato finalmente il predominio della pittura accademica aprendo la strada alla pittura delle emozioni e della libertà espressiva. EDGAR DEGAS vita Nasce il 19 Luglio 1834 da una ricca e nobile famiglia all'interno della quale trascorre una fanciullezza e una prima gioventù tranquille e agiate. Il padre, un banchiere di origini napoletana è un uomo di raffinata cultura e sotto la sua guid Degas comincia a frequentare il Museo del Louvre.negli anni successivi Intraprende viaggi di studio fin Italia fondamentali per la sua formazione artistica. Dal 1874, in seguito

6 5I, 7 novembre 2011, Pagina 6 di 8 alla morte del padre,gli affari di famiglia subiscono un grave crollo al quale Degas si sente in dovere di far fronte e, per la prima volta è costretto come gli altri Impressionisti a dipingere per vivere. Proprio in questo periodo infatti si sviluppa la concezione del pittore come imprenditore di se' stesso. Non ha più la fortuna di lavorare nelle corti e vive della vendita delle proprie opere. Degas, fortunatamentre riesce a creare un genere pittorico che viene apprezzato dalla moda francese, per cui creerà molte copie delle sue opere che avranno una fama notevole.morì il 27 Settembre formazione artistica comincia a frequentare il Museo del Louvre, sotto la guida del padre, ove ammira soprattutto i grandi del Rinascimento italiano. La scelta quindi di intraprendere la carriera artistica è subito assecondata dal padre. la prima formazione pittorica avviene in ambiente accademico e il suo principale punto di riferimentoè rappresentato inizialmente da Ingres, del quale ammira soprattutto la straordinaria purezza del disegno. la scuola delle Belle Arti non fa per lui e dopo appena sei mesi ne abbandona la frequenza per intraprendere lunghi soggiorni in Italia. L'esperienza italiana gli farà affinare la sua formazione artistica con lo studio dei grandi del Rinascimento, cercando, soprattutto il colorismo del Veronese. tornato a Parigi continua lo studio dei classiciai quali aggiunge il romantico Delacroix nonostante la propaganda degli impressionisti, rimase sempre convinto assertore del disegnoe anche della pittura atelier come prescritto dalla tradizione accademica.secondo l'artista infatti anche l'impressione di un istante è così complessa che l'immediatezza della pittura en plain air non può che coglierla in modo riduttivo e superficiale. Ciò che però lo rendeva vincolato da un lato all'impressionismo era la scelta del tema del tutto reale e attuale e il taglio compositivo. Negli anni Sessanta infatti la sua pittura, pur rimanendo, da un lato, sempre fedele agli ideali ldel disegno e del lavoro in atelier, si caratterizza sempre più in senso realistico. Ciò significa, in Degas, rappresentare le cose e i personaggi come li conosciamo per averli visti tante volte in diversi contesti, più che per come ci appaiono a prima vista. Per tanto la natura di Degas non è mai quella immediatamente derivante dalla sensazione visiva, ma il frutto complesso di studi, riflessioni e accomodamenti successivi. a partire dal 1874, quando è costretto a vivere della vendita delle sue opere, a fronte di una grave crisi economica che coinvolge tutta quanta la famiglia, inizia a lavorare sul tema delle ballerine, un soggetto che a lui- frequentatore da sempre di opere, balletti e spettacoli tatrali- era estremamente congeniale per trovare un discreto successo tra i collezionisti. infine il decennio tra il 1880 e il 1893 segna il massimo periodo di notorietà dell'artista, il quale, organizzando e partecipando attivamente alle mostre impresioniste, persiste nel definirsi 'relista' piuttosto che 'impressionista'. Elementi caratterizzanti della sua pittura - linguaggio estremamente fotografico, nella scelta dell'inquadratura diagonale - scelta di temi del tutto realistici e attuali -apparente spontaneità della rappresentazione pittorica, ma che, in realtà, presuppone uno studio attento e rigoroso della vita reale che si compone di una rappresentazione di soggetti visti più volte e in vari contesti, più che che per come ci appaiono a prima vista. - giochi di luce e colori Il primo dei grandi dipinti appartenenti alla serie delle ballerine, che dipinge in qualità di frequentatore di opere e balletti, che trova nel contempo un discreto successo tra i collezionisti, e che gli consente di saldare il debito economico che aggravava la famiglia, è 'la lezione di ballo'. Che rappresenta, dunque, in maniera emblematica il suo interesse e il modo di dipingere il mondo del balletto. Un mondo visto non soltanto nello splendore dello spettacolo e nel movimento della danza, ma anche nei lunghi momenti che precedono e che preparano lo spettacolo.

7 5I, 7 novembre 2011, Pagina 7 di Olio su tela, 85 x 75 cm - Parigi, Musèe d Orsay composizione rappresenta il momento in cui la ballerina sta provando dei passi di danza sotto l'occhio vigile del maestro mentre le altre ragazze disposte in semicerchio, osservano e attendono il proprio turno di prova. L'atmosfera è più rilassata e informale. L'autore si sofferma sul finire della lezione dela maestro che ferma l'azione. caratteristiche -il taglio che Degas impone al dipinto è essenzialmente diagonale, di tipo fotografico e, come in un'istante le figure risultano uscire dall'iquadrtura. Cio' suggerirebbe una pittura di getto, atta a cogliere l'impressione di un momento. Nulla di più falso e gli stessi tempi di realizzazione- tre anni- come in raltà, dietro ci sia un lungo studio della realtà tanto è vero che per arrivare alla conclusione del desegno fece molti schizzi preparatori. A testimonianza di ciò anche i gesti delle ballerine sono indagati con attenzione (c'è quella con il fiocco giallo sul pianoforte che si sta grattando la schiena, eulla di spalle con il fiocco rossosta facendosi aria con il ventaglio...e via dicendo). inoltre cogliere questi aspetti marginali ma significativi è una scelta precisa dell'artista, che denota il suo personale modo di porsi di fronte ai personaggi, seconcondo quanto lui stesso amava dire come se si guardasse dal buco della serratura. Non bisogna dunque farsi vedere, per cogliere la spontaneità dei personaggi. - ricostruisce l'atmosfera della sala con garbo e raffinatezza, inserendo le fanciulle in una luce morbida che attenua le già eleganti movenze. - il quieto Realismo presente nel quadro, (oltre alla scelta del soggetto) è sottolineato dal disegno prospettico del pavimento. - si trova in opposizione alle tecniche Impressionistiche per non aver rifiutato il disegno. L'autore riesce così nel difficile intento di far coesistere il rigore formale derivato dall'amore per Ingres e per i rinascimentali con la realtà in cui il quotidiano s'era sostituito alla mitologia, e le ballerine alle dee. Degas è un pittore che non ama ne' i paesaggi, ne', di conseguenza la loro rappresentazione. Le sue ambientazioni, al contrario, fanno riferimento ai caratteristici interni parigini. Compiendo uno spaccato della società, il più celebre forse dei dipinti di Degas è 'l'assenzio',un quadro di genere, ambientato in un bar che diventerà un luogo ripreso da molti artisti successivi, come Manet nel dipinto il bar delle Folies-Bergeres Olio si tela, 92 x 68 cm Parigi, Musèe d Orsay

8 5I, 7 novembre 2011, Pagina 8 di 8 composizione La scena è ambientata nel Café de la Nouvelle Athènes, a Parigi. Due personaggi, all'apparenza del tutto comuni, sono seduti di fronte ad un tavolino di marmo. La donna presenta innanzi un bicchierino verdastro di assenzio, l'uomo un bicchiere di vino. Caratteristiche tecnica esecutiva I soggetti dipinti in realtà sono amici del pittore e sono degli attori. Ancora una volta la spontaneità è mascherata da un'apparenza così perfettamente studiata che sembra estremamente realistica. I due personaggi, stanno a simboleggiare la classe sociale più povera, nelle vesti di una prostituta e di un barbone.. Dinnanzi alla donna, sul piano di marmo del tavolino, vi è un bicchiere verdastro di assenzio, il liquore dei poveri, spesso usato anche a scopi farmaceutici che dà il titolo alla composizione; dinnanzi al barbone vi è invece un bicchiere di vino. I due personaggi, assorti dai loro problemi e inebriati dall'alchool non si parlano, quasia simboleggiare quanto la solitudine possa renderci etstranei e incapaci di comunicare. La vera protagonista dell'opera è, infatti, la solitudine. Ma le complessive caratteristiche fisiche ed espressive vengono utilizzate dal pittore per una vera e propria denuncia sociale e nei panni di un ottimo osservatore invisibile, che potendo vedere senza essere visto, può sempre cogliere la spontanea naturalezza di ogni gesto. Anche se iancora una volta tutto è stato previsto e programmato. -Spontaneità e Naturalezza dei gesti accentuata, nuovamente, dalla prospettiva obliqua secondo cui sono disposti i tavolini, quasi come se l'artista volesse introdurci nel locale seguendo il loro allineamento. - l'atmosfera del locale è pesante come lo stato d'animo dei due avventori, imprigionati in uno spazio squallido e angusto di cui l'artista ci offre una descrizione impetuosamente realistica. -significativo è, infine come Degas, stia attento ai giochi di luce e di colore.. La luce gira attorno alle figure con giochi d ombra e trasparenze, sui bicchieri e sulla bottiglia, sfruttando i riflessi dei profili dei personaggi nello specchio posto alle loro spalle, a confermare la profondità dello spazio.