Milano East End Studios Spazio Antologico. REKA voci dal mondo Massive Sonic Work di Yuval Avital. Martedì 16.IX.14 ore 22

Transcript

1 Settembre Musica Torino Milano Festival Internazionale della Musica 04_21 settembre 2014 Ottava edizione Milano East End Studios Spazio Antologico Martedì 16.IX.14 ore 22 REKA voci dal mondo Massive Sonic Work di Yuval Avital 24

2

3 Yuval Avital REKA voci dal mondo Massive Sonic Work per sei cantori tradizionali, due percussioni e una folla con centinaia di voci Dario Garegnani, direttore Omar Bandinu, canto tradizionale sardo Enkhjargal Andarvaanchig, canti difonici della tradizione nomade della Mongolia Sofia Kaikov, canto epico degli ebrei di Bukhara Yussuf Joe Legwabe, tradizione vocale zulu Sainkho Namtchylak, canto difonico di Tuva Lama Samten Yeshe Rinpoche, canto Bo n tibetano Simone Beneventi, Lorenzo Colombo, percussioni In collaborazione con East End Studios Warsaw Autumn International Festival of Contemporary Music Il Festival MITO ringrazia LifeGate per la comunicazione sull evento Expo Gate Sabato 13 settembre 2014, ore 15 Voci dal mondo: creatività e tradizione partecipano Yuval Avital Nicola Scaldaferri coordina Francesca Colombo Incontri

4

5 Un fiume di voci Nessuno, però, deve biasimare il compositore che si è lasciato tentare dall impossibile. Per lui la musica internamente sentita suonava mille volte più affascinante di quella che, una volta stesa sulla carta, veniva a cozzare contro la realtà. Karlheinz Stockhausen, 1956 Le composizioni di Yuval Avital costituiscono degli affascinanti eventi in cui la dimensione squisitamente sonora si presenta intimamente connessa a implicazioni di ordine interdisciplinare e transculturale. Esse sembrano susseguirsi come tappe di un percorso creativo che si snoda con coerenza e continuità attraverso una molteplicità di dimensioni: ogni suo lavoro presenta a un tempo proprie specificità, ma anche dei legami organici con il resto della sua produzione, quasi a costituire l esito momentaneo di un flusso creativo di lunga gittata dai tratti visionari. Il suo ultimo lavoro, REKA termine che in ebraico vuol dire sfondo, indubbiamente è una delle prove più impegnative finora affrontate dal compositore, che si trova a fronteggiare un organico dai tratti tanto originali quanto problematici, sia a livello delle tematiche compositive che della loro concreta attuazione performativa. Esso comprende tre nuclei di interpreti coordinati da due direttori, uno dei quali è lo stesso compositore. Un primo nucleo è costituito da due percussionisti, alle prese con una nutrita serie di idiofoni metallici, grancassa e pianoforte (di cui si utilizza solo la cordiera interna); è questa la sola presenza strumentale dell opera, nonché l unica in linea con una concezione di tipo classico dell interprete della musica colta occidentale, ovvero di esecutore dei dettami del compositore. I percussionisti, che si alternano in ruoli di tipo ritmico al fine di scandire l articolazione temporale del brano o di tipo timbrico, si troveranno a sostenere infatti il peso di una nutrita massa vocale, complessa ed eterogenea, la cui singolarità pone il compositore di fronte a delle sfide di impegno estremo. Il blocco delle voci innanzitutto comprende un gruppo di sei solisti, sia maschili che femminili; si tratta di musicisti, singolarmente individuati per quest occasione, provenienti da importanti tradizioni di diversi luoghi del mondo, con caratteristiche vocali in gran parte estranee alla musica colta occidentale. Essi sono profondamente radicati nelle rispettive culture di origine ma anche capaci, nello stesso tempo, di interagire proficuamente con altre realtà musicali. Le loro tradizioni di riferimento rientrano tra quelle più celebri ed emblematiche sul piano internazionale, in più casi posti sotto l egida dei patrimoni immateriali dell Unesco: il canto a tenore della Sardegna con il bassu Omar Bandinu; il canto armonico di Tuva con la poliedrica Sainkho Namtchylak; la vocalità di estrazione pastorale e nomade della Mongolia con Enkhjargal Andarvaanchig; la singolare tradizione epicoreligiosa degli ebrei di Bukhara con Sofia Kaikov; la tradizione vocale Zulu del Sudafrica con Joe Legwabe; i canti religiosi dei Lama del Tibet con la presenza del Lama Samten Yeshe Rinpoche. Sono tutti casi in cui la voce si presenta interconnessa con complessi dispositivi culturali; siamo dunque in presenza non di semplici interpreti, bensì di autentici portatori di peculiari tradizioni, collegati a situazioni dense dal punto di vista simbolico e perfino religioso, come accade in particolare nel caso tibetano. La presenza di figure così fortemente connotate, richiede un approccio dialogico e collaborativo da parte del compositore, che è chiamato a interagire già nelle fasi di elaborazione dell opera, escogitando, di volta in volta, particolari sistemi di scrittura che fanno ricorso anche a prescrizioni e suggestioni di ambito pittorico ma anche approfondendo con specifiche ricerche di natura etnomusicologica le caratteristiche delle tecniche vocali. Una sfida questa che non è certo nuova per Avital, essendo già stata affrontata più volte in suoi precedenti lavori, come KOLOT (2008) e Samaritani (2010), dove ha fatto ricorso a cantori 3

6 extraeuropei appositamente coinvolti. Essa costituisce un elemento importante della sua attività artistica, da sempre orientata verso l incontro e il dialogo culturale, perseguito non solo sul piano creativo ma anche attraverso l intenso lavoro organizzativo e di promozione compiuto mediante l associazione Magà Global Arts e l organizzazione di eventi come il Trialogo Festival. L ultimo nucleo di interpreti di REKA comprende una massa di voci non impostate, identificata come folla, il cui numero può estendersi fino a parecchie decine. Essa è composta da performers occasionali e, secondo l intenzione del compositore, può comprendere persone comuni originarie del luogo dove si svolge l esecuzione. I membri della folla non necessitano di una specifica abilità vocale dal punto di vista tecnico e neanche della conoscenza della scrittura musicale; a farne degli interpreti è il loro essere normali individui dotati di una voce, con cui si è in grado di esprimere dei suoni, parlare o comunicare stati emotivi. La presenza di voci comuni costituisce quasi una sorta di contraltare dello specifico vocale dei sei solisti; nel contempo giunge anche a creare quasi uno sconfinamento tra i ruoli di spettatore/ascoltatore dell evento e quello di interprete, considerato che potenzialmente tutti possono far parte della folla. L idea della composizione per masse di interpreti è uno degli assi portanti della ricerca condotta da Avital e non si limita solo alla presenza vocale basta menzionare le 45 tube di GARON (2012), i 100 suonatori di gong e bambù di Karagatan (2013); e naturalmente la folla già presente in Mise en abîme (2011) che costituisce da questo punto di vista una sorta di diretto antecedente di REKA. Il ruolo della folla e la sua gestione dal punto di vista compositivo pone particolari difficoltà, a cominciare dalla necessità di uno specifico sistema semiografico, capace di fornire prescrizioni intuitive, di immediata comprensione, delle azioni performative da compiere (imitazione di suoni naturali, onomatopee, elementi vocali pre-linguistici). In questa operazione, il web gioca un ruolo di grande importanza, a iniziare dal reperimento delle persone che devono farvi parte, invitate a partecipare all evento tramite social networks e mailing list; contestualmente, vengono fornite online, in via preliminare, le informazioni relative alla performance, le spiegazioni dei segni grafici e della gestualità del direttore mediante appositi tutorials video e materiali scaricabili, tra cui le stesse partiture. Con REKA, Avital mette a segno un risultato che indubbiamente apre nuovi fronti e scenari compositivi, di cui in futuro bisognerà tenere conto; nel contempo, realizza un ampio affresco che costituisce un autentica esaltazione della voce umana, delle sue sfaccettature espressive e connessioni culturali e simboliche. Con la sua naturale valenza comunicativa, la capacità di fondersi e annullarsi in complessi agglomerati sonori o stagliarsi in singole funzioni individuali travalicando tecnologie, barriere storiche e culturali, la voce umana è in fondo la protagonista assoluta di questo lavoro; antichissima e modernissima nello stesso tempo, sembra qui ricordarci con forza di essere il principale strumento comunicativo prima ancora che musicale degli essere umani. Nicola Scaldaferri* *Ama i viaggi, scrivere (sulla) musica, suonare zampogne e strumenti vari; interessi che concilia con il lavoro di etnomusicologo all Università di Milano ( 4

7 Conversazione con il compositore Nicola Scaldaferri: REKA costituisce un esperienza inedita per il pubblico, per la presenza dei sei cantori solisti, ma forse ancora di più per la presenza di una folla, che la fa rientrare a pieno titolo nel novero della crowd music, ovvero di musiche composte per grandi masse di performers. Puoi fornirci qualche indicazione sul modo in cui dobbiamo accostarci a questo lavoro? Forse può essere utile usare anche il concetto di sfondo che viene suggerito dal titolo. Yuval Avital: In REKA è come se vi fossero tre brani paralleli, ognuno composto per i tre diversi gruppi di interpreti: i solisti, le percussioni e la folla. Ogni gruppo può essere uno sfondo per gli altri. Fra i tre c è un rapporto dinamico di passaggio continuo dal ruolo di sfondo a quello di figura di primo piano. Se l orchestrazione tradizionale segue prevalentemente un concetto gerarchico di tipo omogeneo, qui siamo in presenza di una visione dinamica, che implica un passaggio cangiante tra chi viene a trovarsi in primo piano e chi sta dietro. Per questi aspetti REKA, come tutte le opere musicali per masse di interpreti, è debitrice di certi comportamenti rituali; pensiamo a certe processioni religiose del sud Italia, dove vi è una molteplicità simultanea di fonti sonore (suonatori, cantori, bande) il cui ruolo cambia a seconda della loro posizione in rapporto alle altre fonti. Gli eventi sonori di massa annullano le dissonanze, dando luogo a un onda sonora complessa in cui si percepisce l intreccio d insieme degli eventi. Un esperienza in qualche modo simile se facciano un analogia con le arti visive a quello che ci accade quando osserviamo gli sfondi di certe opere pittoriche: in apparenza i colori possono apparire compatti e uniformi, se invece sono osservati nel dettaglio rivelano infinte sfumature. N. S.: La presenza di una folla di non specialisti ti pone di fronte a nuove sfide compositive che riguardano sia la scrittura musicale (anche in senso meramente grafico) sia la gestione degli eventi nel loro insieme. Come ti sei accostato a questi problemi? Y. A.: Comporre per una massa di persone vuol dire tener presente anche dei meccanismi di psicologia dei gruppi. Mescolate nella folla, le persone fanno cose che non farebbero mai nella quotidianità. Ad esempio si sentono libere di urlare, come i tifosi durante una partita; tendono inoltre a fare tutti la stessa cosa subentra infatti l identità di gruppo, un senso di appartenenza e di unità; cosa che, come è noto, può avere anche delle connotazioni negative. Punto importante è quello di raggiungere una massa critica per cui si verifichino queste condizioni. Nel contempo, bisogna prevedere qualcuno che faccia partire un evento come chi inizia ad applaudire quando sa che è finito un brano di un concerto; a tal fine, nella folla vi sono anche delle figure di semiprofessionisti di cori amatoriali. La folla è poi organizzata in sezioni: uomini e donne, disposizione al centro, a sinistra, a destra; già questo consente numerose combinazioni. All inizio pensavo di controllare gli eventi sonori della folla mediante i gesti dei direttori, ma ho capito che avrebbe richiesto un lungo percorso per la memorizzazione dei segni; la scelta allora è stata quella di scrivere una vera partitura, con simboli intuitivi di immediata comprensione, richiamati di volta in volta dai direttori. N. S.: A differenza di altri tuoi lavori, in REKA non vi sono trattamenti tecnologici del suono o elementi di multimedialità, che si limitano alla sola proiezione di alcune pagine della partitura autentiche tavole pittoriche al punto da sembrare dei veri quadri. Tuttavia hai fatto un uso assai massiccio della tecnologia, nelle diverse fasi di elaborazione e messa in scena del lavo- 5

8 ro, soprattutto delle risorse offerte dal web. Puoi darci qualche dettaglio su questo? E che feedback hai avuto da parte del web? Y. A.: REKA è un brano volutamente privo quasi del tutto di contenuti multimediali, con l eccezione delle tavole, proiettate al fine di far intuire al pubblico quello che accade dal punto di vista sonoro. Tuttavia, è un brano altamente tecnologico, soprattutto per il modo in cui sono state utilizzate, a vari livelli, le risorse offerte dal web. Tutto il lavoro preliminare con i cantori solisti è stato effettuato tramite Skype, che ha consentito di trascorrere insieme svariate ore, registrare i loro canti, effettuare elaborazioni e prove di editing al fine di organizzare la materia sonora. Sul web sono state inserite le partiture per la folla e i video tutorial; è stata nel contempo effettuata la campagna pubblicitaria per invitare le persone a prendere parte alla performance; tutto è stato fatto seguendo il linguaggio pubblicitario, anche se qui non si trattava di vendere nulla. Ho anche cambiato il mio sito trasformandolo di fatto in un blog. La reazione del web è stata molto positiva; il sito ha quadruplicato le visite, segno che c è interazione e volontà di un rapporto attivo. Comporre crowd music vuol dire anche creare un dialogo, nonché imparare ad usare alcuni comportamenti come leva creativa. N. S.: Quali sono i tuoi prossimi lavori? Le tematiche sviluppate in REKA possono trovarvi una continuità? Y. A.: Nell immediato sto lavorando a un quartetto, Silent Quartet, con video ed elettronica, sul tema dell immigrazione; si tratta di una specie di antiquartetto, in cui non prendo come riferimento la tradizione del quartetto classico, piuttosto vi ritorna un concetto di intreccio e di sfondo assai simile a quello di REKA. Vi è poi un altra sfida: La gran madre; è un istallazione sonora di 80 altoparlanti, da cui escono voci di nonne di tutto il mondo e suoni legati all archetipo della gran madre (intesa anche come madre terra, dunque suoni di vulcani e terremoti), abbinata a un installazione di uno dei maggiori artisti italiani, la presenza dal vivo delle merlettaie di Cantù e delle ex étoiles del corpo di ballo del Teatro alla Scala. Ancora un opera di massa dunque, ma in questo caso una massa di fonti sonore e comportamenti performativi. (a cura di N. Scaldaferri) 6

9 Yuval Avital, compositore Yuval Avital è compositore, chitarrista e artista multimediale israeliano, ed è considerato uno tra i maggiori talenti della scena musicale contemporanea e sperimentale. Nato a Gerusalemme nel 1977, vive a Milano. Le sue opere spaziano dai grandi eventi musicali che prevedono la partecipazione di numerosi musicisti, alle opere iconico/sonore, che coinvolgono musicisti classici, elementi multimediali e tradizionali vettori di culture antiche, ai progetti altamente tecnologici che coinvolgono scienziati, intelligenza artificiale ed elaborazioni sonore dal vivo. Tra le sue opere di maggiore successo: Karagatan, composizione per 100 suonatori di gong e bambù e 2 direttori d orchestra (Filippine, 2013); Otot, sinfonia iconico/sonora per l inaugurazione della stagione sinfonica del Teatro di Como nel 2013; Unfolding space, creato in collaborazione con scienziati di NASA e ESA (Italia, 2012); Garon, opera per 45 tube, 6 percussioni, 3 direttori d orchestra, coro e live electronics (evento di chiusura di Dirty Corner di Anish Kapoor, Milano, 2012); 4 opere commissionate da importanti festival italiani (Kolot 2008, Samaritani 2010, Leilit 2011, Noise for Syd 2013); numerose composizioni di musica da camera e produzioni multimediali eseguite da rinomati solisti. Yuval Avital è il fondatore di Trialogo Festival e della factory di arti performative Magà Global Arts. Dario Garegnani, direttore Dario Garegnani è direttore d orchestra. È stato finalista nel 2010 per la carica di assistant conductor per l Ensemble InterContemporain di Parigi, guidato da Pierre Boulez, debuttando lo stesso anno sul podio dell orchestra del Teatro La Fenice di Venezia per l evento inaugurale di Biennale Musica, dove è tornato nel 2011 a dirigere la medesima orchestra per il concerto di chiusura della manifestazione. Ha al suo attivo decine di prime esecuzioni assolute per grande orchestra sinfonica e per i più vari organici, fino alle monumentali prime esecuzioni assolute di Mise en abîme (2010) e Garon (2011) del compositore israeliano Yuval Avital. Si è diplomato in clarinetto; ha inoltre studiato canto e composizione al Conservatorio di Milano, specializzandosi poi ai corsi di Sandro Gorli per il repertorio contemporaneo, con Benjamin Zander e Janos Furst a Londra, con Erwin Acél ai Wiener Meisterkurse e ai master della Philharmonic Society di San Pietroburgo. Omar Bandinu, canto tradizionale sardo Omar Bandinu è un interprete del canto a tenore sardo, dove ricopre il ruolo vocale di bassu. Il canto a tenore è una delle più antiche tradizioni canore polifoniche dell area mediterranea, sulle cui origini regna ancora il mistero, ma che parrebbe risalire a 3000 anni fa. Bandinu è uno dei fondatori dei famosi Tenores di Bitti Mialinu Pira, considerati ricercatori esemplari del loro patrimonio, esecutori impeccabili con eccezionali qualità vocali, che hanno raggiunto un livello di eccellenza e di ammirazione senza eguali in Sardegna e in tutto il mondo. I Tenores di Bitti Mialinu Pira occupano un posto speciale tra i numerosi gruppi di musica tradizionale sarda; con le loro esibizioni, negli ultimi anni richieste anche in Europa e nel mondo. Degne di nota anche le loro partecipazioni al Concerto di Natale in Vaticano per Papa Giovanni Paolo ii (2001), al concerto presso il Concertgebouw Theatre di Amsterdam (2009) e infine a quello nella Chiesa della Natività di Betlemme (2013). 7

10 Enkhjargal Andarvaanchig, canti difonici della tradizione nomade della Mongolia Enkhjargal Andarvaanchig, noto anche con il soprannome Epi, è considerato uno dei più grandi suonatori dello strumento cordofono morin khuur, nonché uno dei maggiori interpreti viventi del canto difonico tipico della tradizione nomade della Mongolia. Nato nel 1968, è cresciuto in un piccolo villaggio vicino al confine con la Russia e ha studiato al Conservatorio di musica di Ulan Bator. Nel 1993 ha viaggiato per la prima volta al di fuori della Mongolia, durante un tour di concerti in Germania e da allora si esibisce in tutto il mondo. La sua conoscenza della musica popolare mongola gli consente di rimanere in bilico tra due mondi, quello della sua musica nativa e quello della musica occidentale e internazionale, ed è da questa condizione che deriva il titolo del suo cd Hoirr Öngö ( Tra due mondi, appunto). Epi attualmente vive a Karlsruhe in Germania, ma viaggia continuamente per condividere la sua passione per la musica con il pubblico d Europa e del mondo intero. Sofia Kaikov, canto epico degli ebrei di Bukhara Sofia Kaikov, figlia d arte, è una delle più straordinarie voci della rarissima tradizione degli ebrei di Bukhara, uno dei pochi esempi al mondo di canto epico e modale. Secondo un antica tradizione gli ebrei di Bukhara discendono direttamente dalle tribù perdute di Israele e precisamente da Issachar, Neftali e Efraim, tribù che non tornarono dalla cattività babilonese, dopo l esilio nel vii secolo a.c. Gli ebrei di Bukhara dell Asia centrale furono essenzialmente tagliati fuori dal resto del mondo ebraico per più di anni. Ciononostante riuscirono a sopravvivere e a preservare la loro identità ebraica e il proprio patrimonio. Sono considerati uno dei gruppi etnico-religiosi più antichi dell Asia centrale. Quando gli ebrei di altri paesi orientali come Iraq, Iran, Yemen, Siria e Marocco migrarono in Asia centrale si unirono alla comunità ebraica di quell area, e formarono una comunità poi identificata come degli ebrei di Bukhara. La Kaikov oggi vive a Tel-Aviv, dove si esibisce principalmente all interno della sua comunità. Yussuf Joe Legwabe, tradizione vocale zulu Yussuf Joe Legwabe è un musicista sudafricano. Essendo cresciuto a Soweto, ha vissuto le più brutte pagine dell apartheid, maturando però un forte legame e orgoglio per le sue radici, al pari di tanti altri artisti sudafricani. Provenendo da una famiglia ancorata sia alla musica che allo sciamanesimo, assorbe fortemente queste influenze, ma allo stesso tempo non si chiude al dialogo con altre culture e mondi musicali. La sua collaborazione con Ladysmith Black Mombazo e con i Master Drummers of Africa diventano il suo passaporto per emergere al di fuori del Sud Africa. Oggi risiede a Londra ed è considerato uno dei principali interpreti della musica sudafricana nel mondo. È un musicista completo: suona infatti circa 25 differenti strumenti a percussione e ha una straordinaria estensione vocale di quattro ottave e mezzo. Ha girato il mondo in tour con Ipi Ntombi e Ladysmith Black Mambazo e ha anche lavorato a lungo con Hugh Masekela. È stato percussionista e ballerino per Paul Young e solista nei Master Drummers of Africa. Vanta collaborazioni di livello internazionale con Lester Bowie & The Art Ensemble Of Chicago, The Temple Of Sound, Paul Young, Phillip Bent e altri. Collabora con la Real World Records di Peter Gabriel e si esibisce in tutto il mondo. 8

11 Sainkho Namtchylak, canto difonico di Tuva Sainkho Namtchylak è considerata una delle voci più straordinarie del nostro tempo ed è specializzata nel canto armonico. Il suo repertorio è costituito dalla musica tradizionale siberiana, e in particolare i canti difonici di Tuva, ma comprende anche avant-jazz, elettronica, composizioni moderne inserite in spettacoli tradizionali. Cresciuta in un villaggio al confine con la Mongolia, ha sviluppato sin da bambina un forte interesse per il canto armonico locale, il cui studio però è da sempre appannaggio della popolazione maschile. Riesce comunque ad apprenderne le basi grazie a sua nonna. Dopo che le vengono negati i requisiti professionali per accedere a un college locale, si trasferisce a Mosca, dove scopre l improvvisazione e continua a studiare le tecniche vocali delle tradizioni legate allo sciamanesimo e al buddismo siberiani. Tornata a Tuva diviene un membro del Sayani, un folk ensemble statale, ma poi si reca nuovamente a Mosca e aderisce al Tri-O, formazione sperimentale all interno della quale può esprimere al meglio le sue doti vocali e liberare il suo senso melodico e armonico. Dopo il crollo dell Unione Sovietica, si trasferisce a Vienna che sceglie come sua città base, anche se continua a viaggiare molto, esibendosi con vari gruppi in giro per il mondo e lavorando alla registrazione di alcuni dischi che ruotano attorno all improvvisazione libera. Nel 1997 subisce una violenta aggressione che la lascia in coma per mesi, ma già nel 1998 registra un nuovo cd Naked Spirit e riprende la sua carriera di artista internazionale. Lama Samten Yeshe Rinpoche, canto Bo n tibetano Lama Samten Yeshe Rinpoche è nato nella regione del Kham, nel Tibet orientale. All età di nove anni ha preso i voti monastici e ha iniziato a dedicarsi allo studio del buddismo Rime, con molti grandi maestri provenienti dalle cinque scuole di buddismo tibetano. Poi, per 16 anni studia e pratica il buddismo Bo n (la più antica tradizione del buddismo tibetano). Ha avuto il grande privilegio di ricevere molti insegnamenti direttamente da HH Menri Trizin Rinpoche, il leader spirituale ufficiale del lignaggio Bo n Yungdrung, nonché da HE Yongdzin Namdak Tenzin Rinpoche e Menri Ponlop Rinpoche. A contatto con tali personalità ha avuto modo di ampliare la sua conoscenza spirituale e la pratica del Bo n Sutra, del Tantra e del Dzogchen. Studia poi diversi aspetti della tradizione spirituale Bo npo e si perfeziona nelle pratiche dello Dzogchen Grande Perfezione e del Phowa (trasferimento della coscienza). Ha studiato anche filosofia e altri aspetti della cultura tibetana. È stato presidente e vice-presidente della Scuola Dialettica Bo n in India e ha educato gli studenti più giovani del monastero di Menri. Dal 2011 vive in Francia come rifugiato e insegna meditazione Dzogchen e yoga a studenti occidentali che apprezzano profondamente la sua grande conoscenza e la sua capacità di incarnare saggezza e compassione nella vita quotidiana. È, inoltre, membro attivo del movimento Rime, divulgato da Tenzin Rinpoche Wangyal in tutto il mondo. Simone Beneventi, percussioni Simone Beneventi è un percussionista dedito allo studio e alla diffusione della nuova musica. Si esibisce in numerosi festival tra i quali la Biennale di Venezia, Huddersfield Contemporary Music Festival e MilanoMusica, Lucerne Festival, Festival MITO SettembreMusica, Parco della Musica di Roma, Salzburg Festspiele e Wien Modern. Membro dell ensemble RepertorioZero, collabora tra gli altri con Klangforum Wien e mdi ensemble, e con alcu- 9

12 ni compositori tra i quali Helmut Lachenmann e Salvatore Sciarrino. Tra i solisti con cui ha lavorato, ricordiamo Paolo Fresu, Ilya Grubert e Andrea Rebaudengo, mentre tra gli artisti multimediali IanniX, John Malkovich e Otolab. Suona con le principali orchestre lirico-sinfoniche italiane tra le quali anche la Filarmonica del Teatro alla Scala di Milano, la Comunale di Bologna e la Filarmonica Toscanini. Dal 2009 è Direttore artistico del Festival Percussione temporanea di Reggio Emilia. Nel 2011 con RepertorioZero ha ricevuto il premio Leone d argento alla Biennale di Venezia. Lorenzo Colombo, percussioni Lorenzo Colombo, classe 1990, si è laureato in strumenti a percussione presso il Conservatorio Verdi di Milano sotto la guida del maestro Andrea Dulbecco. Vincitore del Premio Nazionale delle Arti (2011) e del Concorso Yamaha (2013), si è esibito all interno di numerose rassegne tra cui i Concerti nel Chiostro e Musica al Castello Sforzesco nella Sala della Balla. Affianca all attività solistica quella cameristica (Duo Colombo-Paletta, W come Tungsteno Quartet) e orchestrale, collaborando, tra gli altri, con I Pomeriggi Musicali, La Verdi e con gli ensemble di musica contemporanea Sentieri Selvaggi e Divertimento Ensemble. Con il nuovo ensemble Percussioni di Milano ha eseguito nelle vesti di solista la prima mondiale dell opera OTOT di Yuval Avital, ricevendo numerosi consensi dalla critica. È fondatore del Colombo- Paletta Duo, nato nel 2010 da un idea di Andrea Dulbecco. Il duo esegue brani per vibrafono e marimba, sia originali che arrangiamenti. Il repertorio spazia dalla musica contemporanea al jazz nelle sue forme più sperimentali. Il duo è stato premiato in occasione del Premio Delle Arti nell edizione del Svolge da quasi dieci anni un intensa attività concertistica come batterista che lo ha portato ad esibirsi in diversi paesi europei e a registrare nel 2011 un disco negli Stati Uniti. 10

13

14 ASPESI tel Ph. Paolo Roversi BOLOGNA FIRENZE GENOVA LEGNANO MILANO PORTO CERVO ROMA TORINO MADRID TOKIO SEOUL

15

16 Un progetto di Città di Milano Giuliano Pisapia Sindaco Presidente del Festival Filippo Del Corno Assessore alla Cultura Giulia Amato Direttore Generale Cultura Città di Torino Piero Fassino Sindaco Presidente del Festival Maurizio Braccialarghe Assessore alla Cultura, Turismo e Promozione Aldo Garbarini Direttore Cultura, Educazione e Gioventù Comitato di coordinamento Presidente Francesco Micheli Milano Enzo Restagno Direttore artistico Vicepresidente Maurizio Braccialarghe Torino Giulia Amato Direttore Generale Cultura Francesca Colombo Segretario generale Coordinatore artistico Aldo Garbarini Direttore Cultura, Educazione e Gioventù Angela La Rotella Segretario generale Claudio Merlo Responsabile generale Coordinatore artistico

17 Associazione per il Festival Internazionale della Musica di Milano Fondatori Francesco Micheli, Roberto Calasso Francesca Colombo, Piergaetano Marchetti Massimo Vitta-Zelman Comitato di Patronage Louis Andriessen, Alberto Arbasino, Giovanni Bazoli George Benjamin, Ilaria Borletti Buitoni, Pierre Boulez Gillo Dorfles, Umberto Eco, Bruno Ermolli, Inge Feltrinelli Franz Xaver Ohnesorg, Ermanno Olmi, Sandro Parenzo Alexander Pereira, Renzo Piano, Arnaldo Pomodoro Livia Pomodoro, Davide Rampello, Gianfranco Ravasi Daria Rocca, Franca Sozzani, Umberto Veronesi Ad memoriam Gae Aulenti, Louis Pereira Leal Consiglio Direttivo Francesco Micheli, Presidente Marco Bassetti, Pierluigi Cerri, Lella Fantoni Roberta Furcolo, Leo Nahon, Roberto Spada Collegio dei Revisori Marco Guerrieri, Eugenio Romita Marco Giulio Luigi Sabatini

18 L organizzazione di MITO SettembreMusica Milano Associazione per il Festival Internazionale della Musica di Milano Francesca Colombo Segretario generale e Coordinatore artistico Stefania Brucini Responsabile promozione e biglietteria Carlotta Colombo Responsabile produzione Emma De Luca Referente comunicazione Federica Michelini Assistente Segretario generale e Responsabile partner e sponsor Luisella Molina Responsabile organizzazione Lo Staff del Festival Segreteria generale Cristina Calliera, Eleonora Porro e Vincenzo Langella Comunicazione Livio Aragona, Irene D Orazio, Christian Gancitano, Valentina Trovato con Matteo Arena e Federica Brisci, Arianna Lodi, Elena Orazi, Niccolò Paletti Produzione Francesco Bollani, Stefano Coppelli, Matteo Milani con Nicola Acquaviva, Elena Bertolino, Diego Dioguardi, Elena Marta Grava e Michela Lucia Buscema, Eléonore Létang-Dejoux, Ivana Maiocchi, Eleonora Malliani Organizzazione Massimo Nebuloni, Nora Picetti, Elisabetta Maria Tonin ed Elena Barilli Promozione e Biglietteria Alice Boerci, Alberto Raimondo con Annalisa Cataldi, Alice Lecchi, Victoria Malighetti, Jacopo Eros Molè, Caterina Novaria, Anisa Spaho ed Elena Saracino via Dogana, Milano telefono fax c.mitoinformazioni@comune.milano.it Coordinamento Ufficio Stampa SEC stampa@mitosettembremusica.it Rivedi gli scatti e le immagini del festival youtube.com/mitosettembremusica flickr.com/photos/mitosettembremusica Si ringraziano i tanti, facenti parte delle Istituzioni, dei partner, degli sponsor e delle organizzazioni musicali e culturali che assieme agli operatori e addetti a teatri, palazzi e chiese hanno contribuito con passione alla realizzazione del Festival

19 MITO SettembreMusica Ottava edizione Un progetto di Realizzato da Con il sostegno di I Partner del Festival Sponsor Media partner Partner Istituzionale Partner Istituzionale Sponsor tecnici Si ringrazia per l accoglienza degli artisti Cioccolateria Artigiana Guido Gobino Riso Scotti Snack Acqua Eva Si ringrazia per le divise dello staff Aspesi MITO a Milano è un evento sostenibile grazie a Con il sostegno di Edison il Festival è il primo evento musicale in Italia progettato e gestito in maniera sostenibile, che si sta certificando ISO MITO è anche a emissioni zero grazie alla compensazione delle emissioni di CO 2 attraverso titoli di Garanzia d Origine Edison che attestano la produzione di energia da fonti rinnovabili. In collaborazione con EventiSostenibili.it

20 I sentieri sonori di MITO Aimez-vous Brahms? Oltre alle sinfonie, l integrale pianistica con i giovani talenti vincitori di importanti concorsi internazionali dal 8.IX al 18.IX ore 18 Conservatorio di Milano, Sala Puccini Ciclo pianistico 9.IX ore 17 Teatro Menotti Trio Talweg Focus Furrer/Vacchi Per conoscere a fondo due tra i maggiori compositori viventi, l italiano Fabio Vacchi e l austriaco Beat Furrer 13.IX ore 17 Piccolo Teatro Studio Melato mdi ensemble 16.IX ore 21 Teatro Dal Verme Filarmonica IX ore 21 Conservatorio di Milano, Sala Verdi Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai 160 Janáček La Grande Guerra Alla scoperta del gusto della MittelEuropa con due appassionati quartetti d archi, il visionario Diario di uno scomparso, tre capolavori per pianoforte e la magistrale Sinfonietta con la celebre Orchestra Filarmonica Ceca: per conoscere uno dei maggiori compositori del IX ore 17 Chiesa di Sant Antonio Abate Quartetto Energie Nove 16.IX ore 17 Piccolo Teatro Grassi il Coro di Praga con Ivo Kahánek Diario di uno scomparso 17.IX ore 21 Teatro degli Arcimboldi Orchestra Filarmonica Ceca musiche di Janáček, Smetana e Dvořák 18.IX ore 17 Teatro Out Off Ivo Kahánek musiche per pianoforte solo Musica, poesia e lettere dal fronte: per scoprire con la musica le voci della nostra storia 6.IX ore 17 Teatro Ringhiera Ta-pum, suoni e parole della Grande Guerra 7.IX ore 17 Auditorium San Fedele Lorna Windsor e il duo Ballista-Canino 14.IX ore 16 Chiesa Sant Alessandro I Canti della Grande Guerra Coro della S.A.T. lo sapevi che i programmi di sala del festival sono anche on-line? Scarica l app di MITO o vai sul nostro sito!